Palios

27 mayo 2022

SANTA LEOCADIA. YAÑEZ

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SDELBIOMBO – 20 DE FEBRERO DE 2016 – 09:42 – RENAC. ESPAÑA

Tomado de Museo del prado

Una de las obras mayores de Yáñez de la Almedina que visitó Italia con Fernando Yáñez (y trabajaron junto a Leonardo en Florencia).

Muchos de sus rasgos son perceptibles, con el trabajo en volúmenes, el contraposto de la anatomía, el juego de claroscuros, el gusto por una perspectiva correcta o la propia expresión facial (incluso algunos detalles, como los rectángulos del fondo nos recuerdan a la Última Cena)

A ello le añade el detalle tan hispano por el detallismo en donde aún queda un rasgo por el gusto del dorado

6 mayo 2022

LA SANGRE DE SAN PANTALEÓN

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 19:45

Tomado de wikipedia

San Pantaleón fue un mártir cristiano nacido en Nicomedia, en la actual Turquía.

Durante su corta vida, tras la muerte de su padre (que fue ateo), se convirtió en médico de los emperadores y, más tarde, asumida la fe cristiana, se dedicó a sanar enfermos de forma altruista.

Su martirio sucedió en las persecuciones de Diocleciano, y sucesivamente, intentaron quemarlo, ahogarlo con una piedra atada a su cuello, lo torturaron en la rueda e incluso lo tiraron a las fieras. Ante la imposibilidad de la muerte fue finalmente decapitado, y allá donde cayó su sangre floreció un olivo seco.

Un pequeña ampolla con su sangre llegó desde el monasterio de Ravello hasta el monasterio de San Pantaleón de Losa, en Burgos.

Muy probablemente desde aquí llegaría al monasterio de la Encarnación en Madrid, donada por Juan de Zúñiga, conde de Miranda. (Aunque otras tradiciones hablan de un regalo del papa al Conde)

Desde tiempos de San Pantaleón de Losa, cada 37 de julio se licúa durante unas horas.

Milagros parecidos se suceden en iglesia de Nápoles y Alemania a finales del mes de julio

ÍNDICES DE SANTOS

19 abril 2022

Hinduísmo. Linga-yoni

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:44

La piedra Shiva Lingam representa los genitales masculinos, mientras que la yoni simboliza Los genitales femeninos. Su unión se denomina linga-yoni y representa. El lingam se sitúa dentro del yoni para poner en funcionamiento el símbolo eterno de la creación y la renovación.

Este rito tiene funciones curativas, aumentando la energía, equilibrar el yin/yang, conectar el chakra del corazón y aumentar lo humano

27 marzo 2022

LA MIKVÉ DE BESALÚ (GIRONA)

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:34

SDELBIOMBO – 04 DE JUNIO DE 2012 – 14:23 – JUDERÍAS

El famoso Call (Judería) de Besalú (que ya vimos en SEÑOR DEL BIOMBO) tiene como lugar central la Mikvé. Descubierta por casualidad en 1964, es uno de los escasos restos de baños rituales judíos a donde se acudía tras el Sabat, las mujeres tras la menstruación…

Se trata de una interesante obra de ingeniería, al tomar las aguas (que debían ser corrientes y no estancadas) del río Fluviá, y calentada de forma natural por una fuente termal.

Construida en subterráneo, se accede a ella por una pequeña escalinata que se continúa en la propia piscina que es iluminada lateralmente.

Sus fórmulas constructivas se encuentran más cercanas al románico que al gótico.

Lamentablemente las últimas reformas han sido excesivas y tanto los materiales como un cierto minimalismo ha restado una parte de encanto

Otro mikve recientemente descubierto en Úbeda

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Para saber más de Besalú y su mundo judío

20 marzo 2022

GOYA: LA GALLINA CIEGA Y DOS VIEJOS COMIENDO SOPA.

Filed under: General — vicentecamarasa @ 17:31

SDELBIOMBO – 09 DE MAYO DE 2016 – 20:44 – GOYA

Tema y personajes: ambos cuadros tienen un tema profano; en uno se representa a un grupo de burgueses jugando a un juego popular; y en el otro se representa a dos ancianos.

