Palios

5 octubre 2022

GUERCINO. ENTERRAMIENTO Y GLORIA DE SANTA PETRONILA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:47

Durante la estancia del pintor en Roma (entre  1621 y 1623) realizó esta magnífica obra destinada a la Basílica de San Pedro (aunque en la actualidad se encuentra en los Museos Capitolinos)

Posiblemente fue encargada por el cardenal Ludovisi

Se basa en la historia (muy cuestionada) de Santa Petronila, considerada como la hija de San Pedro. Su vida resulta terrible, con múltiples dolores que la tienen postrada en una cama, sufriendo como Cristo.

Ante la incredulidad de muchos nuevos cristianos (¿por qué Pedro, el primer Papa, no es capaz de obrar un milagro con su propia hija?), la pide que se levante y sirva la mesa en una reunión, cosa que ella hace sin sentir dolor alguno, aunque al volver al lecho recrudecen sus padecimientos y termina muriendo.

Enterrada en las catacumbas de Domitila fue trasladada posteriormente al Vaticano, siendo la intercesora de los peregrinos y los viajeros. Es también protectora de los Delfines de la Casa Real francesa. Se le invoca contra la fiebre, y la melancolía.

En esta obra, el Guercino crea una potente historia contrarreformista en la que une el enterramiento con su ascensión a los Cielos y presentación a Dios (por medio de un zig zag y una gran pilastra clásica), contraponiendo los dos mundos con una solvencia magnífica (mucho más caravaggiesca en la parte baja, especialmente en su realismo y su ambiente popular; mucho más clasicista en la alta); todo bajo su azul vivo y profundo tan característicos

ÍNDICES DE SANTOS

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3 octubre 2022

Análisis y comentario. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE. RIBERA

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SDELBIOMBO – 03 DE MAYO DE 2015 – 19:06 – BARROCO ESPAÑOL XVII

Tomada de wikipedia


Tema: nos encontramos ante una imagen de tema religioso puesto que nos narra el martirio de San Felipe, de una manera cruda, verosímil. El artista nos sumerge en el cuadro de una manera viva, dirigiendo toda nuestra atención había el santo, quien esta rodeado de personajes espectadores así como lo somos nosotros. Con todo ello los que se pretende es hacer propaganda de la fe.

Soporte y técnica: Debido a la progresiva evolución de la técnica, nos encontramos ante una obra sobre lienzo al óleo.
En cuanto a la pincelada es suelta, donde los detalles a poca distancia se difuminan, pero a la distancia adecuada reflejan a la perfección las calidades táctiles.

Composicion .La imagen principal se compone mediante un exquisito juego de diagonales lo que produce un ruptura visual con respecto a la etapa anterior (Renacimiento), donde predomina el equilibrio. En  esta obra, en contrapunto con las obras de Tiziano o Leonardo da Vinci, armónicas en cuanto a la composición, predomina una tendencia ya utilizada en el manierismo clasicista de Rafael o el tenebrismo de Caravaggio. Así, la composicion rompe el equilibrio como una forma de expresividad. 

Además, se caracteriza por ser atectónica.

Luz: Se trata de una luz dirigida, rozando el tenebrismo, lo que el autor pudo tomar de pintores como Caravaggio, amante de este aspecto de tensión que proponen sus obras.

Espacio: La obra plantea un espacio reducido que da cabida a los personajes que envuelven a la figura principal. Podríamos  visualizar cuatro planos, lo que da mayor perspectiva a la obra y, además, la carga de realismo. También podemos observar la aparición de diversos escorzos, lo que también crea visualmente mayor amplitud.

Figuras. Muy realistas, huyendo de la idealización, con un especial interés por las texturas

Comentario
Según todas las características mencionadas con anterioridad, podemos afirmar que nos encontramos frente a una obra perteneciente al Barroco, movimiento que se caracteriza por ofrecer un contrapunto con respecto al Renacimiento, suponiendo así una ruptura de las ideas clásicas.
Hay un gran interés por las perspectiva o el realismo en su máxima expresión, fruto de una evolución desde el manierismo de Miguel Ángel.

