Palios

24 octubre 2021

Retablo de iglesia monasterio Guadalupe

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 17:38

Sólo valdría mencionar los artífices que colaboraron en el para entender el valor de la obra, que se mueve entre el último manierismo y los inicios del barroco

Trazado por Juan Gómez de Mora y ejecutada por Juan Bautista Montenegro, con esculturas de Giraldo de Merlo, Jorge Manuel Theotocópuli y Juan Muñoz.

Los lienzos son de Vicente Carducho y Eugenio Cajés, con dorados de Gaspar Cerezo y Gonzalo Marín.

21 octubre 2021

EL CIELO DE SALAMANCA DE FERNANDO GÁLLEGO

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SDELBIOMBO – 28 DE ENERO DE 2013 – 17:49 – RENAC. ESPAÑA

Tomada de Salamanca única

Fernando Gállego realiza una de las obras más fascinantes de nuestro primer Renacimiento: una representación del cielo de Salamanca en donde se redibujan sobre las agrupaciones de estrellas los distintos signos del zodiaco.

En su origen se trataba de una parte de la decoración de la bóveda de la Biblioteca de la Universidad, aunque en la actualidad se encuentra en una de las salas de las Escuelas Menores.

http://espacoastrologico.org

Iconográficamente la obra se inspira en grabados (Poeticom Austronomicom de C.J. Higinio; Venecia, 1.473) y nos muestra la curiosa mezcla de astrología y astronomía típica del Renacimiento y que sólo se diferenciará a partir del XVII.

Es también la muestra del progresivo laicismo del final del gótico que comienza a ser permeable (aunque ya existieran casos muy anteriores, como los famosos zodiacos románicos y góticos) a la cultura clásica.

Tomada de fotolog

Estilísticamente la obra es una rara avis en la obra de este pintor, enmarcado tradicionalmente en el renacimiento nórdico (según Checa Cremades) y flamenco (al modo de Weyden, especialmente), con una fuerte intensidad emocional de la imagen.

5 octubre 2021

REMBRANDT (Primera Parte). PINTOR DE PINTORES

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SDELBIOMBO – 20 DE OCTUBRE DE 2008 – 14:50 – REMBRANDT

Autorretrato (con 55 años)

Casi estrictamente contemporáneo a Velázquez su vida no podía ser más diferente, tanto por el marco social en el que vivió como por su propio talante personal, un tanto bohemio, casi anticipo de lo romántico, especialmente en la segunda parte de su vida, cuando los gustos artísticos cambien en los Países Bajos y su situación económica le lleve a la bancarrota y a una triste y acelerada vejez.

Como puede verse en la imagen que abre el artículo, la imagen que transmite Rembrandt parece muy distinta a la que (con los mismos años) transmitía Velázquez en las Meninas, el cortesano frente al bohemio, el ser triunfante frente al derrotado.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Velazquez_Cruz_Roja.jpg

Velázquez Meninas

Sin embargo, y como el propio Velázquez, Rembrandt pasará a la Historia del Arte como un pintor de pintores, y la estela de su obra se puede seguir como una línea aparentemente discontinua pero en realidad constante que, entre otros, influyó en Goya, Van Gogh o Picasso.

Mis únicos maestros son Velázquez, Rembrandt y la Naturaleza, diría una y otra vez Goya, que especialmente en sus grabados, tomó numerosas inspiraciones del maestro holandés, así como la sinceridad de sus retratos

Autorretrato. Goya. 1800

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Goya_selfportrait.jpg

Más adelante será Van Gogh el que quedará maravillado por Rembrandt y como ya se vio en su autorretrato , sigue la estela de la indagación en su propio rostro, vigilándose constantemente.

