La arquitectura es todo un ejemplo (doble) de arte contrarreformista que une el Gesú (estructura de la portada, plano interior) y el despojado estilo escurialense (que sustituye la columna por la pilastra y simplifica todos los elementos arquitectónicos a su máxima pureza geométrica).
En su interior destaca un monumental retablo cercano ya a las formas rococós (aunque matizado por su falta de estofados).
Fue realizado por Pedro Bahamonde en el siglo XVIII, y en él se nos muestran los principales representantes de la orden: san Ignacio de Loyola, el cual preside el ático, san Francisco Javier y san Estanislao Kotska.
En el tabernáculo inferior se muestra la diminuta imagen de la Virgen de la Calle antaño venerada en una ermita junto a la iglesia de San Bernardo, una talla de 41 cm fechada en el siglo XV
Gaspar Becerra fue un escultor (y pintor) mucho más importante de lo que ahora creemos, con gran predicamento en la corte filipina y enorme influencia posterior.
Su escasa valoración actual es la pérdida de sus grandes obras (Virgen de la Soledad que ya analizamos aquí, retablo de las Descalzas Reales, varios ciclos pictóricos en el Alcázar de Madrid).
Ante ello, su obra magna aún visible es este retablo de Astorga en el que nos muestra el inicio de lo que se denominará corriente romanista que continuarán personalidadades como Esteban Jordán o Rincón, e influenciará directamente a Gregorio Fernández, advirtiéndole de los excesos de la obra de Juan de Juni.
Gaspar becerra se forma en la Roma bajorrenacentista, colaborando con Vasari y otros romanistas seguidores de la obra de Miguel Ángel en su vertiente menos exaltada, que abundará en las anatomías hercúleas y las composiciones giratorias, al modo del Juicio Final de la Sixtina.
Ecos de estas maneras de hacer las encontramos en este retablo, sus relieves y figuras de bulto, con algunas composiciones especialmente memorables, como la dedicada a la Asunción de la Virgen.
Hay también que subrayar su importancia a la hora de eliminar (en el aspecto arquitectónico del retablo) la decoración típica del plateresco, buscando una definición puramente arquitectónica por medio de un entramado de órdenes columnarios y frontones que aíslan cada uno de los episodios y proponen una lectura ordenada (e individual) de cada una de las escenas.
Pocas veces se puede encontrar en grado tan exaltado las características del manierismo exaltado de Juan de Juni como en este retablo que se encuentra ahora en el presbiterio de la Catedral de Valladolid (aunque antes perteneció a Santa María la Antigua)
Santa Bárbara
La propia arquitectura, aunque aún con notas platerescas, se desenvuelve en un verdadero horror vacuii que se potencia por sus “extravagancias” arquitectónicas (ruptura múltiple de las calles, extraña composición del ático, adición de edículos y formas arquitectónicas en el interior de las formas generales…) y plásticas (como la multiplicación de diminutas escenas en torno a los personajes centrales que “distraen” al espectador y le impiden concentrarse, creando un verdadero remolino de sensaciones, formas y colores imposible de descifrar tranquilamente)
A ello se une la multiplicación de perspectivas, la tremenda gestualidad (rostros pero sobre todo cuerpos) y las angustiosas arquitecturas que oprimen a las figuras obligándolas a salir del marco (como ya vimos en sus santos entierros)
Santa Lucía
Situado en la iglesia de las Angustias, mantiene una tipología clasicista (aunque reducida en pisos), con un banco, gran piso central y ático, perfectamente adaptado al testero plano.
Todo el trabajo escultórico pertenece a Francisco Rincón (con policromía de Tomás de Prado)
Además de las tallas laterales, algo pequeñas para el espacio que ocupan, por otra parte muy estrecho y que habría servido mejor para albergar pinturas que esculturas, el genio del escultor (maestro y posteriormente colaborador de Gregorio Fernández) destaca en sus dos grandes relieves.
En la zona alta realiza una piedad, con el cuerpo miguelangelesco (aunque con una mayor flexibilidad, especialmente en el desarrollo de su torso) al que une la imagen de la Virgen como orante, con fuerte expresividad que contrastas con sus paños “romanos”
El relieve principal está dedicado a la Anunciación (advocación del templo)
La composición está plenamente conseguida, con un zigzag que arranca en la Virgen y termina en Dios Padre, con el ángel haciendo de bisagra. Compensando los vacíos se sitúa la tradicional jarra de azucenas y una tienda tras la Virgen.
El movimiento de las figuras, pese a sus posiciones un tanto forzadas, es perfectamente verosímil y armónico, compensando los escorzos entre ellas.
Tanto esta característica como el suave tratamiento de los paños o la serenidad de los rostros le desvinculan por completo del manierismo extremo que significaban Juni o Berruguete (ambos desde modelos directos de Italia), acercándole a los romanistas hispanos (Gaspar Becerra, Anchieta) a los que les proporciona una mayor gracilidad y finura en clave manierista que heredará Gregorio Fernández.
