Palios

10 abril 2020

LA CARRETERÍA. CRISTO ENTRE LOS LADRONES

Filed under: Semana Santa, Sevilla — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 8:19

Este paso clásico de Viernes Santos tiene numerosas atribuciones.

Para el Cristo se ha barajado el imaginero Francisco de Ocampo, con semejanzas con el de la Orotava o el Cerro (aunque otros lo atribuyen a Matías de la Cruz). De ser cierta esta atribución sería el perfecto ejemplo del eclecticismo del imaginero, con un tratamiento anatómico en la línea de Martínez Montañés, de suave modelado, y el expresionismo (un tanto esquemático) del rostro, al modo de Juan de Mesa.

En cuanto a los dos ladrones se han atribuido al taller de Pedro Roldán, planteando la posibilidad de la participación de la Roldana y su marido (de los Arcos)

9 abril 2020

SEMANA SANTA EN SEVILLA. ESPERANZA DE TRIANA

Filed under: Semana Santa, Sevilla — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 8:20

Esperanza de Triana, 2019

Vicente Camarasa Domínguez

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8 abril 2020

SEMANA SANTA EN SEVILLA. Buen Fin

Filed under: Semana Santa, Sevilla — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:15

Buen Fin, 2019

Vicente Camarasa Domínguez

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6 abril 2020

SEMANA SANTA EN SEVILLA. Las Penas de San Vicente

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Las Penas de San Vicente. 2019

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5 abril 2020

DOMINGO DE RAMOS. LA ESTRELLA

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2 abril 2020

RETABLO DE NUESTRA SEÑORA DE LA ALHAMBRA

Filed under: Granada, Imagineros — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:30

La iglesia, construida sobre una antigua mezquita mayor, posee un magnífico retablo.

En su origen pertenecía a la Basílica de la Virgen de las Angustias, siendo trasladado aquí en el siglo XX.

Realizado en el tercer tercio del XVII por Juan Lopez Almagro, mantiene la tradicional estructura de tres calles en las que ya aparecen las columnas salomónicas.

Las tallas del Crucificado, Santa Úrsula y Santa Susana son anteriores a él (primer tercio) y fueron ejecutadas por Alonso de Mena.

Por el contrario, la imagen central, una piedad, es posterior, obra de Torcuato Ruiz del Peral

 

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31 marzo 2020

LA ICONOGRAFÍA DE LA PIEDAD (2). MIGUEL ÁNGEL

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:27

Veíamos en un post anterior el origen medieval y la extensión del tema de la Piedad.

Miguel Ángel, heredero de esta tradición, la utilizó repetidamente a lo largo de toda su vida lo que nos permite ver evolucionar al artista a través de él.

Su primera aproximación la realiza con la Piedad del Vaticano (últimos años del siglo XV) en donde elimina todo el mundo gótico para crear una imagen arquetípica del clasicismo cinquecentista en donde se reducen al mínimo los elementos trágicos para convertir a la obra en un ejercicio de meditación melancólica que no renuncia a la belleza, rejuveneciendo de forma extraordinaria a la Virgen o ampliando su tamaño para depositar a Cristo en su regazo sin incurrir en las expresivas desproporciones góticas (en el fondo, siguiendo las líneas marcadas por Leonardo)

El siguiente ejemplo dista casi 50 años del primero. Se trata de la Pieta de la Opera del Duomo, en donde aparece Nicodemo y la Magdalena (muy reconstruida).

El cambio fundamental en lo estilístico es la posición de Cristo que, en vez de reposar en el regazo de la Virgen, queda alzado por Nicodemo. Su cuerpo se convierte así en un peso muerto cuya inestabilidad se refuerza por la posición en zigzag de las piernas que ya nada sujetan.

Esto, unido a la progresiva deformación de los cánones, insiste en un mensaje que ya no es melancólico, sino profundamente pesimista. La belleza y la tranquilidad da paso a la inestabilidad y la impotencia que es reflejo del alma del autor, cada vez más trágico e incomprendido, que ya ha renunciado a la belleza y la ha sustituido por la tragedia.

