Palios

16 enero 2019

Baldung Grien. Luces y sombras

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:00

Baldung Grien, discípulo de Durero, nos presenta en estas dos obras del Prado la dualidad de nuestro mundo, sus paraísos y sus infiernos.

Posiblemente pensadas casi como un díptico desarrollan un tema muy querido por el autor, el juego entre vida y muerte, entre belleza y deterioro, entre mitología y pura realidad que, en el fondo, no son otra cosa que el reflejo de un mundo en crisis, desgarrado por las guerras religiosas que, usando el nombre de Dios, siembran de muerte y calamidades toda la Europa septentrional.

Una versión alemana (tan dibujística, tan llena de anécdota y detalles, tan poco dada a la belleza idealizada) del drama manierista que inicia Miguel Ángel y que podemos experimentar comparando simplemente sus piedades en donde pasamos de la armonía total a la total desesperación.

En el primero de ellos se nos presenta a las Tres Gracias, símbolo de la Armonía (como ya vimos en el cuadro de la Primavera de Boticelli), con la representación de las artes (literatura y música) y el amor (amorcillos).

Es la Edad de la Inocencia  anterior al pecado, una edad de oro que, sin embargo….

Se acompaña de las tres edades del hombre, desde la niñez hasta la vejez pasando por la edad madura. En ellas se nos recuerda el tempus fugit que terminará con la muerte, representada (como era habitual desde la baja Edad Media) por un esqueleto con guadaña y el reloj de arena.

Tras ellos está el paisaje desolado del que ha dejado la vida, tan sólo con una única mota de esperanza: un Cristo crucificado junto al sol.

La lechuza inferior nos hablaría del ¿pecado? ¿de la necesidad de sabiduría?

En ambos cuadros encontramos la herencia del dibujo de Durero (aunque en un sentido mucho más duro, tal vez vinculado a su oficio de grabador que da más importancia a los perfiles que a los volúmenes, con un escaso interés por el color) y un progresivo manierismo en las anatomías (que aún se estilizan más por el formato elegido, muy vertical y estrecho) y ese gusto por enredar los personajes por medio de gestos y paños.

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14 enero 2019

Cacerías en el castillo de Torgau. CRANACH EL VIEJO

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:48

Tomado de wikipedia

Paisaje, castillo y caza como símbolos de poder y prestigio. Este el verdadero argumento de la serie de cuadros que Cranach el Viejo pintó para el Juan Federico, elector de Sajonia.

En el fondo hablamos de territorio controlado (paisaje), lugar de gobernanza (castillo) y ejercicio de la violencia (caza) como formas de dominación y control, ergo, de poder.

Las múltiples escenas se suceden como una gran coreografía , como si los ciervos fueran sus siervos (en realidad nos encontramos más con una ideología feudal que con verdadero estado moderno). Un engranaje hecho de soldados que obedecen a un señor y transmiten algo más que una pura cacería: un control sobre el territorio, sobre los propios habitantes de él.

Entre medias el paisaje como un signo de riqueza, la que proporcionan sus bosques y arterías fluviales para el comercio, los puentes para las comunicaciones pero también para la defensa, la caza, el ejército depredador.

Para unificar todos estos significantes Cranach utiliza una técnica que se se hará habitual en los cuadros de batalla. Un doble punto de vista que permite la visión caballera para el primer término (con un punto de vista alto que permite alarga el horizonte para así poder llenarlo de múltiples escenas, tal y como había desarrollado el Bosco o Patinir en muchos de sus cuadros), que se combina con otro punto de vista (más bajo que el horizonte) para representar el castillo, que centra toda la escena y adquiere una mayor monumentalidad gracias al punto bajo. En él se cierra la perspectiva, haciendo un eco del primer plano, en donde ballesteros (en el mismo punto de vista bajo) abren la narración.

Cacería en honor de Carlos V

Para combinar tal mezcolanza Cranach acude a trucos ya experimentados en la Italia Renacentista, creando franjas oscuras y claras que se alternan, como propugnada el propio Leonardo da Vinci, pantallas como los setos sobre los que se recortan los personajes del primer término o grandes manchas blancas del agua que sirven de fondo a las luchas de perros y venados. De esta manera, la obra se convierte así en un constante juego entre luces que se continúa en la parte superior (ya de forma más calmada) hasta parar en la mayestética inmovilidad del castillo.