El arco triunfal en el que se encuentra encastrado el retablo se encuentra pintado al fresco por Tomás de Prado en clave también manierista en donde se plasman tres virtudes teologales y una cardinal, bajo venera fingida las inferiores, apoyadas en la rosca del arco al modo rafaelesco las segundas
Particularmente me parece el mejor crucificado del imaginero.
Se trata de una obra tardía (hacia 1630) en el que la anatomía de Cristo (igual que sucede con sus Cristos Yacentes) se ha afilado, marcándose cada vez más su osamenta mientras la piel se ha vuelto más macilenta y los regueros de sangre crecido.
Todo el dramatismo se redobla con la multiplicidad de postizos (ojos de cristal, heridas de corcho, marfil para los dientes, asta para las uñas) y la anatomía ha perdido cualquier rasgo de belleza para acentuar lo patético (su tórax y vientre llega a una intensidad pocas veces conseguida, así como el verdadero feísmo del rostro que sólo volveremos a encontrar en Mora)
Aunque no conocemos exactamente su comitente, sabemos que estuvo desde su inicio en la capilla de los Deza, en San Benito, aunque en la actualidad se encuentra en el zaguán del Colegio de Santa Cruz.
Gregorio Fernández. Museo de Valladolid
De todas las tipologías que creó el maestro (cabeza de la escuela castellana), acaso sea ésta la que más popularidad tuvo y, por lo tanto, la que más obras generó (tanto propias como de taller o ya de simple seguidores)
Gregorio Fernández. Museo de Valladolid
Evidentemente esta tipología era perfecta para el estilo castellano y su interés (tan barroco) por mostrar con toda crudeza todo el sufrimiento de Cristo, convirtiendo su cuerpo en un verdadero “campo de batalla” en el que ir siguiendo todos los episodios de la Pasión (corona de espinas en su cabeza, latigazos en su cuerpo cuando es flagelado, rodillas magulladas por sus caídas camino al monte Calvario, heridas de pies y manos de su crucifixión, herida del costado provocada por la lanzada…), buscando una vertiente mucho más expresiva (heredera de Juan de Juni o Berruguete) frente a la escuela andaluza que intenta embellecer la realidad y no regodearse en el dolor con la misma intensidad (como se puede observar en este Cristo Yacente de Juan de Mesa)
La sangre corre así abundantemente por su anatomía, que aún tiene recuerdos manieristas en su canon esbelto pero es plenamente barroca en su intenso realismo que busca, como ya veíamos aquí, un típico interés contrarreformista: hacer sentir al fiel de forma sensorial el dolor de Cristo que muere por los hombres (sentimiento que se potenciará a través de su exposición pública en las procesiones en donde el mensaje de la iglesia se expande hacia el exterior de los templos y toma las calles, tal y como se explicó aquí)
Gregorio Fernández. Museo de Valladolid
(Hay que recordar que la muerte, y no sólo la de Cristo, es uno de los temas habituales del barroco como ya hemos analizado en las vanitas, pues este estilo mantiene una curiosa contradicción entre vida y muerte (Eros y Thanatos) que a la vez que magnifica la vida llena de sensualidad (como ocurre en Rubens o en numerosas ocasiones en Caravaggio), carga las tintas sobre la brevedad de esa misma vida, como vimos en Valdés Leal)
.
Como es habitual en su estilo se utilizan los paños duros de quebrados pliegues (herencia de los primitivos flamencos) así como las encarnaciones (aunque los estofados son cada vez menores, restringiéndose a motivos secundarios, como la almohada) y los postizos (asta para los dientes, ojos de cristal, cueros y resinas para realizar las heridas más profundas…); todo tallado sobre madera.
Cristo Yacente Museo de Valladolid.
Ambas imágenes cortesía de Carmen González Trapote
También habitual en nuestro siglo XVII no encontraremos un movimiento tan barroco como veíamos en Italia (basta comparar con Bernini), aunque , y pese a la limitación del tema, el imaginero intentará un movimiento de piernas que unido a los múltiples pliegues del sudario o el paño de pureza, intenta dar una mayor movilidad.
Gregorio Fernández. Museo de Valladolid
Como decíamos, el tema tuvo tanto éxito que el maestro lo repitió múltiples veces, unas de forma íntegra (Museo de Valladolid, iglesia de San Miguel de Valladolid, El Pardo, Catedral de Segovia) y otras con colaboración del taller (San Pablo).
Cortesía de Carmen Gomzález Trapote
Gregorio Fernández. Iglesia San Miguel. Valladolid
Cristo Yacente. Gregorio Fernández y Taller. San Pablo. Valladolid
Incluso tras su muerte se seguiría repitiendo el tema, ya de forma anónima, ya de sus colaboradores, como el propio Sánchez Barba.
Taller de Gregorio Fernández. San Pablo. Valladolid.
Como puede verse en el costado, la llaga de la lanzada puede quitarse. Habitualmente servía como custodia para la Santa Forma en determinadas celebraciones siguiendo el modelo creado por Becerra para las Descalzas Reales
._Gregorio_Fern%C3%A1ndez.jpg){kind=link}