Todas estas características se repiten en la Pieta de Palestrina, insistiendo aún más en la capacidad emocional del cuerpo humano.

Tomado de wikipedia

Como la anterior, el desasogiego no se transmite por medio de los rostros, poco expresivos, sin lágrimas que nos hablen del momento de dolor.

Por el contrario, es la musculatura excesiva, las piernas extrañamente delgadas y colocadas de nuevo en zigzag, las manos agigantadas de la Virgen … los elementos comunicativos de esta desazón interna del escultor.

Por último, en la Pieta Rondanini (inacabada) nos encontramos (quizás) con una evolución de la composición que, manteninedo la posición vertical e inestable, adelgaza las musculaturas hasta convertirlas en un suspiro apenas, privándolas de materialidad en un proceso (¿?) de espiritualización de las formas visibles.

 

En el siguiente artículo analizamos la evolución de esta iconografía en el mundo barroco

 

27 marzo 2020

SEMANA SANTA EN SEVILLA. Las tres caídas

Filed under: Semana Santa, Sevilla — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 10:03

Las Tres Caídas, 2019

Vicente Camarasa Domínguez

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26 marzo 2020

Comparación entre Rubens (Jardín del amor) y Rembrandt (lección de anatomía)

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 16:36

El Jardín del amor. Rubens

Tomado de wikipedia

En la lección de anatomía se representa una lección pública de anatomía que, en el fondo, tiene un significado religiosos: demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre. EL doctor Tulp es el que aparece con un sombrero para reflejar su posición social, con unas pinzas en la mano derecha, muestra a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección.

En el jardín del amor la escena representa una fiesta que se celebra en un parque, el cual es el de la casa del propio Rubens en Amberes. Diversas
figuras femeninas y masculinas se encuentran en actitud relajada y satisfecha, unas sentadas y otras de pie, cercanas a una fuente dedicada a la diosa Juno, protectora del matrimonio. A su alrededor revolotean amorcillos los cuales simbolizan el amor y se les suele representar como en este caso, disparando flechas, arrojando flores o portando coronas. Se cree que Rubens trata de hacer un homenaje a su esposa, representando una fiesta conmemorativa.

Mientras la lección de anatomía es un doelen, el jardín del amor funciona como un cuadro mitológico en donde los humanos se mezclan con amorcillos o Venus.

La lección de anatomía. Rembrandt

Tomado de wikipedia

Ambas obras están realizadas sobre lienzo con la técnica pictórica del óleo cuyo aglutinante es el aceite, esto permite el mayor trabajo de texturas, además, al tardar más en secar , se puede corregir los fallos que se hayan cometido anteriormente. La pincelada utilizada es suelta para conseguir una perfecta integración de la figura con el ambiente y transmitir una visión más realista.
La composición es asimétrica, los personajes aparece organizados de forma
piramidal con el vértice en la cabeza más alta y una profunda diagonal desde el libro hasta el personaje que aparece al fondo. Se pueden distinguir dos líneas horizontales fundamentales; la primera, recoge el cuerpo diseccionado. Y la segunda banda horizontal, recoge al profesor y a los alumnos que se encuentran atendiendo a la lección.  Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, se ofrece una mayor sensación de realismo.
La composición en el jardín del amor también es asimétrica y dinámica,
consiguiéndolo con escorzos. Las líneas fundamentales que se encuentran en la obra son bandas horizontales, donde la primera recoge a todos los personajes,
masculinos y femeninos, y la segunda el paisaje con algunos amocillos en los cuales predominan las líneas curvas, con el fin de aportar mayor dinamismo y profundidad.
En los dos casos el color predomina sobre la línea gracias a la pincelada suelta, los colores predominantes en la lección de anatomía son oscuros (como es habitual en la vertiente tenebrista). Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista.

Sin embargo los colores utilizados en el jardín del amor son variados, en los
ropajes se encuentran tanto fríos por ejemplo el vestido azul o negro y cálidos por ejemplo, los ropajes rojos, o amarillos. En cuanto al paisaje los colores también se ven compensados, ya que aparecen cálidos, (el marrón claro del templete) y fríos en el azul del cielo y los verdes de los árboles.