Y junto a esta luz, el poder de la línea, una característica de lo septentrional que se complace en cada uno de los detalles como si estuvieran vistos por separado y luego unidos (frente a la verdadera unificación italiana que, en vez de los sentidos, parte de la idea y olvida a Aristóteles en favor de Platón, como podemos ver en Rafael, Miguel Ángel o cualquier otro italiano del Renacimiento).

Rafael. Escuela de Atenas

Una línea que aún debe mucho al gótico internacional con sus arabescos que ahora se convierten en pequeñas zonas de dramatismo (como los ciervos en el agua, sus cornamentas como árboles secos).

Se produce así (en la unión de ambos efectos de luz y línea) una imagen decenas de veces multiplicada en pequeñas escenas que se estabiliza, se vuelve hierática, en el rigor compositivo del paisaje. Algo que nos permite ir de lo anecdótico a lo múltiple, de lo estático al profundo dinamismo del detalle.

Compárese esta obra con dos del Renacimiento (la primera del Quatrocento, la segunda del Cinquecento) en donde se desarrolla el mismo simbolismo del poder sobre el territorio y se verán claramente todas estas diferencias ya ya apuntadas.

Federico de Montefeltro. Piero della Francesca

Tiziano. Carlos V

 

 

11 enero 2019

ESPERANZA. VI SIGLOS. Noviembre 2018

Filed under: Esperanza — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:13

 

TODAS NUESTRAS FOTOGRAFÍAS

9 enero 2019

LA TUMBA DEL CARDENAL TAVERA. Berruguete y Vázquez el Viejo

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:56

Ya fallecido el cardenal, se encargó a Berruguete las trazas para su sepulcro que habría de colocarse en el transepto de la iglesia de su Hospital.

Los comitentes procuraron al escultor la mascarila funeraria del cardenal e insistieron vivamente que el monumento habría de ser gemelo al que había realizado Bartolomé Ordóñez para el Cardenal Cisneros.

Estas mandas hicieron que se planteara un túmulo exento con grifos en sus esquinas y tondos en sus paredes laterales, con la figura del difunto yacente.

Muy probablemente el maestro realizara el rostro y las magníficas manos (tan crispadas) del cardenal, mientras que el resto de los motivos (mucho más clasicistas y calmados) fueran obra de su colaborador Vázquez el Viejo, que demostró un fuerte clasicismo y suavidad.

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL ESCULTOR

7 enero 2019

Patinir. El paso de la laguna Estigia

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:16

Poco sabemos de este pintor hasta su llegada a Amberes en donde se afiliara a la gilda de pintores.
Lo hizo junto a Gerard David que suponemos su maestro y del que tomará tanto la delicadeza de la luz como la importancia creciente del paisaje en el se insertan las figuras convirtiéndole en el primer gran paisajista moderno.
Pues ya no se trata de ventanas abiertas que por las que entra el Mundo mundo sino la propia naturaleza en todo su esplendor que se puebla de diminutas figuras, muchas de ellas realizadas por sus ayudantes
En estas composiciones es posible ver la huella del Bosco que ya había planteado inmensos espacios naturales con horizonte muy alto lo que permitía mayor espacio.
Pero lo que para el Bosco era un simple medio, la recreación de un gran escenario que llenar con sus cientos de personajes inquietantes, para Patinir es el fin, convirtiendo a la naturaleza en la gran protagonista.

Este paisaje se elabora por medio de una luz extrordinariamente cristalina que le emparenta con David, Weyden y Eyck.

Una luz que matiza los colores en función de la lejanía que alcanza su grado mas alto en el borde del cielo, allí donde se une con la Tierra, lleno de tonos blanquecinos que a muchos críticos les han hecho pensar en la esfericidad de la tierra, con un paisaje escondido tras él que la curva de la tierra oculta al espectador
.
Todas estas novedades no nos pueden hacer olvidar el fuerte carácter moralizante del cuadro, tan habitual en la época, aunque de nuevo con sus propias peculiaridades, como la entremezclar la mitología clásica (extraída de la Eneida de Virgilio y el Infierno de Dante) con la religión.