El autor profundiza en una visión verosímil de la realidad en donde los rostros se cargan de expresividad, los ambientes cobran vida y se rompe la armonía mediante la existencia de numerosas lineas diagonales que confieren  a la obra mayor dinamismo…

San Bartolomé. Ribera

En concreto, en esta obra podemos comprender la vertiente tenebrista, en especial de Caravaggio, al que Ribera sigue en la primera época de su trayectoria. Tenebrismo que nos envuelve en un mundo cargado de luces y sombras, dirigiendo la mirada del espectador hacia el punto exacto de tensión, creando así la «obra» perfecta, poniendo al espectador en la posición del público

Caravaggio. Crucifixión de San Pedro


Todos estos aspectos son claro reflejo del momento en el cual se desarrolla este movimiento, marcado por la influencia religiosa, en concreto la contrarreforma, que cambia las tendencia en el arte al convertirse esta en uno de los mayores mecenas. Además, el siglo XVII, conocido como el «Siglo de Oro» en España así como en el arte, se produce en contrapunto una decadencia política y económica lo que lleva al fin del reinado de la casa de Austria en España ( Felipe III, Felipe IV y Carlos II ). 
Finalmente, podemos destacar en cuannto a las influencias anteriores, la de Caravaggio con su iluminación tenebrista o la de Tiziano con su pincelada suelta, que se culminarán en Velazquez, como podemos comprobar en obras como El aguador o Las Meninas .

Milagros Mastrapa. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

28 septiembre 2022

FOUQUET Y EL ASOMBROSO DÍPTICO DE MELUN

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SDELBIOMBO – 25 DE MARZO DE 2010 – 19:35 – GÓTICO

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

Siempre e llamó la atención este cuadro en el libro de COU. Después del gran renacimiento italiano, entre éste y el Bosco, aparecía en un rincón, fuera de temario oficial de selectividad.

Su autor Fouquet fue un extraño pintor en una extraña corte (la francesa de Carlos VIII) en la que se instituyó el título oficial de maitresse en titre (querida oficial) que ocupó la mujer del cuadro, Agnès Sorel.

El pintor la representó con una iconografía conocida, la Virgen de la leche o Galactotrofusa, muy habitual del gótico en el que la Virgen se convertía en madre de la Humanidad.

Sin embargo, más que madre la pintó como amante y ese pecho era más para el rey que para el Niño Jesús.

Tomado de http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

No terminó ahí la cosa, y junto a esa virgen pintó un racimo de ángeles bicolores azules y rojos que se salía de las maneras habituales y generaba un ambiente onírico.

Y es que Fouquet fue un pintor poco convencional que unos caracterizan como autor del gótico internacional (el talle tan fino, la idea del amor cortés, las maneras curvilíneas…) mientras otros lo emparentan con el arte de un contemporáneo suyo, Van Eyck (el uso del óleo, las texturas, el trabajo en claroscuro…).

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

Aún más, si vemos la otra tabla (mucho menos representada) del díptico, en ella encontraremos desde maneras de los primitivos flamencos como recuerdos del Quattrocento italiano (en su perspectiva, nitidez de contornos que recuerda a Castagno, los candelieri, las maneras sintéticas en los vestidos…).

Un verdadero puzzle de influencias e interpretaciones que tuvo su eco en el siglo siguiente, en la llamada segunda Escuela de Fontainebleau que pronto analizaremos

Para saber más

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

14 septiembre 2022

PICASSO, EL EGIPCIO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:27

25 DE SEPTIEMBRE DE 2008 – 14:18 – PICASSO

Contaba Picasso a sus biógrafos que un día del año 1907, cuando el pintor malagueño se encontraba luchando con los bocetos previos de lo que serían las futuras Señoritas de Avignon, un amigo también pintor, Rousseau, el Aduanero, le dijo de forma lapidaria:

Nosotros somos los dos grandes pintores de la época; Usted, monsieur Picasso, en el género egipcio y yo en el género moderno.

Quién sabe si la historia es auténtica, pues a Picasso le gustaba adornar su pasado con anécdotas, frases y acontecimientos que nunca existieron. Sin embargo, la idea es totalmente cierta.

Esto puede sorprender a muchos, que consideran a Picasso como el gran creador de la pintura moderna. Y así fue, por supuesto, aunque nunca deberíamos olvidar que también fue un gran clásico (tal vez el último) que nunca dejó de relacionarse con el pasado, reinventándolo una y otra vez.

Por otra parte, la sorpresa puede surgir por una incompleta percepción del arte egipcio. Nos es tan familiar desde pequeños que, quizás, nunca nos hayamos detenido verdaderamente a mirarlo.

