Palios

3 abril 2019

CÁRCEL DE SAN PABLO IN VIA LATA

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:28

Aunque la historia parece desmentirlo, la tradición cuenta que este fue el lugar en donde San Pablo pasó su cautiverio.

Este era bastante laxo, pues se trataba de un vivienda privada en donde era custodiado por un soldado, que lo amarraba a una columna por la noche.

La tradición cuenta que San Pedro le visitó en este lugar en donde también aparece la figura de San Lucas.

El lugar se convirtió en parte de un monasterio, construyéndose una iglesia en su parte superior, convirtiéndolo en cripta.

De esta ocupación sucesiva nos quedan restos de frescos románicos (VIII-XI)

Martirio de San Erasmo

 

Sobre ella, Pietro da Cortona realizará su espectacular pórtico.

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

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1 abril 2019

MÉNADES Y BACANTES

Filed under: General, Mitología — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 11:00

Ménade. Atribuida a Kalimacos

Tomada de http://commons.wikimedia.org

Las Ménades son acompañantes constantes de Dionisio.

Normalmente aparecen extasiadas por el vino, bailando furiosamente. En esos momentos las Ménades adquirían entonces poderes sobrenaturales y bestiales en donde despedazaban bestias y hombres (como el rey Penteo de Tebas o el propio Orfeo)

Ménade. Scopas

Tomada de http://commons.wikimedia.org

Junto a ellas se encontraban las bacantes, mujeres mortales que realizaban sus cultos a Dionisios con vino, setas alucinógenas (Amanita Muscaria) o laurel (cianuro de potasio).

Escena báquica con sátiro y Ménade

En la Grecia Arcaica estas fiestas báquicas eran secretas y prohibidas a los varones (lo que siempre generó múltiples suspicacias en una sociedad tan homófoba como lo era la griega). En ellas matonas y doncellas subían a un monte solitario durante días, sin contacto con varón, y se drogaban y bailaban hasta el desenfreno para llegar al entusiasmo (la posesión del dios).

Bacante en la Villa de los Misterios

Esta costumbre se mantendría (contaminada por la religión católica y sus símbolos) en los Aquelarres brujeriles que mantenían el culto a los sentidos (la locura divina), anulada la razón por las distintas drogas, y el carácter femenino que se refugia en ella ante sociedades profundamente machistas.

Aquellarre. Goya

Tomado de wikipedia

 

27 marzo 2019

SAN PEDRO. ÍNDICES

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:55

Las lágrimas de San Pedro

Quo Vadis

La disputa con Simón el Mago

La Crucifixión de San Pedro

 

 

ÍNDICES DE ICONOGRAFÍA DE SANTOS

15 marzo 2019

SEMANA SANTA EN SEVILLA. La mortaja

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:01

Vicente Camarasa Domínguez

Todos los Derechos reservados

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Sevilla 2012

TODAS LAS FOTOGRAFÍAS

9 marzo 2019

Análisis y comentario. ADORACIÓN DE LOS PASTORES. EL GRECO

Filed under: General — vicentecamarasa @ 20:27

En esta obra se puede ver, en la parte inferior, unos personajes que están adorando el Niño y, en la parte superior, unos ángeles (apertura de Gloria).

El tema está basado en los textos bíblicos: representa a los pastores, que han sido avisados por los ángeles para acudir a adorar al Mesías.
Se trata de un óleo sobre lienzo, con una pincelada totalmente suelta (existen formas formadas por manchas).
La escena se desarrolla en dos zonas: la celestial y la terrenal. Hay un fuerte contraste de espacios llenos y vacíos (llenos donde se adora al Niño y donde están los ángeles, pero en medio hay un gran espacio vacío).
Abundan las líneas serpentinatas, incluso encontramos un escorzo en las manos de María.

Todo ello contribuye al dinamismo, sobre todo en el espacio de los ángeles.
Predomina el color sobre la línea.

En el cuadro se usa una gama cromática con fuertes contrastes entre colores cálidos, como el rojo de María, y fríos, como verdes morados, azules o el fondo gris de la cueva. Son colores muy irreales, metalizados (se vuelven blancos con la luz), tornasolados (por ejemplo, en el ángel pasa de verde a amarillo) y ácidos en algunos casos.
Presenta una luz antinatural (y con múltiples focos) con fines expresivos. Esta surge del Niño, como símbolo de Dios.