El mensaje de la gallinita ciega es la propaganda de la clase social acomodada. En dos viejos comiendo sopa el mensaje es el pesimismo y la tristeza. Soporte: es lienzo con la técnica del óleo y una pincelada suelta en ambos, aunque en dos viejos comiendo sopa es más visible y más pastosa, siendo un cartón para tapices el primero.

Composición: el primer cuadro es simétrico, dinámico, colocando a los personajes en líneas verticales y es tectónica. Mientras que el segundo es asimétrico, estático, con líneas verticales y atectónica.Línea y color: en ambos cuadros predomina el color sobre la línea, pero se nota muchísimo más en dos viejos comiendo sopa donde hay una pincelada muy suelta y colores sucios. En la primera destacan los tonos pastel. Luz: en el primero es una luz representativa; mientras que en el segundo es expresiva de fuerte claroscuros.

Espacio: en la gallina ciega hay perspectiva aérea y en el segundo la crea mediante claroscuros y anteposición de elementos del cuadro.

Figuras: en el primer cuadro están idealizadas, de canon perfecto, posición dinámica y estable, las figuras tienen cierto hieratismo y están individualizadas; son un grupo de la misma clase social, la aristocracia e interesan poco las texturas. En el segundo son figuras realistas e incluso deformadas, de canon ensanchado, posición estática, estables, hieráticas e individualizadas; su relación será familiar y las texturas si que interesan.

Comentario.

Goya es un pintor del siglo XVIII Y XIX. En él podemos observar una diferente evolución debido a sus situaciones vitales, como hemos visto en el análisis de la gallina ciega y de dos viejos comiendo sopa, dos cuadros totalmente contrarios pero del mismo pintor.El cuadro de la gallina ciega pertenece a su etapa más rococó, cuando hacía cartones para tapices en la Real Fábrica de Tapices; el tema elegido lo designaban los reyes y solía ser el constumbrismo idealizado, con composiciones equilibradas, tonos pastel, figuras aristocráticas, gestos galantes, uso de sfumato y la luz suave; por lo general corresponde a una estética rococó.

Más tarde Goya fue pintor del rey y pintó cuadros como la Familia de Carlos IV o Fernando VII.Y después su pintura se vió marcada por la Guerra de Independencia contra los franceses pintando los Fusilamientos.

El cuadro de dos viejos comiendo sopa pertenece a su etapa de las pinturas negras. Con el regreso al trono de Fernando VII y las secuelas de la guerra y un Goya viejo y enfermo, Goya se dedicó a no salir de su casa. Tuvo una crisis personal y pintará las propias paredes de su casa con pinturas siniestras como la analizada o Saturno devorando a sus hijos, simbolizaba en sus pinturas la vejez, la muerte, la soledad o lo siniestro. Su pintura estaba mezclada con negro y usaba empastes fuertes, no había casi perspectiva y había una deformación de la realidad. Goya influyó en el romanticismo del  siglo XIX (en Fuseli) y en el expresionismo del siglo XX (como en Munch y su pintura El Grito). En la etapa de las pinturas negras también hizo los grabados. Tras esta etapa de desesperación se exilió a Burdeos y allí volvió al optimismo con una pintura colorista y temas con óptica amable y una pincelada muy suelta. Destaca la lechera de Burdeos.

MÁS COMENTARIOS COMPARADOS DE GOYA


Eva Fernández. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

16 marzo 2022

KLIMT (4). La música, la vida y la muerte

Filed under: General — vicentecamarasa @ 17:59
Friso Novena Sinfonía Beethoven

Wagner, Beethoven, Schubert, Mahler.

Friso de Beethoven. La Alegría

Todo el arte de Klimt se vio rodeado por la música.

Schubert al piano.

En realidad todo su arte es sumamente musical en cuanto sinestésico en colores y líneas onduladas.

