Palios

20 marzo 2019

ECCE HOMO DE GIL DE SILOÉ

Filed under: castilla león, Gótico — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:06

 

Una de las piezas estelares de las Edades de Hombre (Aranda de Duero 2014, Eucharistia) fue este famoso Ecce Homo de la Catedral de Palencia atribuido a Gil de Siloé o su taller.

Es una magnífica talla en madera de tamaño natural que representa a Cristo tras su primer martirio, azotado sin piedad y con la corona de espinas y en manto puesto como forma de sarcasmo al rey de los judíos.

Nos encontramos con el Gil de Siloé más trágico y expresionista que abandona las exquisiteces del alabastro y las formas flamígeras (estilo del que también se pueden encontrar algún ejemplo en las Edades) para centrarse en una talla y policromía verdaderamente expresionista que le acercan al retablo de la Cartuja de Miraflores.

Frente a lo aristocrático del Siloé de alabastro, esta corriente se funde con una mentalidad mucho más popular que recorrió el fin de la Edad Media, aquella que se basa en una expresión terrible de lo corporal, siempre cercano a los extremos que aviven la piedad a través de la morbosidad y el mundo de las emociones más espectaculares que es necesario vincular con la extensión de la Devotio moderna y búsqueda de la meditación sobre la Pasión de Cristo que ya vimos aquí

Cristo de Santa María del Capitolio. Colonia

Gil de Siloé o taller. Santo Domingo de Ávila

Esta fórmula de dolor extremo a través de la verdadera destrucción del cuerpo humano (como siglos después hará algunos artistas, comenzando por Goya y siguiéndose por el surrealismo, el body art o posmodernos) es sumamente adecuada al tema del Ecce Homo, y tiene fuertes lazos con la Europa septentrional de Cristos verdaderamente masacrados, con su piel cubierta por las llagas y la sangre abundante corriendo entre ellas (Retablo de Isenheim o este Ecce Homo que ya analizamos).

Cristo de Isenheim

Tomado de potiphar.jongarvey.co.uk/

Una expresión de un mundo en crisis tras las pestes, hambrunas y guerras que se instalan a partir de la crisis del siglo XIV, conectando con el espectador a través del dolor (ya casi imposible de narrar en su exageración)

 

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GIL DE SILOÉ

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11 marzo 2019

JINETE DE BAMBERG

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:47

Situada en la catedral de Bamberg, se suele fechar en torno a 1237, siendo considerada la primera escultura ecuestre de la Edad Media que recupera la tipología romana (Marco Aurelio) (Aquí vimos una escultura coetánea en Italia)

Los autores no se ponen de acuerdo con el personaje retratado: ¿ emperador Conrado III de Suabia, otros apuestan porque la escultura represente al monarca San Esteban de Hungría o a Enrique II, representación de uno de los Reyes Magos?

Estéticamente resulta una obra de gótico bastante evolucionado, y mientras el caballo recuerda las formas del naturalismo idealizado de la fase clásica, la suave melancolía del caballero y su postura lánguida, un tanto sinuosa, nos hablan ya de ciertas formas manieristas del estilo.

Esto ha hecho pensar en talleres franceses (Reims), ya de forma directa, ya como alumnos germanos formados en ellos

Imágenes: Berthold Volberg

14 enero 2019

Cacerías en el castillo de Torgau. CRANACH EL VIEJO

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:48

Tomado de wikipedia

Paisaje, castillo y caza como símbolos de poder y prestigio. Este el verdadero argumento de la serie de cuadros que Cranach el Viejo pintó para el Juan Federico, elector de Sajonia.

En el fondo hablamos de territorio controlado (paisaje), lugar de gobernanza (castillo) y ejercicio de la violencia (caza) como formas de dominación y control, ergo, de poder.

Las múltiples escenas se suceden como una gran coreografía , como si los ciervos fueran sus siervos (en realidad nos encontramos más con una ideología feudal que con verdadero estado moderno). Un engranaje hecho de soldados que obedecen a un señor y transmiten algo más que una pura cacería: un control sobre el territorio, sobre los propios habitantes de él.