Por favor, acompañadme por este pequeño viaje en la historia.

Si recordáis el arte cubista tenía dos claros principios: la simplificación de los objetos en formas geométricas y la visión múltiple (el pintor mira el objeto desde varios puntos de vista y luego une en una sola figura toda la información).

Estas dos claves ya son visibles en las famosas Señoritas de Avignon. El cuerpo de las mujeres se ha geometrizado de forma drástica, al igual que el fondo, quebrado como si fuera un cristal roto. En cuanto a la visión múltiple es evidente en la figura de la derecha, vista de espaldas y de frente, pero también con su cara hecha de retazos fruto de este cambio de vista del pintor.

 Las Señoritas de Avignon. Picasso, 1907

El lienzo produjo entre el selecto grupo que lo pudo contemplar una verdadera conmoción. Muchos no lo entendieron aunque, si la anécdota es cierta, Rousseau sí comprendió rápidamente. Supo mirar y darse cuenta que con aquel cuadro se había acabado la pintura visual (la que ve el ojo quieto) y comenzaba otro momento de arte intelectual en donde se pintará lo que se sabe, no lo que se ve, igual que le ocurría al arte egipcio.

Si no me creéis, fijaros en este relieve egipcio

Pero fijaros bien, y mirad las manos ¿No veis algo extraño en ellas?

Intentad poner las vuestras de la misma forma que en el relieve y veréis… que es imposible hacerlo. Y lo es porque los hombres tenemos los dedos enfrentados.

¿Os dais cuenta ahora? Las figuras tienen dos manos derechas (o izquierdas), pues el dedo gordo se encuentra en la misma posición en ambas, cosa que en la realidad es imposible.

Como veis los egipcios no eran tan realistas como podrían parecer. Hacían una pintura mental.

Pero esto va mucho más allá de unas simples manos. Fijaros ahora en esta figura hecha con la visión múltiple que inventó Picasso y los egipcios practicaban ya hace milenios.

 

La cara está vista de perfil, el cuello y los hombros de frente, la cintura y las piernas de perfil de nuevo. ¿No era esto lo que hizo Picasso con las Señoritas, no las pintó de frente y de espaldas?

Y aún hay más. Mirad este típico ojo egipcio. Lo normal, ¿verdad?

¿Cómo puede ser normal que la cara se encuentre de perfil y veamos el ojo de frente? Si lo viéramos también de perfil no podríamos ver más que una parte de él. Picasso utilizó el mismo truco una y otra vez, aunque tal vez de forma más exagerada (o por lo menos, que nosotros creemos más exagerada). Mirad.

 

Y así podríamos continuar con muchas cosas más (el fondo plano en donde se ha abolido la perspectiva, la importancia de la línea a la hora de delimitar las figuras, la pintura mental, de nuevo, en la representación de los pies), pero nos fijaremos en un último detalle: la representación de los objetos.

Fijaros en este fragmento. Se trata de una ofrenda a los dioses.

Como veis los objetos carecen de volumen y se apilan unos sobre otros, cada uno de ellos visto desde la posición que dé más información de los mismos.

Si regresamos a Picasso, ya a su segundo cubismo (también llamado sintético) podemos encontrar numerosos bodegones que recurren a estrategias similares, como en esta obra.

Como habéis podido comprobar la frase de Rousseau no era gratuita, aunque tampoco tenemos que pensar que sea la única verdad, pues en el nacimiento del cubismo se unieron numerosas influencias de las que pronto iremos hablando (escultura africana, Cezanne, Ingres, el románico o el arte íbero)

Por otra parte, Picasso no fue el único artista de vanguardia que se sintió fascinado por lo egipcio. Quince años antes de sus Señoritas Paul Gauguin ya había realizado este cuadro en donde lo egipcio es tan evidente que parece inútil comentarlo.

 Extraído de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paul_Gauguin

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 Vicente Camarasa

27 mayo 2022

SANTA LEOCADIA. YAÑEZ

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SDELBIOMBO – 20 DE FEBRERO DE 2016 – 09:42 – RENAC. ESPAÑA

Tomado de Museo del prado

Una de las obras mayores de Yáñez de la Almedina que visitó Italia con Fernando Yáñez (y trabajaron junto a Leonardo en Florencia).