Van Gogh. Autorretrato

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:VanGogh-self-portrait-dedicated_to_gaugin.jpg

Pero sin duda alguna, el último gran clásico que será Picasso, tomará todas estas influencias para reconvertirlas en su personal arte. En sus obras pasearán El Greco, Goya, Delacroix o Matisse, pero siempre dejando el lugar de privilegio a Velázquez (Su famosa serie de las Meninas) y a Rembrandt, cuya figura aparecerá cada vez más frecuentemente según se acerque a su vejez y se repita el tema del pintor y su modelo. El pintor será, una y otra vez, Rembrandt y sus gorros fantásticos con el que Picasso juega como si fuera un alter ego en el constante juego de disfraces que fue su pintura final

Picasso. Rembrandt y Eros

Para saber más:

Segunda parte. Las dos vidas del pintor 

http://arteolmos.blogspot.com/search/label/Barroco%20Europeo (Selección fotográfica)

Todas las imágenes de Rembrandt las tenéis en http://www.rembrandtpainting.net/

Buenos artículos en

http://aprendersociales.blogspot.com/search/label/13.5.%20PINTURA%20BARROCA%20HOLANDESA

Grandes fotos con pequeños comentarios

http://arteyartistas.wordpress.com/2007/11/18/rembrandt-harmenszoon-van-rijn/#comment-300

TODOS NUESTROS POST SOBRE REMBRANDT

2 octubre 2021

CLAUDE MONET. NINFEAS, PAISAJE ACUÁTICO, NUBES

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:33

SDELBIOMBO – 09 DE JUNIO DE 2009 – 14:09 – DE MANET A VAN GOGH

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2012/04/

Tema: Monet no quería contar nada en sus cuadros, sólo  le interesaba la luz; por  lo tanto el tema es antiliterario, es  decir que no tiene ninguna historia para contar, por  eso inició series en distintos horarios del día para tener distintos tonos de luz y sombras para jugar con el mismo objeto. Algunas  de las series realizadas por Monet fueron la catedral de Rouen,las estaciones y las ninfeas . Llegó a hacer una gran cantidad de cada motivo todos ellos con diferentes tonos de luz, más  azules, rojizos,  y con el descubrimiento de la rueda cromática y la mezcla de los colores consiguió mas tonos.

Composición: la composición la forman líneas horizontales creando profundidad transformadas en nenúfares florecidos que están sobre el agua jugando con colores para formar el reflejo del cielo y los alrededores en el agua. Gracias  a los avances científicos ocurridos en esta época Monet consigue nuevos encuadres y técnicas como el picado o contra picado que son planos usados en la fotografía.

Línea y color: las pinceladas ya no suelen ser en esta etapa sueltas sino que las convierte en manchas. Son las pinceladas iniciadas por Velázquez pero llevadas al extremo;en concreto la base del cuadro esta compuesta por grandes manchas con los colores de fondo y después, por encima, ha usado pinceladas muy sueltas, manchas  para dar la forma a los componentes del cuadro e incluso pinceladas abocetadas.En los colores no se encuentra ningún negro pero sí algunos tonos oscuros como verdes y azules que reflejan la naturaleza   ( todos los colores usados para sombras y reflejos no son negros ni grises sino mas colores). 

Luz: la luz es representativa porque la poca que hay se refleja en el agua resaltando a los nenúfares y dando vida al cuadro.

Perspectiva: tiene una perspectiva cónica donde el punto de fuga son los nenúfares que se encuentran en el centro causando profundidad; y creando un plein air

Comentario:

Monet logra captar en sus cuadros la vida, la forma de la naturaleza mientra juega con todos los colores por el cuadro, y todo lo hace pintando sólo lo que ve; duda posee una vista privilegiada ayudada de una memoria gráfica que poseía para acabar sus cuadros.

Este  cuadro de ninfeas, como muchos otros con motivos de nenúfares, los fue realizando en la ultima etapa de su vida en un jardín con un lago y un puente que a veces parecía darle un aire japonés como los famosos jardines de este país. También se encuentra en estos motivos el tema antiliterario buscando la luz en la naturaleza y los planos picados y contrapicados (tuvo  una gran influencia sobre esto al tener un estudio flotante en un bote y  salir a pintar al campo para captar los colores, qué  cada vez va haciendo todo mas complejo en sus pinturas).