Rembrandt está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, siguiendo las indicaciones de la teoría tenebrista. Además, la luz que utiliza es dorada y artificiosa y viniendo de arriba para realzar rostros y golillas, con un foco principal sobre el cadáver.
La luz en el jardín del amor es natural, ya que el espacio es al aire libre ; el foco se encontraría en la zona superior izquierda, proporcionando mediante el claroscuros sombras en el templete.
En la Lección de anatomía existe un espacio cromático dominado por el claroscuro que proporciona volumen a los personajes que rodea, con un fondo en donde aparecen  sombras doradas y con un cartel con el nombre y fecha del artista. Este espacio sombrío contribuye a concentrar la atención en las expresiones de los asistentes, además se utilizan los escorzos para provocar sensación de profundidad , a lo que se añade la composición atectónica en la cual se ponen objetos en un primerísimo plano como por ejemplo el libro que aparece en los pies del muerto, que el cuadro corta por los lados.
En el jardín del amor el espacio se delimita por un templete clásico, de columnas anilladas y atlantes en cuyo interior aparece, sobre una venera, una escultura que representa a las Tres Gracias.

En la parte derecha aparece una fuente con la diosa Juno sobre un animal marino, a diferencia de la lección de anatomía utiliza un claroscuro muy suave, que se limita a dar volumen a los personajes sin potenciar su expresividad (que está basada fundamentalmente en sus posturas y cromatismo). La perspectiva utilizada es la aérea para dar sensación de profundidad.

Las figuras en ambas obras son muy realistas, esto se consigue con expresiones de sorpresa, entusiasmo, atención… Las miradas de cada una de las figuras hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección.
La posición en la que estas se encuentran es dinámica y en escorzo con el fin de
conseguir naturalidad y expresividad. El canon en el jardín del amor es voluptuoso.

COMENTARIO

Estas obras pertenecen al barroco, con las composiciones asimétricas,  escorzos y posiciones dinámicas que buscan la expresividad y el naturalismo en figuras, colores fundamentalmente calidos…

En la lección de anatomía se aprecia la influencia del tenebrismo de Caravaggio y la pincelada suelta y los tonos dorados de Tiziano.

En cuanto a Rubens es muy influenciado por los venecianos (con el uso del óleo y con la pincelada suelta)por Carracci, Bernini, y Miguel Ángel. Este autor supone una gran influencia en el Rococó.

Rubens trabajó para las principales casas reales católicas, era un gran  conocedor de la religión y de la mitología, a partir de las influencias que este tuvo aparece un estilo típicamente barroco, en cuanto a su propaganda, y técnica, con composiciones muy dinámicas y recargadas, gestos teatrales, y una característica forma de tratar los canones femeninos voluptuosos.
Sin embargo Rembrandt representa un barroco distinto que deriva del carácter
protestante y burgués de su Holanda natal, esto es relevante en la pintura porque no existían pinturas religiosas para las iglesias por esto surgen los retratos tanto individuales como colectivos que adquieren el nombre de doelen, es habitual encontrar junto a ellos los lienzos de tema bíblico y los cuadros de género.

Lucía López. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

PARA SABER MUCHO MÁS DE RUBENS Y DE REMBRANDT

24 marzo 2020

NUESTRA SEÑORA DE LA CONCEPCIÓN. LISBOA

Filed under: PORTUGAL — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:57

Muy cerca de la plaza del Comercio queda en pie esta fachada que perteneció a la primera Casa de la Misericordia del país.

Esfera armilar

Cruz de la Orden de Cristo

Fue mecenada por la propia hermana de Don Manuel, doña Leonor, en 1517, y tras el terremoto sólo quedó en pie su imponente fachada manuelina realizada por los mismos autores de los Jerónimos: Boitaca y Juan del Castillo

Su interior, reconstruido en el XVIII, es un perfecto representante del neoclasicismo luso

 

DE TURISMO POR LISBOA

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