Nos aparece así Caronte en su barca y el propio cancerbero en la laguna Estigia tal y como imaginaban los clásicos que enterraban a sus muertos con una moneda en la boca como óbolo para el barquero.


Sin embargo el Hades o los Campos Elisios han desaparecido y en vez de ellos se encuentran el tradicional infierno (tan del Bosco) y el Cielo, como si aquel concordatio clasico que Rafael estaba realizando en las Stanze se trasplantara en el mismo norte de Europa.


Pero aun mas. La propia localización de la barca de Caronte nos habla del libre albedrio un tema central en todo el debate teológico abierto por la reforma protestante.
¿Qué camino elegir? ¿El amplio y venturoso que sin embargo nos lleva a los castigos del infierno? O por el contrario, ¿ese río estrecho y tortuoso como la vida de Cristo que a la postre nos llevara a la fuente de la vida y la salvación?
La decisión está en el propio hombre, como argumenta el protestantismo quedando la iglesia (tan importante en el catolicismo) relegada a ese pequeño ángel sobre el promontorio que nos avisa del peligro.


Se trata de una visión contraria a la que nos propone el papado en esos mismos momentos a través de Rafael en sus Stanze en donde la iglesia es el único camino frente a la libertad humana de este cuadro.

La Disputa del Sacramento. Estancias Vaticanas

Por cierto, ¿veis las rocas del lado izquierdo? Casi funcionan como una firma privada del autor que las repetirá incansablemente en sus cuadros. Posiblemente se trata de una síntesis de algunos de los paisajes infantiles del pintor: «rocher Bayard» en las orillas del Mosa, en Dinant; la «roche-a-Chandelle» en las proximidades de Furfooz.

Sodoma y Gomorra. Patinir

 

Imágenes tomadas de wikipedia

3 enero 2019

SANTOS NEREO Y AQUILINO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:30

Cristoforo Roncalli, Santa Domitila y los santos Nereo y Aquileo

Tomada de wikipedia

En las proximidades de las Termas de Caracalla, junto al inicio de la Via Appia Antica se encuentra esta basílica (posiblemente del siglo V), con varias zonas subterráneas aún no excavadas que se reformará en el siglo XV.

Tomadas de wikipedia

La leyenda habla de dos eunucos cubicularii (ayudas de cámara) ​de la noble dama Flavia Domitila, emparentada con Domiciano  y cortejada por un noble patricio.

Rubens. Chiesa Nuova. Roma

Ella (aconsejada por los dos eunucos)  intenta conservar su virginidad, siendo exiliada a una isla y más tarde torturada y muerta (y ellos con su ama)

Frescos de Pomarancio encargados por Baronio

                                                                    Tomadas de wikipedia

 

 

ÍNDICES DE SANTOS

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TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

31 diciembre 2018

ALTAR DEL SALVADOR. CATEDRAL DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:29

En el muro exterior del coro de la Catedral de Palencia encontramos un magnífico ejemplo de arquitectura y escultura renacentista.

Toda la estructura arquitectónica fue diseñada por Diego de Siloé, con decoración plateresca (e incluso algunos elementos, como las columnas-torreones, emparentados con formas gotizantes de Juan de Guas, o la aparición de un arco conopial en su centro ).

Pese a ello, el rigor estructural a la hora de componer los dos pisos con sus correspondientes arcadas así como el conocimiento de la articulación de los órdenes anuncian ya un renacimiento mucho más puro, basado en la matemática y la armonía.

En su centro se encuentra una magnífica talla de Vigarny que muestra a Cristo en Majestad rodeado del tetramorfos (en origen se encontraba en el altar mayor)

En las calles laterales se muestran distintos santos realizados en piedra policromada en torno al siglo XVI

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA CATEDRAL DE PALENCIA

 

 

 

 

27 diciembre 2018

CAPILLAS MUDÉJARES DE SAN ANDRÉS. SEVILLA. SANTA MARTA

Filed under: General, Sevilla — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 7:28

Como en otros tantos templos mudéjares de la ciudad ((Dulce Nombre en la MagdalenaSanta Marina, san Pedro) nos volvemos a encontrar capillas anexas al cuerpo de la iglesia que retoman la estructura de kuba típica de lo almorávide para fines litúrgicos y funerarios.