Entre medias el paisaje como un signo de riqueza, la que proporcionan sus bosques y arterías fluviales para el comercio, los puentes para las comunicaciones pero también para la defensa, la caza, el ejército depredador.

Para unificar todos estos significantes Cranach utiliza una técnica que se se hará habitual en los cuadros de batalla. Un doble punto de vista que permite la visión caballera para el primer término (con un punto de vista alto que permite alarga el horizonte para así poder llenarlo de múltiples escenas, tal y como había desarrollado el Bosco o Patinir en muchos de sus cuadros), que se combina con otro punto de vista (más bajo que el horizonte) para representar el castillo, que centra toda la escena y adquiere una mayor monumentalidad gracias al punto bajo. En él se cierra la perspectiva, haciendo un eco del primer plano, en donde ballesteros (en el mismo punto de vista bajo) abren la narración.

Cacería en honor de Carlos V

Para combinar tal mezcolanza Cranach acude a trucos ya experimentados en la Italia Renacentista, creando franjas oscuras y claras que se alternan, como propugnada el propio Leonardo da Vinci, pantallas como los setos sobre los que se recortan los personajes del primer término o grandes manchas blancas del agua que sirven de fondo a las luchas de perros y venados. De esta manera, la obra se convierte así en un constante juego entre luces que se continúa en la parte superior (ya de forma más calmada) hasta parar en la mayestética inmovilidad del castillo.

Y junto a esta luz, el poder de la línea, una característica de lo septentrional que se complace en cada uno de los detalles como si estuvieran vistos por separado y luego unidos (frente a la verdadera unificación italiana que, en vez de los sentidos, parte de la idea y olvida a Aristóteles en favor de Platón, como podemos ver en Rafael, Miguel Ángel o cualquier otro italiano del Renacimiento).

Rafael. Escuela de Atenas

Una línea que aún debe mucho al gótico internacional con sus arabescos que ahora se convierten en pequeñas zonas de dramatismo (como los ciervos en el agua, sus cornamentas como árboles secos).

Se produce así (en la unión de ambos efectos de luz y línea) una imagen decenas de veces multiplicada en pequeñas escenas que se estabiliza, se vuelve hierática, en el rigor compositivo del paisaje. Algo que nos permite ir de lo anecdótico a lo múltiple, de lo estático al profundo dinamismo del detalle.

Compárese esta obra con dos del Renacimiento (la primera del Quatrocento, la segunda del Cinquecento) en donde se desarrolla el mismo simbolismo del poder sobre el territorio y se verán claramente todas estas diferencias ya ya apuntadas.

Federico de Montefeltro. Piero della Francesca

Tiziano. Carlos V

 

 

28 noviembre 2018

LOS CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (3) EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS SANTOS

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:54

Decapitación del Bautista

Aunque la santidad fue una constante en la historia del catolicismo (y su plasmación artística) existirán dos periodos especialmente importantes en el desarrollo de su iconografía y su expansión: el mundo gótico y el de la Contrarreforma.

Santa Catalina. 1480

A partir de mediados del siglo XII asistimos a una verdadera inflación del santoral que invadirá los ámbitos religiosos, tanto públicos como el de las capillas privadas.

Las causas de este crecimiento hay que buscarlas en la progresiva importancia que va teniendo el individuo en la sociedad bajo medieval y la creación y expansión de órdenes que utilizan a sus fundadores y miembros santificados como verdaderos emblemas publicitarios.

Giotto, Muerte de San Francisco, uno de los nuevos santos que rápidamente alcanza una inusitada popularidad

Pues a través de los santos se potencia al hombre común que puede ver en ellos modelos (humanos como él) de comportamiento y salvación, acercándose a la religión (como ocurría en el caso de la Virgen) a través de la empatía y los sentimientos.

Dalmau, Virgen dels Consellers

Los donantes se acompañan por sus distintos santos como intercesores ante la divinidad (siendo la Virgen una intercesora superior) que representa perfectamente esta búsqueda de acercamiento de la divinidad (en este caso por personas interpuestas), recordando los modelos tomistas de conocimiento de lo divino

De la misma manera, las cada vez mayores corporaciones, gremios, hermandades…. utilizaban a la figura del santo como una forma de individualización, tal como más tarde harán las distintas monarquías (como vimos en el caso de San Jorge).

