Sin embargo, la producción más antigua de Mora, sin ser tan característica, aún mantiene un mayor contacto con la gran plástica andaluza, con una tragedia más contenida y un gusto por la belleza clasicista.
Este es el caso de esta piedad, muy entroncada con producciones anteriores (como la que ya analizamos de Juan de Mesa en Córdoba) en donde la tensión viene generada por ese cuerpo que apenas cabe en el seno de la madre, ya rígido. Casi una formulación tardogótica que contrasta con la belleza serena que tiene la Virgen tras sus lágrimas (curiosamente, su posición de manos nos recuerda más a la de una dolorosa exenta que a la de una piedad, ¿acaso la figura del Cristo es de otra mano? Realmente, su anatomía es demasiado musculosa y contundente para lo que suele ser habitual en Mora, y de calidad inferior a su obra habitual)
Este año ha sido presentada presentada públicamente la última adquisición del Museo de Bellas Artes de Sevilla.
Se trata de una terracota de pequeño tamaño con el tema de la Virgen de la Leche, un tema tierno, profundamente humano y maternal, típico de las devociones privadas .
No conocemos sobre el comitente de esta obra, aunque muy posiblemente fuera una compra privada, siendo realizada durante el periodo madrileño de la imaginera (1689-1706)
La terracota se encuentra policromada por su cuñado, Tomás de los Arcos.
Se trata de una composición muy equilibrada, tanto con la simetría como por los dos triángulos (invertido uno sobre otro) siendo el vértice de ambos la cabeza de la Virgen. Sólo la amplia diagonal del manto genera algo de movimiento (y junto a él las otras pequeñas diagonales creadas por los ángeles, el Niño, el manto).
Toda la obra tiene un minucioso modelado que tiende a las formas blandas, con un profundo trabajo en los pequeños y variados pliegues de los paños.
Todo lo dicho confiere a la obra una dulzura muy habitual en esta etapa madura de la escultora, en especial en sus encargos particulares, como se puede ver aquí
TEMA:se trata de una escultura religiosa, es una iconografía sobre el sacrificio que tuvo que hacer Abraham por Dios; sacrificar a su único hijo(el prometido que poblaría la tierra de Canaán, Isaac) este sacrificio era una prueba de su fe, Abraham sin dudarlo se dirige al monte para cumplir la orden, ató a su hijo y trató de degollarlo, sin embargo Dios le detuvo, confirmando su fe.
TIPOLOGÍA: escultura exenta de bulto redondo con técnica del estofado y encarnado. Grupo escultórico (Abraham y su hijo Isaac). Originalmente estaba situado junto a otras figuras (S. Sebastián y S. Cristóbal) en el retablo de San Benito el Real de Valladolid por encargo.
MATERIAL: madera policromada y dorada cuyo procedimiento es la talla con estofado en óleo.
COMPOSICIÓN: la obra es abierta, su punto de vista es múltiple, el espectador puede verlo desde diversos ángulos. Se observa la forma serpentinata manierista (de Miguel Ángel) que consigue dar expresión dinámica al padre y movimiento. En cuanto a la anatomía, se desarrolla el desnudo y se trabajan los músculos debido a que es el momento de mayor tensión, hay desproporción como la cabeza de Isaac en comparación con el cuerpo, por medio de las deformaciones,la obra consigue drama y tensión. Debido a que el autor trabaja deprisa, hay defectos en la obra.
MODELADO: debido al dorado se consigue dar brillo a las figuras,además también se consiguen claroscuros con las posiciones, la barba, los ojos expresivos y las bocas abiertas.
COLOR: policromado, destaca el dorado en el estofado
FIGURAS: realistas, canon alargado (10 veces la cabeza) las posiciones son dinámicas puesto que el es el momento de mayor tensión. Las figuras son expresivas, denotan rabia, terror y sufrimiento, con miradas duras. Hay relación entre ambas figuras, Abraham sujeta a su hijo Isaac maniatado intentando degollarlo
COMENTARIO: la obra pertenece al renacimiento español (XV-XVI) realizada entre 1526 y 1532. Con un fuerte sentimiento religioso, dándole mucha importancia a la expresividad, con un estilo muy dinámico y dramático. Es muy común la preferencia del alabastro y la técnica del estofado con rostros expresivos y tendencia al realismo.
Esta obra se enmarca en una España gobernada por los Reyes Católicos cuyo Imperio lo hereda Carlos I y mantiene Felipe II, se expulsan a los judíos, se crea la Inquisición y se inicia la Reforma protestante en tiempos de Carlos I. Fue clave la defensa de la ortodoxia católica, se dirige la expresión artística hacia una temática conservadora (se suprime la libertad creadora).