Muchos de sus rasgos son perceptibles, con el trabajo en volúmenes, el contraposto de la anatomía, el juego de claroscuros, el gusto por una perspectiva correcta o la propia expresión facial (incluso algunos detalles, como los rectángulos del fondo nos recuerdan a la Última Cena)

A ello le añade el detalle tan hispano por el detallismo en donde aún queda un rasgo por el gusto del dorado

6 mayo 2022

LA SANGRE DE SAN PANTALEÓN

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 19:45

Tomado de wikipedia

San Pantaleón fue un mártir cristiano nacido en Nicomedia, en la actual Turquía.

Durante su corta vida, tras la muerte de su padre (que fue ateo), se convirtió en médico de los emperadores y, más tarde, asumida la fe cristiana, se dedicó a sanar enfermos de forma altruista.

Su martirio sucedió en las persecuciones de Diocleciano, y sucesivamente, intentaron quemarlo, ahogarlo con una piedra atada a su cuello, lo torturaron en la rueda e incluso lo tiraron a las fieras. Ante la imposibilidad de la muerte fue finalmente decapitado, y allá donde cayó su sangre floreció un olivo seco.

Un pequeña ampolla con su sangre llegó desde el monasterio de Ravello hasta el monasterio de San Pantaleón de Losa, en Burgos.

Muy probablemente desde aquí llegaría al monasterio de la Encarnación en Madrid, donada por Juan de Zúñiga, conde de Miranda. (Aunque otras tradiciones hablan de un regalo del papa al Conde)

Desde tiempos de San Pantaleón de Losa, cada 37 de julio se licúa durante unas horas.

Milagros parecidos se suceden en iglesia de Nápoles y Alemania a finales del mes de julio

ÍNDICES DE SANTOS

19 abril 2022

Hinduísmo. Linga-yoni

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:44

La piedra Shiva Lingam representa los genitales masculinos, mientras que la yoni simboliza Los genitales femeninos. Su unión se denomina linga-yoni y representa. El lingam se sitúa dentro del yoni para poner en funcionamiento el símbolo eterno de la creación y la renovación.

Este rito tiene funciones curativas, aumentando la energía, equilibrar el yin/yang, conectar el chakra del corazón y aumentar lo humano

27 marzo 2022

LA MIKVÉ DE BESALÚ (GIRONA)

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:34

SDELBIOMBO – 04 DE JUNIO DE 2012 – 14:23 – JUDERÍAS

El famoso Call (Judería) de Besalú (que ya vimos en SEÑOR DEL BIOMBO) tiene como lugar central la Mikvé. Descubierta por casualidad en 1964, es uno de los escasos restos de baños rituales judíos a donde se acudía tras el Sabat, las mujeres tras la menstruación…

Se trata de una interesante obra de ingeniería, al tomar las aguas (que debían ser corrientes y no estancadas) del río Fluviá, y calentada de forma natural por una fuente termal.

Construida en subterráneo, se accede a ella por una pequeña escalinata que se continúa en la propia piscina que es iluminada lateralmente.

Sus fórmulas constructivas se encuentran más cercanas al románico que al gótico.

Lamentablemente las últimas reformas han sido excesivas y tanto los materiales como un cierto minimalismo ha restado una parte de encanto

Otro mikve recientemente descubierto en Úbeda

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Para saber más de Besalú y su mundo judío

20 marzo 2022

GOYA: LA GALLINA CIEGA Y DOS VIEJOS COMIENDO SOPA.

Filed under: General — vicentecamarasa @ 17:31

SDELBIOMBO – 09 DE MAYO DE 2016 – 20:44 – GOYA

Tema y personajes: ambos cuadros tienen un tema profano; en uno se representa a un grupo de burgueses jugando a un juego popular; y en el otro se representa a dos ancianos.

El mensaje de la gallinita ciega es la propaganda de la clase social acomodada. En dos viejos comiendo sopa el mensaje es el pesimismo y la tristeza. Soporte: es lienzo con la técnica del óleo y una pincelada suelta en ambos, aunque en dos viejos comiendo sopa es más visible y más pastosa, siendo un cartón para tapices el primero.