Una pintura entendida como música con menor peso de los elementos representativos y mayor de los evocativos (diseños abstractos, línea en golpe de látigo, uso del color o el dorado), muy cercana a la obra de Mahler, con todos sus contrapuntos y paisajes sonoros casi cinematográficos por donde perderse en evocaciones y misterios, igual que los cuadros de Klimt

Muy relacionado con ello se encuentran algunos de sus temas más habituales, aquellos que hablan de los ciclos de vida/muerte (vinculados claramente a la idea de Freud de eros/thanatos) en donde se nos muestra la vida como una larga tragedia punteada de efímeros placeres

La muerte y la decrepitud son habituales, muchas veces contraponiéndose contra los colores o las formas voluptuosas de la vida o la juventud

Hasta gran parte de su sexualidad tan explícita nos habla precisamente de la muerte (como los temas de Danae o Judith)

Toda una larga (a veces agónica) reflexión sobre el paso del tiempo que nos llevará de las flores o el oro hasta los grises de la muerte. De la juventud a la vejez; del placer a la enfermedad .

Como una infinita tristeza en medio de la primavera

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14 marzo 2022

KLIMT Y LO FEMENINO (una aproximación)

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:14

Ya comentábamos en un artículo anterior la complejidad (y modernidad) de la imagen de la mujer tiene en la obra de Klint.

A propósito de ella he encontrado un fantástico artículo

GUSTAV KLIMT Y LILITH: LA REPRESENTACIÓN DE LA NEW WOMAN COMO
FEMME FATALE. Melania Soler Moratón

He extraído algunos fragmentos de él que os pueden resultan interesantes para profundizar en las ideas de la mujer fatal, ese ambigua imagen de lo femenino que oscila sin cesar entre el deseo y el miedo, entre la admiración y el rechazo.

Este es el sentido que el artista da a sus nuevas mujeres, en ellas
encarna la mujer moderna que abandona el concepto tradicional de mujer estatua
que hasta ahora había caracterizado la pintura vienesa. A la misma vez observamos
una polarización de la figura femenina hacia dos polos totalmente opuestos: por un
lado la representación de Magna Mater y por otro el de femme fatale

Con su arte Klimt busca, según G. Fliedl, la feminidad masculina del hombre, lo que en
este final de siglo se denominó “revolución de la feminización masculina”, por la que
no trata de transformar al hombre en mujer sino reclamar lo femenino- la
sensibilidad, pasión y ahora el poder- para sí mismos. Al mismo tiempo que esta
feminización masculina , según el mismo autor, se produce una masculinidad
femenina

Con todo ello vemos cómo Klimt crea en su imaginario femenino, ya sea de forma
consciente o no, la idea que el hombre poseía de la mujer, una imagen de miedo y
atracción basada en el ser salvaje que causa ansiedad y al que se desea dominar.
El artista recrea en estas femmes tentaculaires los miedos y mitos que encumbran a
la mujer como reina de su pintura, pero con esta recreación lo misterioso que hay en
ella, su independencia, queda destruida como algo que puede comprenderse y por
lo tanto dominarse

En esta esfera más allá de lo real el hombre no es indispensable para la mujer ya que ella encarna el “Eros portador de la muerte” , la mujer será aquella que pueda satisfacer los deseos más
intrínsecos del hombre pero también aquella que pueda dominarlo a través de ellos y
destruirlo.

La melena de la mujer adquirió, a lo largo del siglo XIX y principios del siglo XX, una importancia clave ya
que simbolizó la fuerza vital y de atracción sexual que incitaba al hombre. Es en estos años, cuando la Hermandad Prerrafaelita y los simbolistas le otorgan una fuerza irracional, un elemento amenazante con el que la mujer puede subyugar al hombre y llevarlo a la muerte. Klimt hereda esta faceta de estos artistas y lo aplica a sus obras a partir de 1898 – año en el que lo pone de manifiesto en su obra Filosofía desarrollándolo a lo largo de su carrera hasta casi su muerte. El origen de la importancia de la cabellera proviene del mito griego de las Gorgonas, a partir de él se instauró a partir de mediados del siglo XIX- con la Hermandad Prerrafaelita- lo que se denominaría en la historiografía “cabellera medusea” y que adquirida una significación más allá de lo pictórico gracias a las teorías de Freud para quien las
víboras de la Medusa simbolizaban elementos fálicos, la posesión de estos por la mujer simbolizaba la castración del hombre como algo ya no propio únicamente por él. Por lo tanto el terror a la Medusa es el terror del hombre a la castración y sus atributos propiamente masculinos