A medida que el estilo incomprendido de Monet crecía con el paso del tiempo, pintores como van Gogh, Gauguin o Cezanne comenzaron a realizar cuadros muchos de ellos sin tema alguno, solo jugando con los colores en forma de sinestesia, es  decir como si los colores fueran notas musicales y tuvieran que componer una canción. Todos  estos pintores bohemios fueron desarrollando su estilo propio como puede ser van Gogh que utilizaba sus cuadros para pintar su realidad tenebrosa o Gauguin que quería reencontrarse con la naturaleza de una forma espiritual, o Cezanne que influirá en el cubismo de Picasso pintando formas geométricas en sus cuadros de distintos puntos de vista y encuadre.

Sara Gómez (4º ESO, A, SIES LA POVEDA DE CAMPOREAL)

25 septiembre 2021

La pradera de San Isidro y El Coloso. GOYA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:14

SDELBIOMBO – 08 DE MAYO DE 2016 – 19:20 – GOYA

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Tema y personajes.

Es una pintura de tipo costumbrista, en el se refleja un día probablemente de fiesta en el que la aristocracia y el pueblo salen a festejar pero siempre manteniendo las distancias pues se trata de una sociedad todavía estamental. El mensaje es lúdico y decorativo ya que se trata de un cartón para tapiz.

Por otro lado el segundo cuadro es de tipo mitológico aunque no del todo, ya que en él aparece un enorme coloso del que huyen todos los seres que lo ven es una crítica a la guerra ya que durante este periodo Goya vive la guerra y decide plasmar lo que en ella sucede.

Soporte.

La pradera de San Isidro es un lienzo al oleo con pincelada suelta que no llega a ser pastosa. Características que se repiten en el segundo de los cuadros a analizar, El coloso, aunque en este caso la pincelada ha evolucionado siendo mucho más suelta y utilizando una mayor cantidad de materia.

Composición.

Se trata de una composición más o menos simétrica y estática aunque en el segundo plano la masa de gente posee algo de dinamismo. La forma geométrica que se ha utilizado para colocar los personajes es un gran triángulo invertido, las líneas fundamentales por lo tanto serán horizontales aunque aparecen también diagonales suaves. La obra es tectónica, al menos en el primer plano.

Por otro lado, la otra composición es algo más asimétrica en comparación a la primera pero no llega a serlo del todo. Las formas geométricas que utiliza son las bandas horizontales para la masa  y un gran rectángulo para englobar al colos; las líneas por tanto son tanto horizontales como verticales. En este caso es una composición más atectónica.

Línea y color.

En el primero predomina el color sobre la línea utilizando colores pasteles que añaden un valor volumétrico a las figuras. En el segundo, aunque también predomina el color, la gama ha sufrido un gran cambio siendo ahora colores mucho más sucios y terrosos, aunque siguen siendo volumétricos.

Luz.

Se trata de una luz natural con fin representativo, no hay un foco claro ya que se ilumina toda la escena por igual. En El Coloso, sin embargo, pese a ser una luz natural es mucho más expresiva en comparación a la anterior apareciendo un foco de luz a la izquierda del coloso y otro en el mismo lado pero en la parte inferior.

Espacio.

Se trata de una perspectiva aérea algo vaporosa compuesta en varios planos. En el primero aparece la nobleza, en un segundo plano el pueblo llano y a partir del río se distingue el tercer plano en el que aparece un gran palacio.

Aparece una perspectivaque no llega a ser del todo aérea pero si muy vaporosa en la que aparecen dos planos en el primero se sitúa la gran masa que huye y en un segundo en el que se encuentra el coloso.

Figuras.

Las figuras son realistas aunque tienden a la idealización, con un canon perfecto, las posiciones son ligeramente dinámicas, estables, de gestos aristocráticos y expresivas. Las figuras están individualizadas y las texturas interesan pero no son lo primordial. Las figuras se relacionan entre sí, pero no se mezclan entre ellos es decir la aristocracia no interacciona con el pueblo.

En El Coloso las figuras son realistas pero la principal tiene un canon hercúleo, en el resto de figuras no se aprecia el canon. La posición del coloso es estática y estable aunque está en el momento de máxima tensión, mientras que la masa que huye es muy dinámica e inestable, esta sensación se acentúa por el empleo de una pincelada cada vez más abocetada. La relación entre ellos es que huyen despavoridos del monstruo.

Comentario.

