Palios

8 junio 2021

EL PRESEPI NAPOLITANO DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA IN VIA. ROMA

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SDELBIOMBO – 11 DE DICIEMBRE DE 2009 – 14:54 – BELENES

Imágenes: Vicente Camarasa

BELENES EN NUESTROS BLOG

4 junio 2021

COMPARACIÓN ENTRE EL ORIGEN DE BATMAN Y EL DE EROS

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Antes de comenzar a divagar en un tema tan inusual como es la comparación del dios del amor con un personaje de cómic, considero que es importante aclarar que este trabajo fue realizado tras leer De Amore, de Ficino, un autor renacentista que en esta obra trata el amor desde un punto de vista platónico a través de diferentes autores de la época y exponiendo el amor desde perspectivas diferentes.

Este trabajo es una de las prácticas realizadas para la asignatura de Historia del Pensamiento y de las Ideas Estéticas de la carrera de Historia del Arte en la Universidad Complutense.

Cuando se habla del origen de Eros a través de la unión de Poros y Penia, también se debe observar que es la unión de la riqueza con la pobreza, y en esta misma idea de entender el origen de Eros por esta unión, pienso que esto también se produce en el origen de Batman, pues es un personaje que posee tanto riqueza, entendida como la riqueza material que posee gracias a su vida de multimillonario, como pobreza, la cual más que material sería una pobreza emocional causada por el asesinato de sus padres cuando este era joven. Ambos aspectos tan importantes en la vida de este personaje considero que acaban juntándose y dando lugar a la creación de Batman. Esta creación la produce la pobreza, ya que es su padre moribundo quien le pide al personaje que haga algo por mejorar la ciudad y acabe con los parásitos que se aprovechan de ella, y este último deseo de su padre lo pretende cumplir haciendo uso de su riqueza, que la empleará para facilitarse el objetivo que persigue con la fabricación del característico traje así como todo lo perteneciente al personaje con el fin de facilitarse el objetivo.

En el libro se lee que el amor acompaña al caos, y el caos en esta ocasión sería la situación en la que se encuentra la ciudad, así como el amor sería entendido como Batman, quien ilumina la ciudad y da una nueva ilusión a sus ciudadanos de vivir. Se exponen tres ejemplos de amor en el discurso de Fedro, pero a ellos pienso que se debería añadir el amor que siente un hombre por su ciudad, como Sócrates con Atenas o Batman con Gotham. Continuando con las comparaciones, cabe destacar las que existen entre las figuras de Dios y Bruce Wayne, ya que ambos son buenos, bellos y justos: buenos a la hora de crear, uno como creador del mundo y el otro como creador del salvador; Dios es bello cuando atrae hacia él, de igual forma que hace Wayne como seductor; y ambos son justos, ya que ambos juzgan a los demás según sus acciones basándose en un ideal claro de justicia.

Orfeo observa al amor como algo agridulce, ya que es una muerte voluntaria, y esto se puede apreciar también en Batman, pues el personaje con tal de defender la ciudad es capaz de “matar” a su alter ego, y a su vez no pensar en otra cosa que no sea acabar con los que corrompen la urbe, haciendo que se vuelque en este objetivo sin pensar en otra cosa.

En los textos encontramos también la idea de que la belleza y el amor van de la mano, entendiendo que la belleza es lo bueno y la fealdad se considera malo, lo que en relación con el personaje, la belleza se podría considerar el deseo de que querer salvar la ciudad y la fealdad los enemigos del personaje, aquellos que atentan contra la ciudad.  Casualmente gran parte de ellos sufren malformaciones en el cuerpo y en la mente. Diótima habla de la idea de que el amor pertenece al orden de los demonios, de igual forma que ocurre con la ciudad, ya que Batman no existiría si tampoco lo hicieran los antagonistas del superhéroe.

De modo, que igual que la belleza necesita que exista lo feo para poder definir el amor, Batman a causa de la pobreza de su alma necesita el caos para seguir existiendo, necesita que su propio amor, su ciudad, le necesite para seguir adelante.

El amor tiene su origen en la vista, y es través de la observación con la que se manifiesta definitivamente el deseo del personaje de querer servir a cambiar las cosas. Es la riqueza en este caso la que lleva a cabo esta función, ya que si no hubiera sido por la gran herencia que obtiene de sus padres jamás hubiera podido llevar a cabo su proyecto. Es esta parte la que sirve como motor para la pobreza para alcanzar su deseo, arrastrándola a pelear contra sus demonios.