El contraste entre oscuridad y los llamativos colores dotan a las figuras de volumen a la vez que atraen al espectador
Los saltos de perspectiva que utiliza hacen que se rompa con la unidad espacial (perspectiva acelerada, y en algunos casos un verdadero espacio dislocado)

Las figuras aparecen alargadas, con pequeñas cabezas y piernas largas y musculosas. Los personajes muestran expresiones de asombro mientras, María aparece serena.


Es una obra fundamentalmente influida por el Manierismo italiano: contrastes violentos, luces irreales, agobio espacial, figuras muy alargadas, forma serpentinata, colores metalizados, tornasolados…, rasgos que recuerdan a los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.
Sin embargo, también presenta influencias bizantinas (la imagen religiosa, lejana del naturalismo occidental), venecianas (pincelada suelta, cielos tormentosos que recuerdan a Tinttoreto) y, por último, hispánica, que lo
conecta con el misticismo (se pretende transmitir al espectador la experiencia divina de una forma irracional).
Se trata de la Adoración de los pastores, realizada por El Greco.

Era un pintor de origen cretense. Se formó en el taller de Tiziano y posteriormente trabajó en Roma Viajó al Escorial en donde su pintura no tuvo éxito por ser excesivamente manierista para lo que quería Felipe II. Después, se trasladó a Toledo en donde trabajará para mecenas locales y órdenes religiosas. Su movida vida le hizo conocer numerosos estilos que fue asimilando hasta conseguir su estilo personal.
El Greco crea una nueva definición de imagen religiosa, utilizando el color veneciano, la luz y la desproporción manierista, creando escenas  sobrenaturales que nos intenta comunicar la sensación de Dios
como si de un éxtasis se tratara. Esto tendrá mucha influencia en el siglo XX (Picasso, expresionistas…)

 Sin embargo, también fue esta la razón de su fracaso en el Escorial: sus cuadros no servían como imágenes de culto ya que eran demasiado intelectuales.
Como curiosidad, esta obra era para su tumba.

Otras de sus obras más destacadas son el Expolio, el Entierro del señor de Orgaz, sus apostolados, retablos y Anunciaciones, Laocoonte, el Paisaje de Toledo o, en el campo del retrato el Caballero de la mano en el pecho.

Imágenes tomadas de wikipedia

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Amalia Arias (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

Análisis y comentario. MARTIRIO DE SAN MAURICIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:27

Nos encontramos ante una obra de arte pictórica de tipo religioso. Esta pintura nos cuenta la historia de San Mauricio y la Legión Tebana que dirigía. Se dice, que en el siglo III le fue encomendado realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos (paganos, entonces, para el Cristianismo). San Mauricio se negó, pues tanto él como su ejército profesaban el Cristianismo, y por ello todos fueron ejecutados.

Ahora bien, se cuenta que el autor de esta obra quiso fusionar esta historia con acontecimientos contemporáneos, y es por esto por lo que en varios estudios se ha llegado a identificar dentro de la pintura al Duque Manuel Filiberto de Saboya y al Duque de Parma, Alejandro Farnesio –ambos cerca de la figura del santo- y, en los planos del fondo, a Don Juan de Austria, vencedor en Lepanto (1571). Todas las figuras visten uniformes militares del siglo XVI, uniendo la lucha de las tropas españolas contra la herejía y el paganismo, al igual que se supone que hizo San Mauricio. En un segundo plano observamos la escena del martirio: los legionarios, colocados en fila, esperan para ser ejecutados, mientras San Mauricio vuelve a aparecer en la pintura agradeciendo a sus hombres la decisión que tomaron.

La parte superior de la pintura se corona con un rompimiento de Gloria en el que aparecen diversos ángeles: unos son músicos y otros portan coronas de triunfo.
El soporte sobre el que está realizada esta obra es un lienzo y la técnica empleada es el óleo mediante la pincelada suelta (que heredó de su influencia veneciana gracias a Tiziano, pues se formó en su taller).
La composición de la pintura es asimétrica y dinámica, pues cuenta diversas escenas de una misma
historia, lo que hace que el espectador se vaya “moviendo” por el cuadro para captar toda la historia.

La  obra se formó a partir de figuras geométricas, en concreto rectángulos, donde podemos introducir cada una de las tres escenas de la historia.
En cuanto a la línea, el color, la luz y el espacio, cabe destacar una plena influencia manierista, pues, además de predominar el color sobre la línea, los colores son irreales: fríos, ácidos, tornasolados y metalizados; luego, vemos una clara descompensación, pues en la base de la pintura se da el agobio espacial propio del manierismo que nos traslada rápidamente a la zona superior del cuadro (perspectiva acelerada), donde sólo está poblada una zona.