La pradera de San Isidro utiliza colores pastel, figuras más idealizadas y estáticas y se centra en temas más costumbristas ya que se trata de la fase rococó de Goya. Por otro lado El Coloso es un Goya mucho más maduro que utiliza colores terrosos con pincelada suelta y fondos vaporosos utilizando una técnica similar a las pinturas negras.

Goya comienza a pintar cartones para tapices, con estética rococó, que surge a finales del XVII en el que la producción  se desarrolla en torno a los cortesanos, aunque el foco principal era la corte francesa los borbones españoles también adoptan este estilo, se trata de plasmar el mundo refinado aristocrático cuajado de lujos y exquisitez; será gracias a este trabajo conseguirá ascender a pintor del rey Carlos IV. En la corte donde tendrá acceso a los cuadros de Velázquez y a partir de aquí  empezará a cambiar su estilo tomando muchos elementos del artista como la pincelada muy suelta o algunos fondos  vaporosos.

Más tarde comenzará la guerra y Goya, en vez de posicionarse de un bando u otro, decide actuar como lo haría un periodista actual, es decir plasma todos los desastres que causan ambos bandos, se opone a la guerra su actitud será un preludio del movimiento romántico.

Debido a una sordera, su estilo cambiará de una manera drástica, ya no pintará para un público si no para sí mismo, plasma su angustia que se refleja directamente en los colores sucios o en los temas como la muerte o lo demoníaco. Finalmente, tras su salida de España recobra su felicidad y vuelve a ser colorista dejando los temas tétricos a un lado para volver a los temas amables con una pincelada extremadamente suelta.

Mientras que La pradera de San Isidro está influenciada por los pintores del Rococó Tiépolo y Watteau, El Coloso lo está por Rembrandt y el mundo barroco. Debido a su innovación técnica se le considera precursor de todas las vanguardias del siglo XX así como de movimientos previos a éstas como el romanticismo, el realismo y el impresionismo.

Elsa Ocaña Nistal 2ºBac. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

15 septiembre 2021

SINGER SARGENT. UN REALISTA CON MUCHO PASADO VELAZQUEÑO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 19:02

SDELBIOMBO – 17 DE MARZO DE 2010 – 21:18 – ARTE SIGLO XIX

 Nacido en Florencia, aunque de padres estadounidenses, pasó gran parte de su vida en Europa.

Su vida activa se correspondió con las grandes revoluciones pictóricas de impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas, expresionistas o de las primeras abstracciones.

Sin embargo el pintor se sintió completamente ajeno a ellas y practicó un estilo realista (aunque sin ningún componente crítico) siendo el retrato su actividad favorita.

Con estas características podemos entender cuáles serán sus principales clientes, miembros de la burguesía acomodada que buscaban una representatividad sin ningún tipo de investigación (o problemas) visuales, curiosamente algo parecido a lo que sucediera en la segunda mitad del Quattrocento italiano en donde la burguesía enriquecida renegó un tanto de los grandes maestros investigadores (Ucello, Castagno, Piero Della Francesca) y buscó un estilo menos novedoso pero más dulce (Guirlandaio, Lippi. Perusino…)

Su técnica, sin embargo, está fuera de dudas. Su capacidad para las texturas, la penetración psicológica o el espacio es fantástica y entronca con los grandes clásicos.

Pues la obra de Sangert es un paseo por el gran barroco.

Fijaros así la postura elegante, la suavidad de la luz, la pincelada deshecha que vuelve vaporoso el fondo tomada de Van Dyck

Mrs Hugo Hammersley

O de un lejano discípulo de Van Dyck, Gainsboroughel gran retratista del XVIII ingles

Pauline Astor

Recogió ideas de sus contemporáneos más cercanos, desde Delacroix y sus odaliscas

Almina Daughter

Courbet  (aunque quitándole toda su carga polémica)

E incluso Manet

El Jaleo

Stevenson (inspirado en el Malarmé de Manet)

Haciendo incluso incursiones en los modos simbolistas

Ellen Ferry at Lady Macbeth

Isabella Stewart Gardner

lejanamente impresionistas

Paul Helleu Sketching

Sin embargo su influencia más duradera (y que mejores obras le hizo producir) es la velazqueña.