El poeta Agatón también sugiere una definición del amor que podría entenderse como la figura del superhéroe. Dice que “el amor es joven, tierno, ágil, bien proporcionado y brillante”, características que describen al propio personaje: Batman es encarnado por un hombre joven que si bien no es tierno, si lo es su idea de justicia, ya que por mucho odio que pueda sentir, eso no afecta a su uso de la razón a la hora de impartir justicia, lo cual lo consigue gracias al uso de su agilidad a la hora de actuar sigilosamente, siendo así una persona bien proporcionada mentalmente que huye de la locura y el caos gracias a la brillantez que obtiene a través de su ingenio.

Como conclusión, el deseo del personaje no podría existir sin la indignación de ver cómo Gotham se desmorona siendo aprovechado por sus detractores. Este deseo pone en peligro la vida del enmascarado, pero no puede vivir sin ese peligro y ese amor por su ciudad. Sin ellos no podría pelear, y por tanto no podría servir a Gotham, y de ser así la unión de la pobreza con la riqueza no habría servido para nada.

                                                                                          Ismael García Sevilla.

30 mayo 2021

EL CRISTO VELADO DE Giuseppe Sanmartino

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:00

SDELBIOMBO – 05 DE DICIEMBRE DE 2015 – 12:36 – BARROCO

Giuseppe Sanmartino creó en 1753 una de las esculturas de técnica más sofisticada de la historia: un Cristo muerto, sobre el que se ha sobrepuesto un suavísimo velo que, en una técnica sin comparaciones posibles de los paños mojados, deja ver su anatomía, como si de una verdadera tela se tratara.

Es la pieza maestra de toda una serie de magníficas esculturas de virtudes ( Antonio Corradini, Francesco Queirolo ) que lo rodean en este espacio funerario creado para el  príncipe Raimondo di Sangro en el siglo XVIII

Lo hizo para el Principe Raimondo di Sangro, noble, alquimista y mecenas del arte, junto a otras obras, para esta capilla napolitana

Entre otras maravillas, en esta Capilla de San Severo se muestran las famosas máquinas anatómicas de las que podéis saber más aquí

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19 mayo 2021

ALFONS MUCHA. TAN FÁCIL DE RECONOCER COMO TAN COMPLEJO DE CREAR

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 18:40

SDELBIOMBO – 10 DE FEBRERO DE 2011 – 18:27 – MODERNISMO

Aunque muchos no conocen su nombre muy pocos serán los que nunca han visto alguna obra suya, siempre tan característica del modernismo

Quizás su faceta más conocida sean sus típicas mujeres de largos y ondulados cabellos que retoman una cierta estética (entre lo frágil y lo perverso, con un claro componente nórdico) que hunde sus raíces en el Renacimiento y las relecturas en clave simbólica de los Prerrafaelitas ingleses (claros antecesores de la sensibilidad modernista)

El Otoño

 De los mismos prerrafaelitas deriva también su gusto por unas ciertas formas naturales convenientemente estilizadas (en pleno proceso de abstracción, como apunta Arancil) que causaría furor en los círculos modernistas, como tantas veces puede observarse en Gaudí

Pero si profundizamos un poco más en ellas veremos la amplia cultura visual que Mucha puso al servicio de estas imágenes tan modernas.

Fijaros en muchos de sus fondos dorados o que asemejan mosaicos, en los círculos del fondo colocados  para generar un nimbo y veréis todo lo que le debe al estilo bizantino y nos lleva a recordar a Klimt

Cartel de teatro

Aún más, el ritmo sinuoso de los largos cabellos que le han hecho inconfundible deriva claramente de los ritmos de los arabescos musulmanes tan de moda en el siglo XIX por la estética oriental que introdujo el romanticismo.