Huguet

La religión rompe su monolitismo cristológico (tan habitual en el mundo románico) y se diversifica, adecuándose a las más variadas situaciones, pues cada santo se vinculará a ciertas enfermedades o peligros concretos, oficios, ocupaciones, aspectos sociales…

San Roque (derecha), protector contra la peste

Tanto como causa como efecto, algunas recopilaciones de vidas de santos surgen en este contexto, retomando los menologios bizantinos.

San Vicente. Jaime Huguet

El “bet seller” de la época será la Leyenda Dorada de Jacopo de la Voragine, que refundirá tradiciones, leyendas y escritos anteriores para crear todo un catálogo de vidas de santos (180) que se convertirá en una obra básica para fijar la iconografía básica de los mismos que sólo tras el Concilio de Trento conocerá una cierta “limpieza” de los episodios más legendarios.

San Martín

10 septiembre 2018

ANTELAMI O EL PROTOGÓTICO ITALIANO

Filed under: Gótico, ROMÁNICO — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 16:44

Benedetto Antelami  fue un arquitecto y escultor italiano activo en la zona de Parma entre los años finales del XII y principios del XIII que firma alguna de sus obras.

Sin embargo, su vida resulta aún muy desconocida, aunque es muy probable un origen cercano a Como (en una familia de Magistri) y su trabajo en San Trofimo de Arlés (en donde se empaparía de toda la herencia clásica) y, acaso, una estancia en la isla de Francia en donde conocería las novedades del primer gótico.

 

Algunos historiadores le quieren hacer seguidor de Willigermo de Módena (con cánones parecidos al suyo, aunque mucho menos movidos).

Su primera obra conocida es este magnífico descendimiento de la catedral de Parma (posiblemente única parte conservada de todo un conjunto para el coro).

A la escena (ya típicamente protogótica como ya hemos visto aquí), el autor (en un claro efecto narrativo) une los soldados disputándose a los dados las pertenencias de Cristo y (al lado contrario), las Tres Marías ante el sepulcro vacío. (Para saber más de su iconografía)

Las figuras, frente a la calma y majestuosidad románica, se muestran mucho más nerviosas (con una peculiar caligrafía en sus paños, acaso derivada de modelos de Provenza, como Saint Gilles) y relacionadas entre sí, creando una narración sincopada (que recuerda a maneras de Williguermo) de la muerte y resurrección de Cristo.

Claramente clásicos son la representación del Sol y la Luna o la cenefa de roleos que recuadra la composición.

Tradicionalmente atribuidos a su quehacer es la arquitectura y la decoración escultórica del anejo baptisterio de Parma.

Para ellas creó los tímpanos de las tres portadas dedicados al Juicio Final (con un espléndido Varón de dolores), Virgen con Cristo y una curiosa iconografía sobre la lucha del bien y el mal en el tercero.

Todas estas iconografías ya nos hablan de una ideología protogótica que abandonan pantocrator y vírgenes Kiriotissas por ideas sobre el sacrificio y la salvación en donde la libertad humana (y el uso de los sentimientos) nos hablan de una nueva concepción del hombre que empieza a explorar sus libertades y potencias intelectivas.

Empotradas en el muro de las portadas existen parejas de personajes del antiguo testamento de bulto redondo de extraordinaria calidad, con la citada caligrafía de los paños (derivadas de la técnica de los paños mojados clásica), con canon alargado y suaves contrapostos.

 

Junto a ellos un friso recrea un magnífico bestiario

 

En el interior del baptisterio encontramos toda una colección de ¿metopas? en donde se plasma un mensario combinado con un zodiaco

 

 

Y, de nuevo, magníficas escenas en los tímpanos

Rey David

Huida a Egipto

Su influencia será muy importante en toda la Italia central, como ya vimos aquí

 

31 julio 2018

LA CAPILLA DE LOS ESPAÑOLES EN SANTA MARÍA NOVELLA. FLORENCIA

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:10

La sala capitular, conocida a partir del XVI como la capilla de los Españoles, fue pintada al fresco por Andrea Bonaiuti de Firenze a finales del XIV.