En esta ocasión se trata de un espacio dúplice cuadrado que pasa a través de profundas trompas (tan típicas de lo almohade como se puede observar en la mezquita de Jerez) a a una bóveda de paños con decoración estrellada en torno a un óvulo central.


En dicha capilla se encuentra uno de los grupos escultóricos más notables de la imaginería contemporánea de la ciudad perteneciente a la hermandad de santa Marta, realizado por Ortega Bru (enterrado bajo él) a excepción de la titular, obra de Santos Ramos.

25 diciembre 2018

LOS ESCAPARATES BARROCOS

Filed under: belenes — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:07

Frente a la tradición italiana-napolitana de los presepri, en España se desarrollo (al menos desde el siglo XVI) toda una escuela belenística mucho menos conocida, debido a las dificultades de su visita, pues suelen encontrarse en clausuras.

Dentro de los monasterios (al modo de las grandes casas, en esta doble influencia entre lo profano y lo religioso que es nuestra edad moderna), existían habitaciones destinadas a la composición del belén o, más frecuentemente, belenes montados de forma definitiva en los llamados escaparates barrocos, especie de pequeñas urnas en donde se componían escenas (de santos, de la pasión, de la infancia de Cristo…) en donde las figuras se situaban en un marco realista de paisaje o interior.

Escaparate San Jerónimo

Bien lo podemos relacionar con las llamadas puestas en escena que estableció San Ignacio de Loyola para la meditación sobre una base realista.

En estos belenes el detalle predomina sobre la escena, componiendo escenas más o menos complejas en las que se intenta recrear las escenas como una verdadera pintura.

Tiene, además, un fuerte sentido de lo anecdótico con el que se pretende humanizar el relato evangélico, prestando un gran interés a vestidos, figuras y ambientes.

Por otra parte sus escenas no se ciñen exclusivamente a lo que nosotros conocemos, sino en realidad suelen hablar del ciclo de la infancia (con la anunciación o la visitación) o llegan a incluir otros escenas de complejo simbolismo

De la misma manera, es importante (a veces mucho) la fusión entre la escena y el mobiliario que lo contiene, siendo verdaderas obras maestras como esta de Torices.

Sin embargo el más espectacular belén monástico tipo escaparate que he visto nunca es el que guarda el convento de Santa Paula de Sevilla y que os invito a contemplar en Palios

23 diciembre 2018

EL BELÉN NAPOLITANO (PRESEPI) (2) TEMAS Y ESTÉTICA

Filed under: belenes — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:29

Tras analizar su origen figuras y los escenarios, pasemos ahora a ver los temas y la estética. 

El Misterio suele aparecer en una cueva natural o una arquitectura ruinosa en donde es habitual la presencia de columnas y otros elementos clásicos, siendo el centro de los movimientos de todo el conjunto (Reyes Magos, músicos, otros personajes…).

Junto a la Sagrada Familia (idealizada y de riquísimas telas) suelen aparecer una corona de ángeles suspendidos de vaporosas y pasteles vestiduras. A veces, bajo el portal, aparece la cueva en donde habita el Diablo, de fuerte expresividad, que da a la escena un fuerte carácter teológico al Nacimiento.

 Los Reyes Magos.

Los fastuosos cortejos de los Reyes Magos con sus pajes, sus riquezas sin cuento, su exotismo casi oriental (como debía ser Nápoles), sus cortejos de músicos…, forman una clara dirección hacia el portal o ya en adoración. Existe un fuerte interés por resaltar el lujo uniéndolo a lo oriental (elefantes, vestiduras y turbantes, camellos…), pues en la memoria napolitana aún estaban vivos los ataques corsarios. Teológicamente significarían la aceptación por parte de los tres continentes (o las tres edades) de la divinidad de Cristo.

 Presepe de El Carmine. Nápoles

 Presepre. San Nicolá alla Caritá. Nápoles

Belén napolitano de la Estrella. Sevilla

Otros temas evangélicos: Anunciación a los Pastores. Matanza de los Inocentes…, con especial atención a este último por las posibilidades expresivas, a menudo casi terroríficas, al recrearse la acción de forma dramática e intensa.