Por otra parte, y como es típico de la época, existe un fuerte influjo de lo oriental, personificado en los grabados japoneses. De ellos extrae su fascinación por el carácter expresivo de la línea, por las superficies planas (sin apenas claroscuro) o la fuerza del color antinatural

Con todo este amplio bagaje cultural, Mucha tuvo la capacidad de crear un estilo propio y claramente definido que aplicó a las nuevas necesidades modernas, desde el teatro (son famosos sus carteles de Sarah Bernhardt) a la publicidad, los calendarios…

 Su éxito fue conseguir con toda esta amplia gama de recursos estéticos imágenes perfectamente adaptadas a la sensibilidad de la Belle Epoque que oscila entre lo moderno y lo frívolo, lo fresco y lo exquisito

 Todas las imágenes tomadas de Wikipedia

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15 mayo 2021

HACIA UNA INTERPRETACIÓN DE LAS MENINAS

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SDELBIOMBO – 08 DE ENERO DE 2010 – 20:05 – VELÁZQUEZ

Le echábamos de menos a nuestro Jesús Mazariegos, pero otra vez lo volvemos a tener en el blog para deleitarnos.

Muchas gracias por seguir con nosotros

Te necesitamos tanto

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas

(Basado en un artículo de Jonathan Brown)

¿Una escena intrascendente?

El cuado Las Meninas es considerado, desde hace tiempo, como una de las obras maestras del arte occidental. Para muchos es “el cuadro de los cuadros”, el más alto exponente al que ha llegado la pintura. Al observarlo, enseguida surge la contradicción entre forma y contenido. Su gran tamaño y su insuperable técnica contrastan con lo intrascendente del argumento: un grupo informal de personas en el estudio del artista.

Esa tensión entre forma y contenido es la que justifica la irresistible fascinación que el cuadro ha ejercido sobre escritores y artistas. Críticos, eruditos, poetas, autores teatrales y filósofos, han intentado llegar a su esencia buscando una explicación definitiva de su significado. Actualmente no existe una respuesta completa ni segura a los enigmas que el cuadro ofrece.

Se sabe, desde hace tiempo, quiénes son sus personajes. Ya en 1724, Palomino había identificado a casi todas las personas que aparecen en el cuadro. En el centro del primer plano se encuentra la infanta Margarita María, atendida por dos damas de honor o meninas: la de la izquierda es María Agustina Sarmiento, quien ofrece agua a la Infanta en una jarrita de barro, la del otro lado es Isabel de Velasco. En el ángulo derecho están los enanos Mari Bárbola y Nicolás Pertusato. El plano medio lo ocupan doña Marcela de Ulloa, señora de honor, y un guardadamas sin identificar. Tras ellos, en la puerta abierta, está José Nieto, aposentador de la reina. Al lado izquierdo está Velázquez. En la pared del fondo, reflejados en el espejo, están los reyes Felipe IV y Mariana de Austria.

Los intentos de comprensión de la escena se pierden en un bosque de especulaciones. Nadie se pone de acuerdo sobre qué hacen las figuras y por qué razón se ha formado el grupo. En el inventario de 1666, el cuadro se titula “Su alteza la Emperatriz con sus damas y un enano”. En 1734 se le menciona como “La familia del rey Felipe IV”.  En 1843 recibió en nombre de “Las Meninas” cuando Pedro de Madrazo lo incluyó así en el catálogo del Museo del Prado.

Una intención muy especial

A finales del siglo XIX el cuadro se interpretaba como una pintura de género de inigualable espontaneidad y verosimilitud, es decir, como una instantánea de la vida de palacio captada por un agudo observador y comparable a una fotografía. En 1949 Charles Tolnay publicó un artículo en el que ofrecía una lectura de Las Meninas como alegoría de la creación artística, donde el pintor ha puesto especial énfasis en plasmar el proceso espiritual y subjetivo de la creación artística. Esta vía de interpretación es la que ahora se sigue, pero insistiendo en la importancia que se da al status social del arte de la pintura.

No hay duda de que Velázquez quiso hacer una pintura fuera de lo ordinario, con una clara voluntad de maravillar al espectador. El tamaño, la compleja composición y la insuperable técnica, son signos que denotan una deliberada voluntad de crear una pieza muy especial. Entonces ¿qué esperaba Velázquez demostrar con tan prodigiosa exhibición de talento?

Volviendo a mirar el cuadro, ¿qué es lo que sucede dentro de él? El análisis del argumento arranca de una de las cualidades más llamativas de la obra: la sensación de movimiento paralizado que se deduce de las actitudes y miradas de los personajes, así como la mirada que dirigen hacia fuera tres de las figuras. El grupo de personas del interior del cuadro es interrumpido por algo que sucede fuera de los límites del cuadro.

