Palios

17 enero 2020

SOROLLA. CHICOS EN LA PLAYA

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Tomado de wikipedia

El tema es puramente antiliterario, pues no nos cuenta ninguna historia. Es una simple reproducción de la realidad hecha directamente ante el motivo (plein air). Unos muchachos jugando en la orilla del mar, disfrutando del sol y el agua (puro hedonismo, como luego veremos).

Se trata de un lienzo pintado al óleo.

La composición es asimétrica y (en la parte superior) atectónica que intenta no dar protagonismo a ninguna de las tres figuras sino al conjunto. Para ello nos coloca al niño más bajo de espaldas y en diagonal que nos lanza hacia arriba, al grupo superior que, cortados abruptamente , no nos dejan avanzar más allá, hacia el horizonte, obligándonos a volver a la parte baja por sus piernas y las olas que las envuelven para que el movimiento siga produciéndose.

Evidentemente el color predomina sobre la línea, utilizando una pincelada suelta que en estos momentos ha llegado a su madurez, larga y muy líquida, jugando con diferentes empastes.

La paleta es muy amplia, desde los azules y violetas del agua y las sombras, a los distintos cálidos (pardos, naranjas y rojizos) de la arena y los cuerpos desnudos

Este color se superpone a la propia definición de los detalles (cada vez más borrosos según ascendemos en el cuadro), pues lo que realmente interesa al pintor es la luz y sus diferentes estados.

Una luz cruda como es la del Mediterráneo que es matizada por el agua, lo que le confiere múltiples matices (la que se refleja en la piel seca del muchacho más cercano frente a los cuerpos mojados superiores; la de sus cuerpos reflejados en la fina lámina de agua, la que crean las propias olas…), creados por la propia pincelada (y sus distintos empastes), el distinto brillo de los colores o el uso del blanco como contrapunto de luz total que nos sirve a nuestros ojos para organizar toda la gama lumínica que (como ocurre en los impresionistas) no se cierra en el negro, sino en el violeta, utilizado para las sombras proyectadas.

Para que todo este festín lumínico y cromático no se interrumpa, el pintor renuncia conscientemente a la perspectiva, creando un picado que elimina la línea de horizonte (coloca al ojo en una situación mucho más elevada que el motivo), igual que a la caracterización de los propios personajes que en el fondo cosifica para fundirlos con el paisaje de agua y sol.

Comentario

El verano de 1909 fue especialmente fructífero para el pintor.

Afincado de nuevo en Valencia, pinta incansablemente en la playa de la Malvarrosa, llevando a su culminación muchas de sus investigaciones anteriores, en un estilo muy cercano al impresionismo (desde el plein air, la pincelada, las sombras coloreadas, la importancia de la luz, …) que se ha denominado luminismo.

En estas obras ha disminuido mucho su vena más costumbrista para centrarse en la luz y sus refracciones

Una pintura hedonista que busca la sensualidad del mediterráneo, su culto a la luz y el calor, el tacto de la arena caliente, del agua…

Todo ello resuelto con una pincelada y un cromatismo que nada tiene de intelectual y es una pura celebración de lo óptico y, en última esencia, de lo táctil.

12 enero 2020

SIEMPRE ESPERANZA

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11 enero 2020

Análisis y comentario del MATRIMONIO ARNOLFINI

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Esta obra se titula el Matrimonio Arnolfini y está realizada por el gran pintor Jan Van Eyck. Este autor es perteneciente a la pintura primitiva flamenca, desarrollada durante el siglo XV y XVI

La obra no tiene un tema en concreto, sino que se van descubriendo diferentes según las distintas iconografías.

Es un retrato de Giovanni Arnolfini, quien fue un mercader, junto a su esposa. En la pintura se representa el momento en el que están contrayendo matrimonio. Como podemos observar por sus ropajes y el detalle, bastante indiferente pero importante, de las naranjas localizadas bajo la ventana, la pareja goza de una buena economía. Lo que hacen que esto se perciba es la minuciosidad con la que están tratados los objetos.

El Matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla.

En esta época se comenzara a utilizar esta técnica, que utiliza como aglutinante el aceite, que hace que la obra tenga un acabado brillante. Además, esta permite corregir lo ya pintado y crear transparencias añadiendo una mayor cantidad de aceite al pigmento. La gran ventaja de esta técnica es su acabado suelto y fino, además de poder trabajar con lentitud, cosa que el fresco no permitía.

Su composición es simétrica, algo bastante característico del pintor. La obra da una sensación de estaticidad a pesar de las manos juntas del matrimonio, a como la esposa se toca la barriga o como el propio Arnolfini levanta la mano. La línea que predomina es la vertical, y se crea una especie de gran óvalo central en torno al espejo.

Se trata de una composición tectónica.

Hay un predominio de la línea sobre el color.

La línea es fina y curva, creando un dibujo nervioso y detallista. Los colores son tanto fríos (verde del vestido de la dama) como cálidos (rojo de la cama, pardos), saturados, realistas y volumétricos gracias al claroscuro

Hay un interés claro por la luz con la representación de la ventana y un predominio de claroscuros, lo que busca un mayor realismo, reflejado en las sombras que se crean en el suelo por las figuras como las patas traseras del perro o la esquina del mueble en el que se encuentran las naranjas.

Con esta luz y su forma de incidir en los distintos objetos también se crean texturas, dando más realismo a la pintura.

El espacio interesa, aunque resulta aún un poco alzado.

Es muy importante para su creación la aparición del espejo que multiplica la estancia e, incluso, entraría en el lugar físico en donde se encontraría el espectador.

Las figuras son realistas, tanto que en el espejo del fondo podemos ver reflejados al propio pintor y a la persona que oficia el matrimonio. El canon de estas es realista, pues no quieren deformar la realidad, sino mostrar lo que aparece. Sus posiciones son totalmente estáticas y poco expresivas.

COMENTARIO.

Como es evidente por todas las características vistas esta obra pertenece a los primitivos flamencos, en concreto a Van Eyck.

En estos pintores (Flandes siglos XV y XVI) es sumamente importante la aparición de nuevos comitentes, especialmente burgueses muy acomodados que buscan en sus retratos una representación de su poder económico. Por ello, trata los objetos con minuciosidad, intentando representar con ellos el alto status social de los retratados. Sin embargo, el pintor da otros mensajes con los diferentes objetos, creando iconografía a través de ellos.

En primer lugar los atuendos que llevan puestos los personajes es otra de las fuentes para conocer el estilo de vida del matrimonio. La mujer lleva un vestido largo que en la época requería de una manipulación bastante costosa.

El espejo al fondo de la imagen es muy relevante, pues es uno de los objetos más complejos y detallistas de la obra. En él podemos ver el espacio desde atrás, además de estar reflejado el mismo pintor (lo cual será adoptado por Velázquez mas tarde en Las Meninas), según unas fuentes, y el hombre que oficiaba la unión matrimonial. Además, el espejo consta de diez circunferencias más pequeñas que el propio espejo en el que se representa la vida de Cristo: las cuatro de vida, las cuatro de la muerte y la resurrección, siendo el punto medio la crucifixión. Esto dota a la pintura de un carácter religioso. Sobre el espejo, algo realmente innovador, está la firma del propio pintor.

El candelabro con una sola vela encendida simboliza también a Dios. El perro entre el matrimonio indica bienestar y fidelidad.

Aunque parezca que la mujer está embarazada, lo que en realidad hace es recogerse el vestido. Sin embargo, la pose y como el vestido está arrugado quiere crear la sensación de fertilidad. Los zuecos, junto a Arnolfini y al fondo de la pintura, simbolizan la casa y la vida familiar. Las naranjas son símbolo de riqueza, ya que esta fruta era importada desde el sur y resultaba muy cara. La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos simboliza un mal augurio. La imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de las embarazadas y de los alumbramientos.