Heredero del arte de Orcagna, los impresionantes frescos (más en cantidad de metros cuadrados que en verdadera calidad artística) representan (White) todo el clima emocional que se vive tras los primeros zarpazos de la peste negra (su donante, Buonamico di Lappo, lo hace como exvoto tras librarse de ella), con sus múltiples apariciones demoníacas tan habituales en la época.

En la zona central se representan diversos episodios de la Pasión, en donde se pueden observar sus deudas con la pintura sienesa del Trecento.

Iconográficamente, resultan especialmente interesantes las dos paredes dedicadas  a la  Exaltación de la Orden Dominica a la derecha y el Triunfo de Santo Tomás a la izquierda.

Son el documento visual de los fuerte combates (teológicos pero también sociales) entre la orden dominica (propietaria del convento de Santa María Novella) y los franciscanos (en Santa Croce).

El primero de ellos recurre a la tradicional genealogía dominica que, en vez de árbol, recurre a la estructura de cátedras que nos recuerda el magisterio de la orden en las nuevas universidades pero también todo un esquema mental basado en Aristóteles y sus categorías, un mundo ordenado por la razón y no los sentimientos (al modo del mundo franciscano) que a través de su lógica puede conocer la creación (un verdadero trasunto de las vías tomistas para la demostración de lo divino).

En otra pared se nos muestra el Triunfo de Santo Tomás, un camino que, a mitad suyo, traspasa las puertas del Paraíso para ingresar en el mundo divino.

Junto a sus jambas se encuentra el propio Santo Tomás que acompaña y guía a los peregrinos

 

DE TURISMO POR FLORENCIA

16 abril 2018

CRUCIFICADO. TALLER DE GIL DE SILOÉ. SANTO TOMÁS DE ÁVILA

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:04

Como ya veíamos en el Ecce Homo de la Catedral de Palencia, Gil de Siloé y su taller planteó su trabajo en madera con unos presupuestos sumamente distintos al gusto de gótico internacional y florido de sus obras en alabastro.

 

La madera es el mundo de un gótico final mucho más vinculado con la devotio moderna y los modelos germánicos de talla dura y exceso de dolor en sus múltiples heridas, muy semejante al realizado en el Retablo de la Cartuja de Miraflores

Tan sólo el paño de pureza permite un mayor decorativismo (presente en sus retablos completos, como el de Santa Ana en la Catedral de Burgos)

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GIL DE SILOÉ

16 marzo 2018

SAN CARLOMAGNO. GIRONA

Filed under: CATALUÑA, Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:40

Una de las piezas claves para comprender la valía como escultor de Cascals es esta estatuas de bulto redondo de San Carlomagno que que objeto de culto en la catedral de Gerona a mitad del siglo XIV

Realizado en alabastro policromado , nos muestra el estilo personal del escultor que combina los cánones e incurvaciones del gótico manierista con un modelado seco, de paños cortantes en sus pliegues.

Como es habitual, bajo sus pies, domina demonios, como perfecto ejemplo del guerrero que era que, en la zona norte de Cataluña, se tenía como el gran liberador de los musulmanes (lo que, históricamente, era poco cierto).

Tampoco hoy lo reconocemos oficialmente como santo, pues el antipapa Pascual III en 1116 fue el que lo canonizó, no reconociéndose en la actualidad

 

11 febrero 2018

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS (2) EL INFIERNO

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:37

En el post anterior analizábamos la posible simbología de las otras dos tablas (izquierda y central)

Esta (la derecha) es la conclusión lógica de una lectura lineal (la más clásica) que nos llevaría de la creación al infierno pasando por el pecado (algo que se repetiría en otras obras suyas, como el Carro de Heno).

Su propia composición es ya un indicio de los malestares que nos vamos a encontrar, sin el apoyo de una trama geométrica para el reparto de las distintas figuras, como ocurría en las otras dos tablas.

De esta manera los personajes y las acciones se apelmazan e, incluso, se interrumpen en los variadísimos castigos que sufren.