La acción se desarrolla del modo siguiente. La Infanta ha venido a ver trabajar al artista y, en algún momento, ha pedido agua que ahora le ofrece la dama arrodillada de la izquierda. En el momento en que ésta le acerca a la princesa una pequeña jarra, el rey y la reina entran en la habitación, reflejándose en el espejo de la pared del fondo. Una a una, aunque no simultáneamente, las personas congregadas comienzan a reaccionar ante la presencia real. La dama de honor de la derecha, que ha sido la primera en verlos, comienza a hacer la reverencia. Velázquez ha notado también su aparición y detiene su trabajo con un gesto como si fuera a dejar la paleta y el pincel. Mari Bárbola también acaba de percatarse de la presencia de los reyes pero todavía no ha tenido tiempo de reaccionar. La princesa, que ha estado viendo cómo Nicolás Pertusato jugaba con el perro, mira de repente hacia la izquierda, en dirección a sus padres, aunque su cabeza aún está vuelta en dirección al enano. Esta es la razón del extraño efecto de dislocación entre la posición de la cabeza y la dirección de su mirada. Finalmente, Isabel de Velasco, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta de la presencia de los monarcas. Lo mismo le ocurre a la dama de honor, en conversación momentánea con el guardadamas, el cual, por su parte, sí acaba de percatarse.

La presencia real

La llegada de los reyes no sólo aclara el efecto de instantaneidad y aclara las actitudes de las figuras, sino que, además, confirma el hecho de que el espejo de la pared del fondo refleja a las personas del rey y la reina. Los reyes, pues, están físicamente presentes en la habitación, hecho que Velázquez subraya convirtiéndolos en catalizadores de la acción. Todos los ojos se fijan o están a punto de fijarse en Felipe IV y su esposa. El atavío y la actitud del aposenta­dor de la reina también nos confirma la presencia real, pues, según la etiqueta de la corta, el aposentador tenía que estar  “al servicio de Su Majestad, con capa pero sin espada ni sombrero, para abrir las puertas según se le ordene. José Nieto está con el sombrero en la mano izquierda y la capa echada sobre los hombros, de pie frente a la puerta que acaba de abrir y por la que, enseguida, van a pasar el rey y la reina. Así pues, Velázquez nos ha proporcionado numerosas, aunque sutiles, indicaciones de cuál es el factor crucial de la pintura: la epifanía real.

A pesar de la apariencia intrascendente, lo que Velázquez nos muestra es un suceso verdaderamente extraordinario. No se conoce ninguna pintura anterior en la que se haya representado juntos a un monarca vivo y a un pintor en plena tarea. Por supuesto, Velázquez nos muestra al rey y a la reina indirecta­mente, por cortesía de su elevada posición. Igualmente, por razones de decoro, Velázquez no ha utilizado para la escena la habitación que usaba como estudio sino una mayor y más solemne.

La presencia de un monarca en el estudio de un pintor constituye un tópico tradicional de la teoría artística. Ya Plinio, en su Historia Natural, se refiere a que Alejandro Magno hacía frecuentes visitas al estudio de Apeles, al que concedió el privilegio exclusivo de pintar su retrato. Estas noticias de Plinio, muchos siglos más tarde, serían utilizadas como argumento en un debate teórico de la mayor importancia: la afirmación de que la pintura es un arte liberal y noble. En consecuencia, los pintores son verdaderos artistas con derecho a disfrutar de las ventajas de una elevada posición social.

En su batalla por conseguir que la pintura fuese aceptada como arte liberal, los teóricos utilizaron a menudo como arma las famosas relaciones entre Alejandro y Apeles. El argumento empleado era el siguiente: un arte favorecido por los reyes debía ser, ipso facto, un arte noble, pues un rey solamente honraría con su presencia y favorecería una actividad digna de su propia y exaltada condición. En consecuencia, la presencia del soberano ennoblecería el arte.

Dignidad y nobleza de la pintura

La batalla por la dignificación de la pintura había comenzado en Italia en el siglo XV y cosechó sus primeros triunfos en el siglo XVI. Un hito importante en este proceso se produjo en 1533, cuando Ticiano fue nombrado Caballero de la Espuela de Oro y Conde Platino por Carlos V. En la cédula de su nombra­miento se hace expresa mención del precedente de Alejandro y Apeles:  “Tus dotes como artista y tu genio para retratar personas del natural nos parecen tan grandes que mereces ser llamado Apeles de nuestro tiempo. Siguiendo el ejemplo de nuestros predecesores, Alejandro Magno y Octavio Augusto, de los que el primero sólo quiso ser pintado por Apeles y el segundo sólo por los más hábiles maestros, Nos hemos sido pintado por ti y has demostrado tan bien tu habilidad que nos ha parecido conveniente distinguirte con honores imperiales, como muestra de la estima en que te tenemos y para que sirva de memoria a la posteridad”.