 

Realizado por

Bogdana Iskrenova (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

9 enero 2020

EL GRIFO

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Arte asirio

Para el mundo babilónico o asirio el grifo era un animal procedente de la unión de la cabeza y alas de un águila (con orejas puntiagudas) y el cuerpo de león, de un tamaño descomunal y con facultades apotropaicas (defensoras mágicas).

Arte griego

Según algunos autores su origen puede estar en los descubrimiento de mandíbulas fósiles de un tipo de dinosaurio habitual en los yacimientos de Mongolia (Ceratopsidae).

Arte romano

Su figura fue retomada por las culturas grecolatinas y más tarde legó a formar parte del bestiario medieval.

Arte Andalusí. Sglo XI

En la ciudad de Perugia se le tiene (junto al león) como su símbolo.

7 enero 2020

LORENZO VENEZIANO. De la maniera greca al gótico internacional

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Santiago. Academia. Venecia

Activo en la segunda mitad del siglo XIV en Venecia representa el paso de la pintura bizantinante a los postulados del gótico internacional, demostrando el retardo de la laguna respecto a otras zonas italianas del centro de la Península en donde este tránsito se había operado a finales del duecento y primera mitad del Trecento.

De la herencia bizantina (heredada de su maestro, Paolo Veneziano) se destacan los fondos dorados y numerosas iconografías, como pueden observarse en el tríptico del Thyssen.

Frente a este aprendizaje su pintura evoluciona rápidamente hacia la sinuosidad y elegancia del Gótico internacional, quemando etapas, al saltar por completos las manieras giottescas y de Simone Martini

Anunciación. Academia. Venecia

San Pedro. Academia. Venecia

Sus figuras alargan el canon y rápidamente se incurvan.

Anunciación. Academia. Venecia

El claroscuro gana importancia para dar volumen a caras y manos mientras que fondos y vestuario se estetizan, multiplicándose las formas ornamentales en las figuras principales, mientras las secundarias hacen un estudio muy elaborado de las formas tridimensionales.

Matrimonio Místico. Santa Catalina. Academia. Venecia

Del primer hieratismo se pasa entonces a una suave melancolía, tan típica del estilo y el gusto por las relaciones suaves de los personajes.

San Esteban. Academia. Venecia

Tal evolución, le pone en las mismas puertas del Gótico Internacional e, incluso, está avanzando rasgos que serán básicos en el Renacimiento

San Juan Bautista. Academia. Venecia

Academia. Venecia

2 enero 2020

ALTAR NAVIDEÑO SANTO ÁNGEL. SEVILLA

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23 diciembre 2019

ARNOLFO DI CAMBIO. EL PRIMER BELÉN MONUMENTAL

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:44

Aunque su invención se atribuye a San Francisco (el famoso belén viviente de Greccio), la prueba material más antigua que conservamos los las pocas figuras que han sobrevivido del nacimiento que hiciera Arnolfo di Cambio en 1289, encargadas por el Papa Nicolás IV, y en la actualidad visitable en Santa María Maggiore(Roma)

Este escultor se había educado en el taller de los Pisano, convirtiéndose más tarde en arquitecto (Santa María de las Flores). Al igual que Giotto es un típico representante del prerrenacimiento que surgió en la Italia del Trecento.

ARNOLFO DI CAMBIO. FOTOGALERÍA

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21 diciembre 2019

LAS SAGRADAS FAMILIAS DE RAFAEL EN EL MUSEO DEL PRADO. DEL CLASICISMO A LA MANIERA

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Tomada de wikipedia

El Museo del Prado atesora una considerable colección de Rafael.

Hoy nos queremos fijar en sus madonnas y Sagradas Familias en las que podemos ver la evolución de su pintura.

La primera, la Sagrada familia del Cordero que abre el artículo es el perfecto ejemplo de la influencia leonardesca.

Esta es sumamente evidente en el sfumato posterior, delicado, que se une a una perspectiva lineal plenamente conseguida (mientras los tipos se acercan más, especialmente en la Virgen, a los modelos de Perugino)

Aún es más evidente si la comparamos con Santa Ana, la Virgen y el Niño de Leonardo en su forma de componer, creando una diagonal que atraviesa todo el cuadro y es frenada y devuelta a su origen por la mirada del Niño.