También encontramos figuras desproporcionadas y con formas serpentinatas, o con gestos grandilocuentes y aristocráticos (como los que se dan entre San Mauricio y sus generales en el primer plano del cuadro). Por último, la luz, aunque aparece representada con el rompimiento de Gloria, el espectador queda desconcertado, pues hay sombras y claroscuros que no se corresponden con ese foco de luz. Y, aunque se ve claramente que los personajes portan armaduras, éstas dan sensación de ser finísimas, pues se puede apreciar la anatomía de los personajes a través de ellas.

(Comentario)
La obra analizada pertenece al manierismo, dentro del Renacimiento español. Debido a las diversas influencias del autor (bizantina, veneciana y manierista) encontramos una mezcla de elementos, o deformación de rasgos que serían de origen clásico pero el propio manierismo los transforma, como el agobio espacial, las anatomías desproporcionadas y exageradas, la perspectiva acelerada o el modo en el que emplea la luz y el color. Por otro lado, empieza a desarrollarse una influencia hispánica que lo conecta con el misticismo, es decir, utilizando el color y la técnica venecianos, la luz y la desproporción manierista, el autor nos intenta comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que influirá profundamente en el siglo XX (expresionistas, Picasso…).


Entierro del Conde Orgaz

Con sus técnicas antinaturalistas unidas a los colores venecianos, el autor buscará una nueva definición de la imagen religiosa. Lógicamente, esta postura no era la más adecuada para el gran público, pues era demasiado intelectual, lo cual fue una de las principales razones por las que no consiguió participar en la decoración del Escorial, pues Felipe II lo rechazó, ya que sus cuadros no servían como imágenes de culto que movieran a la piedad, sino que estaban destinados a una élite intelectual que supiera interpretar estas técnicas y elementos antinaturalistas e irreales como una representación de lo divino más que una ilustración didáctica.
Esta obra se realiza en un contexto histórico en el que reina Felipe II en España (segunda mitad del siglo XVI), y en el que se dará un doble mecenazgo: aúlico (más cercano a los modos italianos, de reyes y nobles cortesanos) y religioso (que hará casi insignificantes diversas tipologías italianas como el desnudo, los temas mitológicos, los retratos…).
Finalmente, cabe destacar el nombre de esta obra y de su autor: El martirio de San Mauricio, realizado por Doménikos Theotokópoulos, popularmente conocido como El Greco.

Imágenes tomadas de wikipedia

 

Marina López Pallarés (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

 

Análisis y comentario. EL EXPOLIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:05

 

Este cuadro trata de un pasaje evangélico correspondiente a la pasión  en la que un sayón se dispone a arrancar la túnica de Cristo. En la parte inferior aparecen las tres Marías que miran como un hombre prepara la cruz.

Su técnica es el óleo (hecho con aceite que permite mayor detallismo ya que tarda en secarse,  hacer correcciones y usar una pincelada más suelta) sobre lienzo.

Su composición es simétrica, a partir de líneas verticales, la más importante (el eje axial) la crea Jesucristo en el centro del cuadro. Su importancia se ve reforzada por el color rojo, que crea una especie de gran óvalo central.

Predomina el color sobre la línea a través de la pincelada suelta.

En los colores cabe destacar, el rojo de la túnica de Cristo que atrapa la mirada del espectador, rodeado por colores fríos de las demás figuras. También también aparecen colores ácidos y tornasolados

La luz es expresiva, ilumina principalmente a Cristo, creando fuertes claroscuros.

El canon de las figuras es correcto (aunque un tanto alargado) y destaca la expresividad de las miradas, con una fuerte tensión entre la de Cristo, que mira hacia arriba (hacia su Padre) con resignación, frente a la violencia de las que le rodean.

 

Es importante la aparición de las diferentes texturas, como la armadura del caballero (una clara herencia de Tiziano).

COMENTARIO

El Expolio es una de las primeras obras que realizó el Greco en España. Se trataba de un encargo para la catedral de Toledo que el artista consiguió gracias a la ayuda de su gran amigo Don Diego de Castilla.

Esta pintura pertenece al renacimiento español y tiene una clara influencia de la pintura veneciana como la pincelada suelta y el uso del óleo, ya que el Greco se formó en el taller de Tiziano. Su influencia manierista, tras su estancia en Roma donde recoge elementos que aparecen en este cuadro como los colores fríos, ácidos, la luz expresiva, el agobio espacial, la perspectiva en vertical.