Robert Louis Stevenson and His Wife (Fijaros en el espacio con su puerta, tan velazqueño, como la alfombra, una réplica de la de Túnica de José, la pincelada suelta)

Ahora tenemos la oportunidad de ver esta influencia en el propio Prado gracias a su obra Las hijas de Edward Darley Boit, inspirada en unas Meninasque copió durante un tiempo en el propio museo (y ante la que se confrontará durante unos días) .

De ellas saldrán muchas posiciones (mirad los pies en compás), la gran percepción del espacio matizado por el claroscuro, los biombos visuales que recortan la escena llena de aire (en los que se encuentra sin decirlo la idea del espacio doble de las Hilanderas), con una solo aparente idea de cotidianeidad (en los gestos) que se desmiente por el enorme trabajo de composición.

Lo que no es velazqueño es el maravilloso tono azul que sirve para armonizar toda la escena o sus maravillosos blancos que rompen la entonación general para actuar como manchas, pozos de luz, que nos hacen recorrer la escena (al modo de los rojos en las Meninas) de forma curva.

La composición también resulta más audaz de lo habitual, jugando con la tensión de llenos y vacíos que hace del espacio una hija más del cuadro (con los dos grandes jarrones equilibrando lo que se nos marcha irresistiblemente hacia la izquierda para anclar el aire y hacerlo presente)

Todas la imágenes tomadas de

http://commons.wikimedia.org/wiki/John_Singer_Sargent

6 septiembre 2021

OLIVOS CON LES ALPILLES AL FONDO. VINCENT VAN GOGH

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 6:00

SDELBIOMBO – 19 DE MAYO DE 2009 – 14:17 – DE MANET A VAN GOGH

Tomado de 

Tema

Por así decirlo, aparentemente, como la mayoría del impresionismo (aunque este cuadro es del postimpresionismo y las cosas varían un poco en cuento a tema y más en el caso de Van Gogh), se podría decir que es un tema antiliterario, que no cuenta una historia porque es tan solo un paisaje. Sin embargo Van Gogh, por su propia situación personal, expresa sus sentimientos a través de su pintura y forma de pinta. Él no pretende pintar sólo lo que ve; su interés es cómo lo ve, su miedo, su angustia, la vida que lleva, aunque el contenido en sí (los olivos) no sea gran cosa.

Composición

La composición es asimétrica, ya que con solo ver las líneas enroscadas de los olivos, el suelo, las montañas y el cielo, se pierde la situación de armonía y tranquilidad que expresaban muchos impresionistas cuando se dedicaban a pintar un paisaje sencillo y armonioso. Esto Van Gogh no lo evitaba a través del dibujo deformante.

 No se ve ninguna definida como tal para saber cómo dividir el cuadro; sólo la dirección en que van las ramas de los olivos.

Línea y Color

La línea se ve marcada con un tono más oscuro alrededor de algunas figuras y así da mayor sensación de espiral e inquietud. En el color predominan los fríos, pero tienen algunas mezclas con colores cálidos y algunos tonos amarillos anaranjados sobre todo en el suelo y en la nube.

Son por lo general, como en muchos de sus cuadros, colores agresivos que de alguna forma también utilizaba para expresar su estado. Con esto quiere no dejar indiferente al que ve un cuadro suyo, quiere “golpear visualmente” al espectador.

Debemos de tener en cuenta que el contraste de colores sería mucho más fuerte cuando pintó el cuadro, ya que pierden fuerza con el tiempo.

Luz

Los impresionistas (pero no los postimpresionistas) sólo buscaban la representación de la luz con sus diferentes tonos y posibilidades (sin mostrar ningún tipo de expresión, teniendo en cuenta que sus cuadros no contaban ninguna historia).

Sin embargo, en este cuadro la luz no interesa (Van Gogh no busca representarla) no aplica ningún tipo de luz especial, no le presta mucho interés, pues no pinta lo que ve, ni busca los distintos tipos de luz, sus colores, las sombras; sólo quiere expresar y conseguir impactar al espectador.