Belén del Príncipe

Belén del Príncipe

La taberna (que recuerda el local en el que se les negó el alojamiento a María y José, y en donde suele aparecer el Diablo Belfagar disfrazado, herencia de la antigua Cantata dei Pastori teatral) en donde las clases sociales se juntan pero no se confunden, distinguiéndose por su vestimenta. En ella aparecen temas cotidianos como la comida y bebida, las riñas, los jugadores de cartas…

 Presepe de El Carmine. Nápoles

El mercado, sus bancos con toda clase de géneros alimentarios, verdadera explosión de formas y colores que, en una ciudad pobre como era la Nápoles de este tiempo, adquiere la forma como de un desquite del pueblo, una fantasía sobre un improbable mundo de sueño sin hambre. Como si, al menos una vez al año, el pueblo napolitano pudiera sentirse saciado ante el nacimiento. Es la gran zona de los fimimenti realizados en cera con frutas, pescados, carnes, verduras, calderos y demás cacharrería, aves…

Pesepri San Paolo Maggiore. Nápoles 

Presepre Santa María in Via Latta. Roma

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La vida napolitana.

 El protagonista es la multitud napolitana que se agolpa en torno a la escena casi sofocándola en una profusión de colores e imágenes: miseria y novelas, figuras cómicas y dramáticas, animales locales y exóticos y una procesión de lisiados, ciegos, deformes que se contraponen al fasto oriental del cortejo de los Reyes Magos. El evento de la Navidad pasa a un segundo plano. Lo que cuenta es el espectáculo que se representa en torno al mismo, farsa y drama juntos.  

 Presepre San Nicolá alla Caritá. Nápoles

 Son los desocupados que charlan, las mujeres que se asoman a terrazas y cuchichean con las vecinas o chillan a los de abajo, los que duermen, hilan, venden, pescan…

Entre ellos suelen aparecer tipos grotescos, las distintas clases sociales, los tullidos y mendigos que tanto abundarían, la famosa figura de la Pulcinella (símbolo de lo napolitano, siempre hambriento pero digno, viviendo una vida teatral y de apariencias, y por qué no decirlo, de una cierta idealización del matonismo)

La vendedora de limonella, la hacedora de quesos (que representa el paso del año, la nueva vida tras la resurrección a través de la humilde ricotta)…

También es muy habitual (pues en el fondo es su origen iconográfico como ya vimos aquí) la figura durmiente del pastor Benino. 

Otros temas recurrentes: la torre sarracena, el molino (símbolo de la muerte con el molido del grano, y de la resurrección con la fabricación del pan), la fuente y la aguadora (símbolo de la virginidad de María), el pozo (asociado en Nápoles a María, existiendo numerosas iglesias de la Virgen del Pozo) 

Estética

Se unen en la estética del pesebre las dos corrientes que dieron forma al barroco. Dos tendencias en apariencia irreconciliables que, en el fondo, representaban a la perfección la sociedad bipolar (privilegiados-no privilegiados sin apenas clase media) típica del Antiguo Régimen y que es aún más evidente en las zonas agrícolas del sur de Europa.

Angel y hombre en camisón

Belén Museo de Escultura de Valladolid

Así tenemos un realismo crítico, casi sarcástico, que coincidiría con los ideales barrocos de acercamiento al pueblo, haciéndole partícipe del evento religioso a través de la identificación con el paisaje y el paisanaje, llegando a menudo a la caricatura.

Por otra parte, utiliza también otro típico recurso barroco, el de contraste, el de la pobreza y terrible realidad de la vida cotidiana frente a la idealización y riqueza de magos y Misterio (ya casi rococó).

 Se trata de una visión a la vez crítica e idealizada de la pobreza, muy emparentada con las escenas de género que ya se habían comenzado a desarrollar en el XVII con Caravaggio y sus seguidores. Un sutil instrumento del poder que se impone de una forma blanda (De la Flor) marcando claramente las diferencias interclases, criticando a la clase más pobre pero permitiéndola participar en el acontecimiento religioso.

Presepe de El Carmine. Nápoles

Hay junto a ello un gusto por lo anecdótico y también por lo exótico (que según Maravall es un truco constante para producir una sensación de extremosidad, de clausura de la normalidad para entrar en los reinos de la fantasía)

Músico. Presepre San Nicolá alla Caritá. Nápoles

Para ver origen, figuras y escenarios

 

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