Tomada de wikipedia

La Virgen del pez es aún más clásica y su composición roza la perfección cinquecentista. Figuras voluminosas (pues detrás de ellas estaba ya la sombra de Miguel Ángel) crean un gran triángulo, y entre ellas se establece todo un juego de miradas y correspondencias (también una herencia de Leonardo, como podemos ver en la Virgen de las rocas) que permiten un paseo lento y suave por el cuadro. (Es especialmente maravilloso el doble contraposto creado por la Virgen y el Niño, que giran en sentidos contrarios para buscar un equilibrio sutil y dinámico del que carecía el Quattrocento)

La luz cristalina se une a un colorido perfectamente equilibrado y un juego de espacios (comenzando por el escabel que se abre a nuestra mirada y se cierra en el cortinaje y el pedazo de cielo) en donde las figuras se desenvuelven suavemente, creando ellas el propio espacio, como si fueran una arquitectura

En la Virgen de la rosa todo comienza a cambiar. La luz se vuelve mucho más intensa y el espacio se reduce (del gran escalón anterior pasamos a una mesa cortada y atectónica donde sólo cabe una rosa y un pie), comprimiendo a los personajes.

También ha variado la composición y del triángulo hemos pasado a una forma centrífuga desde el papel que agarran el Niño y San Juanito cuyas miradas y gestos se van volviendo cada vez más nerviosos

Tomada de wikipedia

En la llamada la Perla, Rafael intenta volver a los modos leonardescos, pero el sueño del Cinquecento ya ha pasado y la armonía sólo es algo difuso que vamos encontrando en algunos lugares del cuadro pero no en su composición general que constantemente nos arrastra al fondo o nos devuelve al frente sin las delicadezas anteriores.

Todo está bañado por una extraña luz lunar y el rostro de Santa Ana no puede ser más meditabundo en esa noche extraña en donde los azules comienzan a metalizarse.

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19 diciembre 2019

SAN JERONÓNIMO EN EL DESIERTO. Atribución a Alonso Cano

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:52

Obra de pequeñas dimensiones que recoge la técnica de los escaparates para crear una pequeña figuración en donde se une pintura y relieve (alto y medio).

Realizada en barro cocido forma parte de un género de devoción particular (pequeños oratorios privados, conventos) que podía transportarse y adecuarse a una piedad particular.

Alonso Cano, además de sus composiciones monumentales, siempre tuvo un especial afecto a este tipo de obras menudas que establecerían las bases de su desarrollo a finales del siglo XVII (piénsese simplemente en la Roldana)

En ella nos presenta a San Jerónimo Penitente (en su vertiente ya barroca), aunque más cercano al mundo de las vanitas (una meditación sobre la muerte) que a la propia penitencia.

Todo el ambiente que lo rodea es una transposición de la estética veneciana de luz suave y húmeda sobre la que destaca su gran diagonal roja que es acompañada por el paisaje rocoso, mientras el fondo, de larga perspectiva, equilibra todo el conjunto y hace un eco compositivo con el león que se encuentra a sus pies

 

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11 diciembre 2019

TINTINÁBULO ROMANO FÁLICO

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Un tintinnabulum o tintinábulo era una campanilla o conjunto de campanillas movidas por el viento que en muchas ocasiones tenían representaciones fálicas (entendidas estas como un signo propiciatorio de fertilidad y remedio contra el mal de ojos a la que que daban fortuna y prosperidad (se trataba, por tanto, de un objeto de función apotropaica que a nosotros, educados en la religión católica, nos llama mucho la atención por su realismo y utilización del sexo sin los tabúes posteriores)

Solían ser colocados en jardines y pórticos para que el viento hiciera sonar sus campanillas

Posteriormente, este tipo de objetos fueron resignificados por la Iglesia católica para anunciar la presencia del Papa o determinar la categoría de una basílica bajo protección ddirecta del papado.

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