Palios

11 enero 2018

VAN DER WEYDEN. EL DESCENDIMIENTO

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 19:49

                El tema representa el Descendimiento de Cristo realizado por distintas figuras extraídas de los textos evangélicos. Entre ellas se pueden reconocer a la Verónica (con la cara tapada, ocultando el llanto), San Juan (que sujeta a la Virgen junto a María Salomé),  José de Arimatea (que hace lo propio con Cristo), Nicodemo que hace pareja con María Salomé (acaso un obispo ¿comitente por la riqueza de su vestuario?) y  cerrando todo el conjunto, la extraordinaria figura María Magdalena.

                El tema pone el acento en la Compassio Mariae, el paralelismo entre la vida de Cristo y su madre, sufriendo ésta los mismos dolores que su Hijo. (En esto se encuentra muy cercano de los presupuestos de la religión del gótico que busca convencer a través de los sentimientos, dándole a la figura de la Virgen una especial relevancia por su cercanía al espectador).

                La técnica, como corresponde a la escuela flamenca, es el óleo sobre tabla que permite el detalle (al secar más despacio) así como da brillantez a los colores (al usar aceite como aglutinante), permitiendo la creación de veladuras (fijaros en las lágrimas)

                La composición es sumamente compleja. Nos encontramos con dos escenas superpuestas. El fondo es ocupado por un friso de personajes colocados de forma simétrica respecto al eje de la cruz. En un plano más cercano al espectador se encuentran los dos personajes principales que generan dos diagonales paralelas. La idéntica postura de ambos refuerza el mensaje del paralelismo madre-hijo (y una curiosa forma de ballesta, como la de sus comitentes). A sus lados, cerrando la escena como si fueran un paréntesis, dos personajes incurvados (derecha, María Magdalena; izquierda, San Juan). Su posición deja el grupo central destacado.

                La línea ocupa un lugar fundamental en la obra, perfilando los contornos de las figuras y detallando sus pliegues muy acartonados. Como corresponde a la escuela flamenca podemos observar el gusto por el detalle, especialmente evidente en alguna de las telas y en los rostros. El color, subordinado a la línea, recurre a tonalidades brillantes que destacan sobre el fondo dorado. El autor juega con la combinación (a veces un poco chirriante) de tonos fríos y cálidos que se distribuyen a lo largo de todo el lienzo. Es especialmente destacable la gran mancha azul de la Virgen que la destaca del resto gracias a su saturación.

                La luz, realista y representativa, parece provenir de la zona superior, creando claroscuros en las figuras que tienen un fuerte sentido plástico (recuerdan a esculturas talladas, como las de los retablos). Destaca este uso en el modelado del cuerpo semidesnudo de Cristo y la capacidad de transmitir las texturas gracias a las distintas formas de impactar la luz sobre los diferentes materiales.

                La perspectiva, aún existiendo, no es una de las prioridades del autor en esta obra, reduciendo el espacio a un pequeño trozo de suelo que, como es natural en la escuela flamenca, se alza rápidamente.

                Esta carencia de un espacio profundo podría ponerse en relación con una intención expresiva que prefiere concentrarse en la expresión de los personajes que se perdería en un espacio más amplio. De esta manera, el pintor pasa los personajes al primer plano, cerrando la perspectiva con un fondo dorado que nos recuerda a siglos anteriores aunque con un cambio bien palpable. Este fondo no es plano sino real, consiguiendo tal efecto por medio de una moldura horizontal así como a través de dos tracerías en las esquinas que cierran el espacio, dándole relieve (como si fuera un marco de los utilizados para contener las esculturas en los retablos góticos).

Las ballestas que aparecen en la tracería aluden a los comitentes (Gremio de ballesterios de Lovaina)

                Los personajes, aunque con una fuerte tendencia al realismo y a la individualización de las figuras, aún tienen ciertos recuerdos góticos que se reconocen el canon alargado, ciertas posturas incurvadas y en algunas de las caras. En todas ellas prima lo expresivo, reflejado en caras y gestos, como el de la Magdalena, que fuerzan la comunicación con el lenguaje corporal.

Sus posturas son sumamente inestables y sólo son “sustentadas” por la extraordinaria armazón de la composición.

De la misma manera existen numerosos detalles (manto que resbala por la cintura de la Magdalena, que viste de una forma poco decorosa, casaca desabotonada de Nicodemo…) que nos hablan de cambio y transitoriedad

COMENTARIO.

                Esta obra refleja claramente las características de la escuela flamenca (uso del óleo, detallismo, figuras de canon alargado, perspectiva algo alzada, plegados duros, gusto por el color brillante y expresivo…) que se originó en el Norte de Europa, siendo mecenada por una burguesía enriquecida por el comercio y la artesanía que encargaba cuadros religiosos en donde también se hiciera patente su riqueza

Sin embargo, y en relación con el otro gran creador de la escuela (Van Eyck), encontramos ciertos rasgos diferenciales. En especial, la característica que los distingue es de carácter, pues frente al clasicismo y tranquilidad típica de Van Eyck, Van der Weyden busca, ante todo, la expresividad (gusto por el gesto tanto del rostro como el cuerpo, a veces forzado en exceso, desatención del espacio para crear un cierto agobio espacial en donde los sentimientos se potencian).

Todo esto hace del autor uno de los preferidos a la hora de encargar pintura religiosa, con especial atención a los temas patéticos (Pasión de Cristo, como su Crucifixión del Escorial o las numerosas piedades). Su capacidad para transmitir las emociones religiosas es bien patente, llegando incluso a la deformación de las figuras para conseguir una mayor expresividad.

Se trata, por tanto, de cuadros de devoción que buscan crear en el espectador un fuerte impacto emocional de lo divino (en este sentido, muy vinculada con la coetánea Devotio Moderna, pero (a mi juicio) también a los dramas litúrgicos,  con esas figuras a tamaño natural en sus posturas teatrales, casi un puro instante en donde podemos ver resbalar las lágrimas, que se encierran en el pequeño cubículo del retablo, aunque superándolos por ciertos puntos, como los clavos superiores)

De aquí su éxito general, pues acerca más a una religión basada en los sentimientos, más popular que el tratamiento algo distante y elitista de Van Eyck, y en el fondo más apegada aún al estilo gótico que intentaba convencer a través de los sentimientos.

Su autor fue discípulo de Robert Campin en Tournai, trasladándose a Bruselas tras obtener su título de maestro.

En esta ciudad realizará en  1435 este cuadro para la Gran Gilda de los Ballesteros de Lovaina. Se trataría de la tabla central de un tríptico que se situó en Santa María Extramuros.

De esta iglesia saldría (sustituido por una copia) para la colección de María de Hungría, goberadora de los Países Bajos y tía del futuro Felipe II.

El aún heredero la vería en su castillo, consiguiendo que se la regalase. Desde entonces (y tras una breve estancia en el Pardo) pasaría a engrosas las amplísimas colecciones de pintura del Escorial

 

                En cuanto a sus influencias posteriores, hemos de citar ciertos rasgos de la escuela española del XV, con autores como Gallego que gustan de lo dramático.

 

Para saber más

 

Imágenes tomadas de wikipedia

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1 comentario »

  1. Disfruto de cualquier obra de arte simplemente contemplándola, pero si va acompañada de explicaciones como en este caso, se disfruta aún mucho más…gracias Vicente.

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    Comentario por Msnuel Estévez Molinero. — 12 enero 2018 @ 17:57


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