Velázquez, que había viajado por Italia y que poseía un ejemplar de Plinio además de numerosos tratados italianos en defensa de la pintura, tenía que conocer bien estos hechos. Por otro lado, había recibido su formación en el taller de uno de los máximos defensores españoles de la dignidad de la pintura, su suegro, Pacheco. En diversos pasajes de Arte de la pintura, escrito por Pacheco, el autor se dedica a mostrar la nobleza de la pintura como arte liberal, echando mano de la anécdota del monarca que visitaba en el estudio a su pintor favorito. En el capítulo sexto del Libro Primero, titulado  De las honras favores que han recibido los famosos pintores de los grandes príncipes y monarcas del mundo, Pacheco insiste en la leyenda de Alejandro y Apeles y aduce el ejemplo moderno de Ticiano y Carlos V. El capítulo octavo del Arte de la pintura, lo titula  “De otros famosos pintores desde tiempo favorecidos con particulares honras por la pintura” y aduce ejemplos de artistas modernos que recibieron favores de príncipes y reyes, no dudando en escoger a su yerno Velázquez, situándolo a la par con los grandes pintores del pasado que habían recibido el mecenazgo y la amistad de los monarcas: no es creíble la liberalidad y agrado con que es tratado de un tan gran Monarca (Felipe IV), tener obrador en su galería y Su Majestad llave de él, y silla para verle pintar despacio casi todos los días.

Estas referencias nos proporcionan un amplio contexto para la interpretación de Las Meninas: en el lienzo vemos a Velázquez interpretando el papel de Apeles y a Felipe IV el de Alejandro. El paralelo resulta exacto porque Velázquez, al igual que Apeles, poseía el derecho exclusivo de retratar a su soberano. La conclusión es que Las Meninas puede ser considerado como el documento de unas relaciones excepcionales entre Velázquez y Felipe IV, relaciones que avalan la nobleza del arte pictórico.

En el propio cuadro hay muchas claves que ayudan a descifrar el gran jeroglífico que es Las Meninas, como la llave que Velázquez lleva en el cinturón, la temática de los cuadros de las paredes y el hecho de que fueran copias, la importancia de la perspectiva y de las matemáticas como cosa mental y no “manual” el tamaño casi natural de la obra, que permite al rey verla con absoluta propiedad, reflejándose en el espejo, etc.

La propia vida de Velázquez, la marginación que sufre en la corte por el hecho de ser pintor y su lucha por llegar a ser caballero, cosa que sólo conseguirá por la intervención directa del rey, es otra clave fundamental para entender el cuadro no sólo como proclamación de la nobleza de la pintura sino como afirmación de la posición en la corte del propio Velázquez.

En gran enigma es saber qué es lo que Velázquez está pintando. La tesis tradicional (al margen de la interpretación que se ha explicado aquí) es que está retratando a los reyes, aunque el bastidor parece demasiado grande para un retrato. Julián Gállego dice que Velázquez está pintando, precisamente, Las meninas, con lo que se alcanzaría un complicado juego conceptual digno de la mente del pintor, y con lo que la interpretación anterior se cerraría con absoluta coherencia: Velázquez está proclamando la nobleza de la pintura y su propia nobleza, y lo hace delante del rey, lo que quiere decir que el propio rey avala y respalda con su presencia tal manifiesto.

La pintura es noble porque está al servicio del monarca; y el monarca conoce y respalda esta afirmación.

Jesús Mazariegos

7 mayo 2021

Análisis y comentario. ARMONÍA EN ROJO. MATISSE

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SDELBIOMBO – 19 DE MAYO DE 2015 – 19:31 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

  Tomado de fauvismosigloxx.wordpress.com      

Tema. Nos encontramos con un bodegón con figura al que se añade (como es muy típico en el pintor) una ventana abierta que pone en relación exterior e interior. Todo tipo de historia ha desaparecido, mostrándonos las cosas sin ningún tipo de relación literaria. Es algo puramente visual.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con poco interés por la textura.