De esta manera en Greco pretende transmitir al espectador la experiencia divina en una forma irracional. Utilizando el color veneciano, la luz y la desproporción manierista, nos intento comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que tanto influencia tendrá en el S. XX.

 

Michell Álvarez (2º Bach.; IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

4 marzo 2019

SEMANA SANTA MADRID

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:03

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Cuaresma en Madrid

 

Los Estudiantes

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Gran Poder y Macarena

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Jesús el Pobre

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Cristo de Medinaceli

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Soledad

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Virgen de los Desamparados

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Virgen de la Anunciación

 

Cristo de los Alabarderos

 

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE MADRID

25 febrero 2019

Análisis y comentario de La Adoración del Nombre de Jesús. El Greco

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:28

Tomado de wikipedia

Tema.

También llamada El sueño de Felipe II o Alegoría de la Liga Santa, se trata de un encargo (el primero) realizado por Felipe II al Greco, recién llegado a nuestro país.

Su interpretación resulta confusa y hay varias hipótesis sobre ella.

Tradicionalmente se hablaba de una Gloria (como la que había realizado Tiziano para Carlos V), mientras que otros hablan de un tema más contrerreformista: la adoración del nombre de Jesús (cuyo anagrama IHS,  Jesucristo Hombre Salvador, sería también el de los jesuitas, actores fundamentales de la Contrarreforma) y una meditación sobre la importancia del arrepentimiento (con la aparición del Purgatorio en la zona más lejana) y el peligro cierto del infierno (representado como la gran boca de Leviatán, según los modos iconograficos bizantinos que el Greco practicó e su Creta natal)

En la actualidad (Blunt) se prefiere hablar de una evocación a la Santa Liga (ejército que derrotó a los turcos en Lepanto), apareciendo en el lienzo sus principales representantes: Felipe II, el dux de Venecia (de espaldas y con manto amarillo) y el papa Pío V (con tiara dorada), apareciendo junto a él Don Juan de Austria (comandante de la flota).

Según esta última idea: Nos encontramos por lo tanto ante la representación visual del mundo tras la victoria  cristiana de Lepanto, vista a través de mirada de una monarquía contrarreformista destinada a constituir un imperio universal y cristiano, un planeta católico cuyos tiempos concluirán el día en que la humanidad deba personarse ante el juicio final, donde se premiará a aquellos que participen de esta teología política, y se castigará con penas atroces a los que la rechacen. Esta fabricación icónica del imperio católico español pintada por El Greco no es tanto una invención de este pintor como una representación de una visión que impregna a la sociedad española tras el concilio de Trento y la batalla de Lepanto. Una idea que pervivirá a lo largo de todo el imperio, hasta el reinado de Carlos II a finales del siglo XVII cuando se extingue la Dinastía que hizo de la defensa del catolicismo su razón de ser. ( 

El cuadro está realizado en lienzo, utilizando la técnica al óleo con pincelada suelta, que consiste en la realización de figuras usando pequeños toques precisos de pintura,predominando así el color sobre la línea, pues no se realizaba ningún tipo de dibujo previo(técnica ¨alla prima¨ invención de Giorgione, maestro de la Escuela Veneciana y Tiziano).

Entre esos colores predominan especialmente los cálidos (de nuevo, herencia de Tiziano),en contraposición con los fríos que se encuentran en menor
número en la parte superior y en la parte inferior correspondiente al monarca

La luz es representativa.
Encontramos un uso de la perspectiva aérea heredera de la técnica del sfumato de Leonardo Da Vinci (que tanto influyó en la Escuela Veneciana), que consiste en producir una sensación de profundidad al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos lejanos se vean más borrosos y difuminados.

Junto a ella encontramos una perspectiva acelerada y descentrada, heredera de Tintoretto, y por tanto, totalmente manierista

La composición resulta un tanto caótica, especialmente en el fondo del cuadro, un recurso manierista, que bien podría estar relacionado con esa
sensación de infierno y caos del mundo del s.XVI en el que quería poner orden la Contrarreforma y la Liga Santa.