Imágenes tomadas de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

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6 marzo 2022

TINTORETTO Y EL PAISAJE. Dos obras en la Scuola di San Rocco

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:57

Pocas veces en la historia del arte un pintor llegó a reflejar el paisaje con esa morbidez y atmósfera como en estas dos obras que realizara para la Scuola di San Rocco Tintoretto.

En realidad se trata de las dos últimas obras que realizaría para ella, tras más de veinte años de trabajo.

Los temas elegidos, dos eremitas (Magdalena y Santa María Egipciaca) le permiten convertir sus figuras en un trasunto más del paisaje retratado en ese momento incierto que precede a la noche, cuando la oscuridad ya aparece pero todavía profundamente matizada por las mil reverberaciones de los objetos que proyectan una luz indecisa.

En realidad, podríamos hablar de una sublimación de la obra que había dado inicio a esta escuela veneciana ( Tempestad de Giorgione).

Como en ella las figuras se sumergen en el paisaje hasta convertirse en un simple pedazo de él y la luz pierde su dominio absoluto para convertirse en un espeso fango de oscuridades y destellos que realiza a través de fríos metalizados y ácidos sobre un fondo neutro de colores tostados.

Con todo ello consigue un verdadero paisaje espiritual que habla de fugacidad y transitoriedad frente a las verdades absolutas de otras de sus obras. Un lugar de cambio animado por un profundo misticismo en donde renuncia a sus espectaculares escorzos y perspectivas para sumergirnos en una sensación de fluidez, de profunda identificación con aquello que transcurre lentamente pero sin pausa.

Una música pesada llena de extrañas fantasías que es más psíquica que visual

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                                    TINTORETTO EN LA SCUOLA DI SAN ROCCO
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19 febrero 2022

Felipe Bigarny. Retablo de Santiago. Sasamón

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 12:33

Una obra verdaderamente excepcional que refleja las principales virtudes del escultor en plena madurez.

La estructura responde a la característica estructura plateresca cada vez más cercana al purismo, con un Santiago Matamoros central y de bulto y relieves de la muerte y traslado del santo hasta el campus stelae.

En el juego de la composición y perspectiva vemos sus limitaciones a la hora de pasar de lo gótico a lo renacentista, con posturas forzadas y un uso problemático del espacio.

Por el contrario, los tres relieves de la predela sus verdaderamente sublimes, de un clasicismo casi italiano.

FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL ESCULTOR

8 febrero 2022

LA CAPILLA SIXTINA 2. LA DECORACIÓN QUATTROCENTISTA

Filed under: General — vicentecamarasa @ 19:21

La primera decoración de la Sixtina se realizó por encargo de Sixto IV en 1480

Perugino Vuelta de Moisés a Egipto y circuncisión de Eliezer

En ella se narran de forma paralela (una serie en cada pared) las vidas de Moisés y Cristo. Esta idea de unir Antiguo y Nuevo Testamento era habitual desde la Edad Media, y se denomina prefiguraciones.

Botticelli. Pruebas de Moisés

Fueron realizadas por cuatro artistas florentinos de final del Quattrocento: Perugino, Ghirlandaio, Botticelli y Cosimo Rosselli junto a algunos de sus aprendices.

Botticelli. Castigo de los rebeldes

Es posible que el proyecto fuera supervisado por Perugino

Signorelli. Testamento y muerte de Moisés

Perugino. Bautismo de Cristo

Ghirlandaio. Vocación de los apóstoles

Perugino. Entrega de las llaves a San Pedro

.Sobre ellos se crea una serie de papas.

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