Composición. Equilibrada. Las tres zonas más importante (ventana, mujer y silla) se colocan de forma triangular, repartiendo el resto de los motivos por la tela.

Color, parte esencial del cuadro. Plantea una fuerte contraposición entre los cálidos (rojo y amarillos) y los fríos (azules y verdes). Su tonalidad está muy saturada.

Son colores planos, sin ningún efecto de la luz sobre ellos, creando grandes zonas cromáticas de color puro.

Son, en todo caso, colores irreales o arbitrarios que no guardan ningún tipo de relación con la realidad.

La línea es gruesa, separando de forma nítida las zonas cromáticas. Hay un gusto por la curva y la ondulación (en los motivos ornamentales) casi continua que comunica al cuadro un constante movimiento del que carece la composición.

La perspectiva se realiza a través de los colores (perspectiva cromática), con los cálidos acercando y los fríos alejando (en la ventana). En las zonas en donde predomina un solo color (interior rojo) el espacio desaparece y se vuelve plano, al igual que las figuras (bidimensionales) en las que se omite cualquier tipo de detalle, perfilándose a través de sus rasgos más significativos que se convierten en puras zonas cromáticas.

COMENTARIO.

Matisse consigue en este lienzo gran parte de las características que definirán su estilo más maduro. Partiendo de la violencia de los colores y su aplicación pura (sin influencia de la luz) que ya aparecían en el Salón de Otoño de 1905 (inicio del fauvismo) intentará dulcificar la potencia cromática de los mismos a través de la contraposición de fríos y cálidos y, sobre todo, por medio de la curva (arabesco) que anima y suaviza la imagen, buscando una mayor sensualidad. (Como en La Alegría de Vivir).

La alegría de vivir

Tomado de todoelarte.blogspot.com

Con todo ello pretendía, según sus propias palabras, crear un sillón para la mirada, una imagen sin ningún tipo de historia que sólo se imponga por medio de los registros cromáticos animados por la línea que podemos ver en cuadros posteriores, como la Danza.

La danza

Tomado de www.ultrafilosofia.com

Ya no hay literatura en la pintura, sólo quedará lo visual. Un juego de colores, formas y líneas que busca lo apacible y amable, al contrario que su gran rival hacía en la misma época: Picasso, Las Señoritas de Avignon.

Las Señoritas de Avignon. Picasso

Toda esta revolución (que tiene sus precedentes más próximos en las obras de Gauguin) y seguirá evolucionado por caminos en donde lo musical es cada vez más importante (el color entendido como música del ojo, sinestesia), entonado bajo un cromatismo toda la obra (que al principio era el azul, luego retocado por el rojo). El color se ha independizado por completo de la realidad.

Gauguin

Tomado de es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin

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1 mayo 2021

GROSZ O LA ALEMANIA DE ENTREGUERRAS

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SDELBIOMBO – 03 DE MARZO DE 2014 – 08:01 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Alemania, un cuento de invierno

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Dentro de la estética expresionista (que en Alemania se fundió con la crítica Dada fuertemente politizada, como el caso de Hearfield), los años de entreguerras en Alemania fueron un territorio abonado para una pintura crítica y comprometida.

El héroe

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Como ya analizamos en un artículo de Biombo Histórico, la pérdida de la guerra, la humillación de los Tratados de Versalles, la sociedad dual que abren los felices 20 (con grandes fortunas judías en la cúspide los de los poderes económicos), la revuelta espartaquista del 17 tan brutalmente reprimida, la crisis exportada desde América que colapsó la economía con una hiperinflacción o el ascenso de los movimientos fascistas... hizo de la República de Weimar un lugar de guerra antes de la guerra, lleno de tullidos de la guerra, junkens vanidosos (aunque su vanidad no les permitió ganar la guerra), orondos banqueros juntos a pobres que rebuscan en las basuras, ultranacionalistas airados, prostitutas…

Los pilares de la sociedad

Tomado de chikasdepixel.wordpress.com

Es ésta la sociedad que retratará Grosz en sus cuadros y sus apuntes. Un mundo lleno de tensiones que muy pronto explotará.

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Seguirá alguna de las estrategias estéticas del primer expresionismo (El Puente) como sus formas angulosas, sus colores chillones, sus perspectivas deformadas.