Curiosamente, el más tradicional, el fuego, no es el más representado, y sólo aparece como un incendio lejano (más un estado de ánimo que un verdadero castigo) en la zona más alta, creando un intenso contraluz que domina la escena.

Frente a ello, el Bosco (como ya era habitual desde mediados de la Edad Media) va creando un catálogo de diversos castigos, vinculándolos a los diferentes pecados.

Algunos de ellos son una revisión de la famosa visión de Tungdal (mediados del XII) como el monstruo de pico de hierro (convertido en un pájaro por el Bosco) que come a los condenados y los expulsa en forma de excrementos (acaso el castigo de los glotones).

En otros casos juega con estas referencias medievales y convierte el lago helado en un lugar un tanto irónico, en donde algunos condenados patinan y otros caen en el hielo roto (¿o acaso es el mismo dos veces representado?)

Existen también admoniciones a los pecados de la soberbia (una mujer que se mira en el espejo mientras que unas finas garras la sujetan)

 , el juego (que produce peleas y asesinatos),

o la crítica al clero que no mantiene sus votos (especialmente la castidad)

Junto a estos episodios, existen dos escenas que siempre han llamado particularmente la atención y que hasta hoy no tienen una explicación satisfactoria.

El primero es el famoso árbol-hombre, una extraña construcción que representa a un hombre (acaso el autorretrato del pintor) cuyo viente se abre para mostrarnos una escena de taberna.

Sus piernas arbóreas se apoyan en barcas sobre el lago, lo que ha hecho pensar a Yarza “Este personaje singular es el engañador por excelencia, el inestable en la forma y el equilibrio, el Diablo”.

Se ha hablado también de la sífilis por la úlcera mal tapada bajo su rodilla.

Sobre él se encuentran las famosas orejas que llevan un cuchillo entre ellas, un claro símbolo fálico

El segundo conjunto es el llamado “infierno musical”, un alucinante conjunto de condenados que sufren las más terribles torturas proporcionadas por instrumentos musicales.

La música en la obra del Bosco siempre tiene connotaciones negativas, relacionándola con el pecado de la Lujuria (Carro de Heno). Según Brant existen numerosos refranes que aluden a ella, como la gaita como órgano sexual masculino o la idea de tocar el laúd para hablar del acto sexual.

(Una hipótesis distinta, su relación con lo órfico)

Llama la atención el pentagrama de la parte inferior que se continúa en el trasero de uno de los personajes aplastado por un laúd.

Es una música inquietante, extrañamente monótona, que pone la banda sonora a la escena (aquí podéis oirla)

Una melodía que nos vuelve a hablar de un Bosco medieval cuando en Italia llegaba a su cénit el Renacimiento (Resulta interesante comparar esta música, y toda la estética de la obra, con otra contemporánea, unos cientos de kilómetros hacia el sur, la Bacanal de Tiziano que ya analizamos hace pocas semanas en este blog)

 

Imágenes tomadas de wikipedia

 

 

EL BOSCO. FOTOGALERÍA ENLAZADA

 

5 febrero 2018

PINTURAS GÓTICAS EN SAN MARCOS. SALAMANCA

Filed under: castilla león, Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:31

En la curiosa iglesia románica de San Marcos (Salamanca) que ya analizamos aquí, aparecieron tras su restauración un conjunto de tres pinturas góticas que se han datado en los principios del siglo XIV.

La primera de ellas representa al sempiterno San Cristobalón que, apoyado en una palmera, pasa el río llevando a hombros a Jesús Niño, con una multitud de pequeños personajes que, literalmente, lleva atados a su cinturón.

En los ábsides se han encontrado dos figuras que, en una lectura conjunta, representarían la Anunciación.

Por último, en el ábside contrario se desarrolla la Coronación de la Virgen con tres escenas inferiores que representan, entre otros temas, su Bajada al Limbo.

Pese a la fecha su estilo se encuadra perfectamente en el gótico lineal tanto por la vivacidad del trazo, la relación de los personajes (aún sometidos a numerosas convenciones) y el gusto por la decoración de sus fondos que habría que relacionar con la iluminación de libros miniados

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