Perspectiva

Usa la perspectiva dibujando las montañas de fondo, también con curvas y espirales, bien definidas, sin usar perspectiva aérea (difuminando el paisaje a medida que se aleja).

Figuras

Si las figuras de esta pintura, que son los olivos, estuvieran pintados por otro pintor de esa época no tendrían ningún tipo de expresión, pero Van Gogh los usó para hacer una representación de lo que sentía. Usa las espirales y las curvas retorcidas (como en muchos de sus cuadros) para expresar el sentimiento de angustia, miedo, tristeza, soledad…

Comentario

Este cuadro fue pintado por Van Gogh en el último año de su vida, cuando por petición suya se internó en un sanatorio mental, debido a sus ataques de locura, durante su segundo periodo de hospitalización en Saint-Remy, esperando mejorarse.

Económicamente le mantenía su hermano Theo Van Gogh,. Él era el que le sostenía moralmente, aunque a veces se sentía culpable por la dependencia que tenía de Theo y por su fracaso artístico. A pesar de todo  siguió pintando y durante su estancia allí salía a pintar los paisajes de alrededor (acompañado de alguien que le vigilase) llenos de olivares

Esta última época de Van Gogh fue una de las más expresivas (por no decir la que más). Era su peor momento, sus ataques eran cada vez peores y no se reducía la enfermedad, pero de alguna manera se sentía tranquilo porque sabía que estaba vigilado y cuidado en el sanatorio, y en sus momentos con plena facultad mental era cuando pintaba, de una forma frenética, tal vez porque era cuando más necesitaba desahogarse de todo lo que había pasado, de su fracaso absoluto, de sus desencuentros con la vida, de sus desengaños amorosos y artísticos, sin haber podido encontrar su sitio en la vida

A tal situación le llevó este cúmulo de cosas que acabó el día 27 de julio de 1890, yendo a un campo lejano. A la edad de 37 años, con un revólver en la mano, se dispararó en el lado derecho del pecho y volvió a la posada. Allí le dio tiempo a estar durante dos días (lo que tardó su hermano en llegar hasta él) hasta que murió en brazos de Theo dejando una carta sin terminar con su despedida.

Una de las cartas de Vincent Van Gogh para su hermano:

“¿Qué es dibujar ? ¿cómo se llega ?. Es la acción de abrirse paso a través de una pared de hierro invisible, que parece encontrarse entre lo que se siente y lo que se puede…” (carta 237 a su hermano Theo).  

Vanessa Alfonsín Belinchón (4º ESO A, SIES La Poveda en Campo Real)

31 agosto 2021

Análisis y comentario. Santo Domingo. Martínez Montañés

Filed under: General, Sevilla — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 18:33

Figura central del retablo de Santo Domingo de Portaceli (Sevilla) que representa al santo creador del movimiento dominico con una iconografía poco usual. Tradicionalmente Santo Domingo aparecerá arengando y predicando, acompañado por su perro en cuyas fauces aparece una antorcha.

Sin embargo, en esta obra aparece con el torso desnudo y aplicándose penitencia con un látigo, un tema sumamente querido en la época contrarreformista en donde la penitencia se vincula directamente con el perdón de los pecados (la confesión) fuertemente apoyada por Trento frente al libre examen protestante.

Íntimamente relacionado con ello en este periodo barroco llegan a su plenitud las procesiones que recorren las calles en periodos litúrgicos (Semana Santa, Corpus) o momentos especiales (sequías, hambrunas, pestes). En ella aparecían los nazarenos de luz (con vela) junto a los de sangre (que se fustigan la espalda), una escena que recrea esta escultura y que (como es norma del mundo barroco) intenta acercarse al espectador a través de los sentimientos.

Estéticamente nos encontramos con una obra exenta (muy posiblemente para poder ser utilizada en desfiles procesionales), de talla sobre madera policromada (por Pacheco) y, posiblemente, con postizos, como podrían ser las colas del látigo.