Eclipse de sol

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

A ellas unirá un dibujo esquemático y brutal que en muchas ocasiones recuerda al utilizado por Klee, convirtiéndolo en pura caricatura (tan dadaísta) que no tiene piedad de nada ni nadie.

Tomado de selvasorg.blogspot.com.

Como ya hablábamos en un artículo anterior, la suya será una visión terrible de la ciudad iniciada por Kirchner y que se mantendrá viva en la cultura alemana durante todo el periodo (Metrópolis) a la que se unirán formas futuristas

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Tomado de 3.bp.blogspot.com

Especialmente interesantes (tanto por su inmediatez como por la redicalidad con la que aborda los temas) son sus dibujos y bocetos (aquí tenéis una magnífica recopilación de ellos)

Para los ricos su botín de guerra, para los pobres su miseria

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Divina providencia

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Como puede suponerse, su obra fue una de las estrella del arte degenerado que los nazis incautaron y quemaron (aún muchos de sus escenas podrían ser consideradas pornográficas y de mal gusto)

Una magnífica lectura del periodo y el pintor (rebautizado como Falke) es Una princesa en Berlín de Somlsen

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28 abril 2021

PICASSO FUE EL CLÁSICO DEL SIGLO XX O DE MESOPOTAMIA AL MOSCÓFORO AL BUEN PASTOR AL HOMBRE DEL CORDERO

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SDELBIOMBO – 08 DE OCTUBRE DE 2011 – 08:49 – PICASSO

 

 Ya lo pudimos ver en el Guernica, pero lo comprobaremos una y otra vez: Picasso fue un verdadero clásico aunque en el siglo XX, con una capacidad de retención visual verdaderamente asombrosa y una no menos espectacular capacidad de rehacer una y otra vez el pasado para referirse al presente (y eso es ser clásico, verdaderamente, ser moderno insertándose en la tradición)

Todo esto puede verse en el famoso Hombre del Cordero, realizado en 1943. Un hombre, la enorme magnitud humana en medio de las ruinas que va dejando la Segunda Guerra Mundial. Puro antropocentrismo, optimista, en donde tal vez el hombre podrá resurgir de sus cenizas y reconciliarse con el mundo y consigo mismo. (Aunque otros autores – Paloma Esteban Leal – lo analizan al contrario, y es la razón del hombre la que lleva al sacrificio del cordero, nuestra razón la que nos lleva a las guerras y la matanza de víctimas inocentes).

Sea como fuera (o queramos, pues Picasso, como era habitual,  nunca quiso explicar el sentido último de la obra) el artista habla de la actualidad más rabiosa de la II Guerra Mundial, vuelve su recuerdo hacia la Historia del Arte y continúa una larga tradición que resumimos aquí en apretada síntesis

Gilgamesh ofreciendo un león al holocausto. Mesopotamia

Tomado de http://asombroso-e-inaudito.blogspot.com/2011/03/el-asombroso-poema-de-gilgamesh.html

Moscóforo. Siglo V a. C (época arcaica griega)

Un kurós lleva en sus hombros un cordero para el sacrificio

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_la_Acr%C3%B3polis

El Buen Pastor. Baptisterio de San Juan en Fuente. Nápoles. Periodo Paleocristiano

Cristo representado con el pastor que guía a los corderos

Buen Pastor catacumbas San Calixto (Paleocristiano)

 TODOS LOS POST DE PICASSO EN NUESTROS BLOGS

24 abril 2021

VELAZQUEZ: ESOPO Y MENIPO. UNA SUGESTIVA INTERPRETACIÓN

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:56

SDELBIOMBO – 05 DE MAYO DE 2010 – 16:22 – VELÁZQUEZ

El libro de Francisco Rico Paisajes con figuras es uno de los más fascinantes que he podido leer en los últimos tiempos, y hablaré de él en nuevos artículos. Por ahora me quiero referir a una sugestiva teoría sobre dos de sus famosos filósofos y vincularla a un artículo que ya escribí hace tiempo sobre el famoso Marte.

Antes de nada os presento a los protagonistas

Esopo. Velázquez

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paintings_by_Diego_Vel%C3%A1zquez

Menipo. Velázquez

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paintings_by_Diego_Vel%C3%A1zquez

Estos dos personajes no eran nada habituales en el arte clásico, por el contrario, quizás fuera la primera vez que se representaran. Lo que sí eran habituales eran Demócrito y Heráclito. El mismo Rubens los había plasmado en la propia Torre de la Parada para la que se hicieron estos cuadros velazqueños.