Este cuadro resulta ser una perfecta fuente histórica de la época de finales del s.XVI si se logra entender el contenido simbólico del mismo, pues se trata de una época en la que los grandes imperios que se estuvieron forjando durante finales del s.XV y el s.XVI estallan en rivalidades políticas, camufladas además en rivalidades religiosas que sirvieron muchas veces como un
¨casus belli¨. Hablamos sobre todo de la Reforma y Contrarreforma y las Guerras de Religión que surgieron a través de éstas (y que en muchas ocasiones resultaban tener una mayor importancia política que religiosa), en las que los miembros de la Contrarreforma formarían la denominada Liga Santa que lucharía contra protestantes y otomanos en varias ocasiones, y
que buscaría la idea de un mundo católico apostólico románico salvaguardado por un gran imperio como era el de la España de Felipe II (si bien ya empezaba a tener demasiados problemas; no debemos olvidar que sufrió en torno a cuatro bancarrotas). Un comentario semejante se podría hacer del Martirio de San Mauricio


Como ya se ha comentado el cuadro recibe las influencias de autores como Miguel Ángel (formas exageradas y serpentinatas de obras como los frescos de la Capilla Sixtina o el Juicio Final que influyeron además en la Escuela Veneciana), Tintoretto ( perspectivas aceleradas como en su obra El Paraíso o La Última Cena) y Tiziano (pincelada, gama cromática, apertura de Gloria). Influirá  en el Barroco del siglo posterior (XVII), en autores como Velázquez, Juan de Valdés Leal, Rubens, …

Imágenes tomadas de wikipedia

 

Abel Jiménez (2º Bach, IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

ORFEO, LA MÚSICA Y LA MUERTE

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:00

A tal bosque había congregado el poeta, y estaba sentado en el centro de una reunión de fieras y una multitud de aves; después de tantear suficientemente con el pulgar las cuerdas que rasgaba y percibir que estaban afinados los diferentes acordes, aunque sonaran distintos, entonó la siguiente canción”.

Ovidio en el libro X de las Metamorfosis

Cuentan los textos griegos que el verdadero inventor de la lira fue Apolo, que la tocaba en el Parnaso.

Parnaso. Rafael. Estancias Vaticanas

Orfeo, hijo del propio Apolo, se quedó tan prendado de su sonido que le pidió al dios que se la regalase.

Con ella, como veíamos al principio de artículo, tocaba una música que conmovía a hombres y animales, deleitando incluso a las plantas, a los cursos de agua que cambiaban su rumbo y a las piedras que se movían.

Luca Giordano

Tomado de wikipedia

Con esta música acudió junto a otros argonautas en busca del Vellocino de Oro, y neutralizó a las sirenas con las que se encontró Ulises en su vuelta de Troya

Sin embargo su vida no fue tan plácida como su música, y se enamoró de la ninfa Eurídice, que murió durante la propia boda mordida por una serpiente.

Orfeo, inconsolable, decidió bajar al Hades en busca de su amada, conmoviendo a la propia Perséfone y a las almas allí condenadas

Mientras cantaba con la música de la lira, las almas rompieron a llorar. Tántalo no se esforzó en alcanzar las aguas que siempre se retiraban, la rueda de Ixión se detuvo, los buitres dejaron de picar el hígado de Titis, las hijas de Danao dejaron de llenar sus vasijas y Sísifo descansó sobre una roca”.

Ovidio. Metamorfosis

Consiguió sacar así a su amada de los infiernos, aunque con una condición, la de no volver la vista hacia ella hasta salir por completo de los reinos de la muerte.

Orfeo y Eurídice. Corot

Tomada de wikipedia

Eurídice, que andaba tras suyo más despacio por la mordedura de la serpiente, tenía aún una pierna en el reino oscuro cuando el volvió la mirada hacia ella, lo que la hizo desvanecerse en la niebla de los muertos

Orfeo intentó volver al reino de los muertos, pero Caronte no se lo permitió.

Nuestro protagonista cayó entonces en una total desesperación mientras abandonaba a las mujeres, sustituyéndoles por los hombres.

Esto enfureció a las siempre terribles Ménades que se abalanzaron sobre Orfeo, despedazándole. Sólo así volvió a convivir con Eurídice

Muerte de Orfeo

Su culto pronto se unió al de Dionisio, creándose ritos mistéricos en torno a la muerte y la resurrección, en donde el alma inmortal sobreviviría al cuerpo (influyendo sobre Pitágoras,  Platón o el propio cristianismo a través de San Pablo), con miembros que detestaban la carne y consideraban el ascetismo, la catarsis, el canto de los himnos y la mística como formas de crecimiento espiritual, instaurando la noción de pecado que se convertía en cárcel del alma

¿Quién sabe si la vida no es una muerte
y lo que llamamos muerte se llama allí vida?

Muchos de estos conceptos derivan directamente del mundo egipcio

 Claudio Monteverdi compuso L’Orfeo en 1607.

 

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