Su composición se estructura en la gran diagonal generada por su cuerpo inclinado que se cruza con la otra línea fundamental de la escultura, el escorzo de su brazo que une visualmente la cruz con la mirada del santo. Se crea así un movimiento físico que, a la altura de la cabeza, se convierte en impulso emocional, con esa mirada reconcentrada en la cruz que lo aparta de todo y todos, justificando así el castigo como un impulso hacia lo divino. (Por otra parte, esta composición abierta y compuesta permite múltiples puntos de vista de la obra en sus salidas procesionales)

Tanto la policromía (mate, como es habitual en Pacheco, su principal colaborador) como la propia anatomía buscan una imagen realista (fíjate en los michelines del estómago) aunque sin caer en los excesos expresionistas del mundo barroco castellano (como se puede ver comparando esta obra con cualquier Cristo muerto de Gregorio Fernández, sus heridas y regueros de sangre) Se busca así una línea más clasicista que suaviza los aspectos más dolorosos de la realidad y apuesta por la belleza (también la del propio cuerpo humano) como forma de predicación al pueblo.

El modelado de la obra es intenso en la zona baja (los paños), creando fuertes claroscuros (que además generan una posición más estable de todo el conjunto), mientras que las carnaciones se realizan de una forma más suave y detallista, especialmente en sus rasgos de anatomía (musculatura, venas de brazos y cuello) que hablan de un gran conocimiento anatómico conseguido en la morgue de Sevilla (el Hospital de las cinco llagas), como ya era habitual desde el renacimiento (Miguel Ángel, Leonardo…)

La obra tiene una clara influencia. Se trata de la figura de barro cocido y policromado de San Jerónimo penitente que realizara Torrigiano en su estancia en Sevilla. Este compañero de Miguel Ángel en su juventud florentina crea un modelo de fuerte intensidad (tanto emocional como física), reforzado por su postura y composición, que servirá a Martínez Montañes en varias de sus obras (San Jerónimo de Santiponce)

En conclusión. Una obra típicamente barroca tanto en su tema (la propaganda religiosa de las nuevas normas emanadas en Trento y extendidas por la orden jesuita) como su técnica (diagonales, intensidad emocional), hecha para conectar con el espectador a través de la empatía, realizada por uno de los imagineros más insignes de toda nuestra Historia del Arte que, nacido en Alcalá la Real y educado en Granada (Pablo de Rojas), se establecerá en Sevilla, con trabajos puntuales en la corte (como la cabeza de Felipe IV que retratará EL PROPIO Velázquez). En su taller se educarán alguno de los escultores más prestigiosos de la siguiente generación (Juan de Mesa, Pedro Roldán…), siendo uno de los puntos de referencia de toda la escultura del sur de España con múltiples obras maestras (Cristo de los Cálices, la Cieguecita, Pasión, San Bruno, San Lorenzo, San Ignacio…)

TODOS NUESTROS POST SOBRE MARTÍNEZ MONTAÑÉS

8 junio 2021

EL PRESEPI NAPOLITANO DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA IN VIA. ROMA

Filed under: belenes — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:46

SDELBIOMBO – 11 DE DICIEMBRE DE 2009 – 14:54 – BELENES

Imágenes: Vicente Camarasa

BELENES EN NUESTROS BLOG

4 junio 2021

COMPARACIÓN ENTRE EL ORIGEN DE BATMAN Y EL DE EROS

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 6:32

Antes de comenzar a divagar en un tema tan inusual como es la comparación del dios del amor con un personaje de cómic, considero que es importante aclarar que este trabajo fue realizado tras leer De Amore, de Ficino, un autor renacentista que en esta obra trata el amor desde un punto de vista platónico a través de diferentes autores de la época y exponiendo el amor desde perspectivas diferentes.

Este trabajo es una de las prácticas realizadas para la asignatura de Historia del Pensamiento y de las Ideas Estéticas de la carrera de Historia del Arte en la Universidad Complutense.