Composición: el primer cuadro es simétrico, dinámico, colocando a los personajes en líneas verticales y es tectónica. Mientras que el segundo es asimétrico, estático, con líneas verticales y atectónica.Línea y color: en ambos cuadros predomina el color sobre la línea, pero se nota muchísimo más en dos viejos comiendo sopa donde hay una pincelada muy suelta y colores sucios. En la primera destacan los tonos pastel. Luz: en el primero es una luz representativa; mientras que en el segundo es expresiva de fuerte claroscuros.

Espacio: en la gallina ciega hay perspectiva aérea y en el segundo la crea mediante claroscuros y anteposición de elementos del cuadro.

Figuras: en el primer cuadro están idealizadas, de canon perfecto, posición dinámica y estable, las figuras tienen cierto hieratismo y están individualizadas; son un grupo de la misma clase social, la aristocracia e interesan poco las texturas. En el segundo son figuras realistas e incluso deformadas, de canon ensanchado, posición estática, estables, hieráticas e individualizadas; su relación será familiar y las texturas si que interesan.

Comentario.

Goya es un pintor del siglo XVIII Y XIX. En él podemos observar una diferente evolución debido a sus situaciones vitales, como hemos visto en el análisis de la gallina ciega y de dos viejos comiendo sopa, dos cuadros totalmente contrarios pero del mismo pintor.El cuadro de la gallina ciega pertenece a su etapa más rococó, cuando hacía cartones para tapices en la Real Fábrica de Tapices; el tema elegido lo designaban los reyes y solía ser el constumbrismo idealizado, con composiciones equilibradas, tonos pastel, figuras aristocráticas, gestos galantes, uso de sfumato y la luz suave; por lo general corresponde a una estética rococó.

Más tarde Goya fue pintor del rey y pintó cuadros como la Familia de Carlos IV o Fernando VII.Y después su pintura se vió marcada por la Guerra de Independencia contra los franceses pintando los Fusilamientos.

El cuadro de dos viejos comiendo sopa pertenece a su etapa de las pinturas negras. Con el regreso al trono de Fernando VII y las secuelas de la guerra y un Goya viejo y enfermo, Goya se dedicó a no salir de su casa. Tuvo una crisis personal y pintará las propias paredes de su casa con pinturas siniestras como la analizada o Saturno devorando a sus hijos, simbolizaba en sus pinturas la vejez, la muerte, la soledad o lo siniestro. Su pintura estaba mezclada con negro y usaba empastes fuertes, no había casi perspectiva y había una deformación de la realidad. Goya influyó en el romanticismo del  siglo XIX (en Fuseli) y en el expresionismo del siglo XX (como en Munch y su pintura El Grito). En la etapa de las pinturas negras también hizo los grabados. Tras esta etapa de desesperación se exilió a Burdeos y allí volvió al optimismo con una pintura colorista y temas con óptica amable y una pincelada muy suelta. Destaca la lechera de Burdeos.

MÁS COMENTARIOS COMPARADOS DE GOYA


Eva Fernández. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

16 marzo 2022

KLIMT (4). La música, la vida y la muerte

Filed under: General — vicentecamarasa @ 17:59
Friso Novena Sinfonía Beethoven

Wagner, Beethoven, Schubert, Mahler.

Friso de Beethoven. La Alegría

Todo el arte de Klimt se vio rodeado por la música.

Schubert al piano.

En realidad todo su arte es sumamente musical en cuanto sinestésico en colores y líneas onduladas.

Una pintura entendida como música con menor peso de los elementos representativos y mayor de los evocativos (diseños abstractos, línea en golpe de látigo, uso del color o el dorado), muy cercana a la obra de Mahler, con todos sus contrapuntos y paisajes sonoros casi cinematográficos por donde perderse en evocaciones y misterios, igual que los cuadros de Klimt

Muy relacionado con ello se encuentran algunos de sus temas más habituales, aquellos que hablan de los ciclos de vida/muerte (vinculados claramente a la idea de Freud de eros/thanatos) en donde se nos muestra la vida como una larga tragedia punteada de efímeros placeres

La muerte y la decrepitud son habituales, muchas veces contraponiéndose contra los colores o las formas voluptuosas de la vida o la juventud

Hasta gran parte de su sexualidad tan explícita nos habla precisamente de la muerte (como los temas de Danae o Judith)

Toda una larga (a veces agónica) reflexión sobre el paso del tiempo que nos llevará de las flores o el oro hasta los grises de la muerte. De la juventud a la vejez; del placer a la enfermedad .

Como una infinita tristeza en medio de la primavera

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