En una típica contradicción barroca enfrentaba a un Heráclito llorón y un Demócrito sonriente y cínico. En el fondo las dos formas de enfrentarse al mundo pero, también, ese carácter teatral de toda la cultura barroca en donde todos somos actores que representamos distintos papeles.

Demócrito y Heráclito. Rubens.

Tomado de wikipedia

Esta idea de los dos temperamentos (y del papel de obra teatral que es la vida humana) es la que sigue Francisco Rico para el análisis de las obras de Velázquez, muy probablemente en emulación con las de Rubens.

Menipo era un filósofo cínico del siglo III a. C. Su actitud (Luciano) es la de burlarse de todo y todos, incluyendo la propia sabiduría (fijaros en sus libros tirados en el suelo), pues la vida es algo tan efímero e inestable como el cántaro de estrecha base que hay sobre sus libros. Por eso, mientras nos comienza a dar la espalda, nos sonríe cínicamente, pues nada merece la pena, todo esta perdido de antemano

A su lado nos encontramos con Esopo, el fabulista griego, antiguo esclavo (como nos señala el balde de agua) que se aferra a los libros con ansia aunque su cara nos vuelve a decir que todo está perdido y ya no queda ni la risa.

Existe junto a sus pies un curioso detalle que a mi siempre me había pasado desapercibido. Fijaros, una especie de corona de rey. Un puro atrezzo de mala comedia. ¿No será, de nuevo, una referencia al teatro? Un teatro de la pura decepción en el que a unos les toca ser reyes y a otros esclavos, aunque la muerte nos igualará a todos; será el final de la función. (pero falsa, tanto como las que nos regalan con los roscones de Reyes).

¿No os recuerda todo esto a los versos de Calderón?

Sueña el rey que es rey, y vive
Con este engaño mandando,
Disponiendo y gobernando;
Y este aplauso, que recibe
Prestado, en el viento escribe,
Y en cenizas le convierte
La muerte (¡desdicha fuerte!);
¡Que hay quien intente reinar,
Viendo que ha de despertar
En el sueño de la muerte!
Sueña el rico en su riqueza
Que más cuidados le ofrece;
Sueña el pobre que padece
Su miseria y su pobreza,
Sueña el que a medrar empieza,
Sueña el que afana y pretende,
Sueña el que agravia y ofende;
Y en el mundo, en conclusión,
Todos sueñan lo que son,
Aunque ninguno lo entiende.

Si el mundo es pura apariencia… eso es barroco. Pero un barroco pesimista, mucho más terrible que el de un Rubens que aún cree en la risa y el llanto. Algo que  ya analizábamos al comentar el cuadro (¡curioso!, también presente en la misma Torre de la Parada) de Marte pensativo.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Descanso_de_Marte

Una cultura del desengaño, una nueva (pero siempre sutil) advertencia sobre lo que ha de venir hecha por un pintor que más fue un filósofo y nos dejó sus comentarios sin escribir una sola palabra.

Para saber más

Buscando imágenes para este artículo me he encontrado con una magnífica página que incide en algunos argumentos y de la que he tomado algunas ideas y el fragmento de la Vida es Sueño de Calderón. Merece mucho la pena. Los enlaces más cercanos a este artículo son

http://cvc.cervantes.es/el_rinconete/anteriores/junio_00/13062000_02.htm

http://cvc.cervantes.es/el_rinconete/anteriores/octubre_99/19101999_02.htm

http://cvc.cervantes.es/el_rinconete/anteriores/agosto_08/05082008_02.asp

22 abril 2021

LOS REFERENTES DE VAN GOGH

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:27

SDELBIOMBO – 27 DE JULIO DE 2015 – 08:45 – DE MANET A VAN GOGH

En el magnífico blog de Arelarte, uno de mis grandes referentes, Ana ha publicado un interesantísimo estudio en donde busca las fuentes formales (e ideológicas) que inspiraron a Van Gogh

Delacroix, Daumier, MilletTouloussela estampa japonesaGauguin… se nos muestran (con muchas imágenes comparadas con cuadros del holandés) y nos permiten comprender las múltiples influencias que tuvo Van Gogh

TENÉIS EL ARTÍCULO AQUÍ

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