Cuando se habla del origen de Eros a través de la unión de Poros y Penia, también se debe observar que es la unión de la riqueza con la pobreza, y en esta misma idea de entender el origen de Eros por esta unión, pienso que esto también se produce en el origen de Batman, pues es un personaje que posee tanto riqueza, entendida como la riqueza material que posee gracias a su vida de multimillonario, como pobreza, la cual más que material sería una pobreza emocional causada por el asesinato de sus padres cuando este era joven. Ambos aspectos tan importantes en la vida de este personaje considero que acaban juntándose y dando lugar a la creación de Batman. Esta creación la produce la pobreza, ya que es su padre moribundo quien le pide al personaje que haga algo por mejorar la ciudad y acabe con los parásitos que se aprovechan de ella, y este último deseo de su padre lo pretende cumplir haciendo uso de su riqueza, que la empleará para facilitarse el objetivo que persigue con la fabricación del característico traje así como todo lo perteneciente al personaje con el fin de facilitarse el objetivo.

En el libro se lee que el amor acompaña al caos, y el caos en esta ocasión sería la situación en la que se encuentra la ciudad, así como el amor sería entendido como Batman, quien ilumina la ciudad y da una nueva ilusión a sus ciudadanos de vivir. Se exponen tres ejemplos de amor en el discurso de Fedro, pero a ellos pienso que se debería añadir el amor que siente un hombre por su ciudad, como Sócrates con Atenas o Batman con Gotham. Continuando con las comparaciones, cabe destacar las que existen entre las figuras de Dios y Bruce Wayne, ya que ambos son buenos, bellos y justos: buenos a la hora de crear, uno como creador del mundo y el otro como creador del salvador; Dios es bello cuando atrae hacia él, de igual forma que hace Wayne como seductor; y ambos son justos, ya que ambos juzgan a los demás según sus acciones basándose en un ideal claro de justicia.

Orfeo observa al amor como algo agridulce, ya que es una muerte voluntaria, y esto se puede apreciar también en Batman, pues el personaje con tal de defender la ciudad es capaz de “matar” a su alter ego, y a su vez no pensar en otra cosa que no sea acabar con los que corrompen la urbe, haciendo que se vuelque en este objetivo sin pensar en otra cosa.

En los textos encontramos también la idea de que la belleza y el amor van de la mano, entendiendo que la belleza es lo bueno y la fealdad se considera malo, lo que en relación con el personaje, la belleza se podría considerar el deseo de que querer salvar la ciudad y la fealdad los enemigos del personaje, aquellos que atentan contra la ciudad.  Casualmente gran parte de ellos sufren malformaciones en el cuerpo y en la mente. Diótima habla de la idea de que el amor pertenece al orden de los demonios, de igual forma que ocurre con la ciudad, ya que Batman no existiría si tampoco lo hicieran los antagonistas del superhéroe.

De modo, que igual que la belleza necesita que exista lo feo para poder definir el amor, Batman a causa de la pobreza de su alma necesita el caos para seguir existiendo, necesita que su propio amor, su ciudad, le necesite para seguir adelante.

El amor tiene su origen en la vista, y es través de la observación con la que se manifiesta definitivamente el deseo del personaje de querer servir a cambiar las cosas. Es la riqueza en este caso la que lleva a cabo esta función, ya que si no hubiera sido por la gran herencia que obtiene de sus padres jamás hubiera podido llevar a cabo su proyecto. Es esta parte la que sirve como motor para la pobreza para alcanzar su deseo, arrastrándola a pelear contra sus demonios.

El poeta Agatón también sugiere una definición del amor que podría entenderse como la figura del superhéroe. Dice que “el amor es joven, tierno, ágil, bien proporcionado y brillante”, características que describen al propio personaje: Batman es encarnado por un hombre joven que si bien no es tierno, si lo es su idea de justicia, ya que por mucho odio que pueda sentir, eso no afecta a su uso de la razón a la hora de impartir justicia, lo cual lo consigue gracias al uso de su agilidad a la hora de actuar sigilosamente, siendo así una persona bien proporcionada mentalmente que huye de la locura y el caos gracias a la brillantez que obtiene a través de su ingenio.

Como conclusión, el deseo del personaje no podría existir sin la indignación de ver cómo Gotham se desmorona siendo aprovechado por sus detractores. Este deseo pone en peligro la vida del enmascarado, pero no puede vivir sin ese peligro y ese amor por su ciudad. Sin ellos no podría pelear, y por tanto no podría servir a Gotham, y de ser así la unión de la pobreza con la riqueza no habría servido para nada.

                                                                                          Ismael García Sevilla.

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