A diferencia de Italia, en España hay ausencia de la burguesía, puesto que no se le da importancia a las ciudades, por lo que las obrasde arte las demandaban y financiaban la nobleza y la Iglesia, optando por una función y temática propagandística y religiosa. Berruguete tuvo contacto con Donatello, Miguel Ángel y Leonardo, por lo que pudo conocer el Manierismo, viendo el Laocoonte e inspirándose en los volúmenes y la terribilitá de Miguel Ángel. El renacimiento en España supuso una evolución lenta desde el gótico al renacimiento, manteniendo/heredando características propias del gótico, como las formas alargadas y estilizadas
La iglesia, construida sobre una antigua mezquita mayor, posee un magnífico retablo.
En su origen pertenecía a la Basílica de la Virgen de las Angustias, siendo trasladado aquí en el siglo XX.
Realizado en el tercer tercio del XVII por Juan Lopez Almagro, mantiene la tradicional estructura de tres calles en las que ya aparecen las columnas salomónicas.
Las tallas del Crucificado, Santa Úrsula y Santa Susana son anteriores a él (primer tercio) y fueron ejecutadas por Alonso de Mena.
Por el contrario, la imagen central, una piedad, es posterior, obra de Torcuato Ruiz del Peral
Obra de madurez (paralela a los trabajos en la Caridad), la obra tiene una gran fuerza tanto en el gesto del rostro como en la arriesgada composición en diagonal que se lanza literalmente sobre el espectador, al colocar la columna en la parte trasera (acaso idea tomada del grabado de Cornelio Schut).
Mientras el trabajo del rostro es moroso, para la anatomía el maestro busca una expresión mucho más expresionista a través de sus característicos modelados de duras aristas, rematando el conjunto con un paño de pureza sumamente movido para los cánones del maestro.
En una de las portadas laterales de la Anunciación se encuentra esta magnífica portada (tanto en la escultura, atribuida a Pedro Roldán) como en su arquitectura (de potentes elementos, con espléndido tejado con casetones) o su carnosa decoración.
En ella aparece con su estrella en la frente (durante el bautismo de Domingo apareció una estrella sobre su frente que señalaba su futuro afán predicador), perros sosteniendo con sus fauces antorchas encendidas (su madre soñó que un perrito salía de su vientre con una antorcha encendida en su boca que, de nuevo, hablaba de sus futuras predicaciones, como una luz que se extiende, o de su afán por buscar la verdad)., azucenas (como símbolo de pureza) y cruz patriarcal
Este Cristo yacente del monasterio de Santa Isabel de Valladolid se suele atribuir a Isidro Villoldo, colaborador de Berruguete en numerosas obras.
Del maestro toma la enorme desproporción de las extremidades, el tratamiento facial o las formas serpentinatas que desarticulan el cuerpo.
Sin embargo, el tratamiento de las carnaciones, con una figura dominada por la sangre y las magulladuras nos hablan más de un carácter protobarroco (ausente en otras obras suyas) que busca el impacto emocional por medio del color y el dolor más que por las propias formas tensas de la anatomía.
Nazareno de las Siete Palabras. Felipe de Ribas. San Vicente
Dinastía de imagineros (Felipe y Dionisio) procedentes de Córdoba (posiblemente formados con Juan de Mesa) que trabajaron para Martínez Montañés, Pedro Roldán y Alonso Cano.
Además de las imágenes su obra en el campo de los retablos fue notable, introduciendo (Dionisio) el uso de la columna salomónica y unas fórmulas más unificadas que acababa con la herencia del tardomanierismo (en gran parte siguiendo las ideas planteadas por Alonso Cano)
La gran maquinaria de este retablo es obra sumamente discutida, atribuyéndoles las trazas a Florentino (o su hijo) o Siloé, siendo profundamente ampliado por Pedro Orrea.
En la labor escultóricas se suelen citar Vázquez el Joven, Pablo de Rojas o un jovencísimo Martínez Montañés, siendo toda una escuela para aquella generación que hizo evolucionar el primer renacimiento a presupuestos protobarrocos.
En sus laterales aparecen las figuras orantes del Gran Capitán y su mujer, la Duquesa de Sessa.
A principios de segundo tercio del XVII, Alonso Cano ya ha comenzado a ponerlas bases de lo que será el futuro retablo barroco, superando las formas manieristas que practicaban Mesa o Martínez Montañés (San Lorenzo)
El gran cambio se había producido en Lebrija, y ahora llega a la propia ciudad de Sevilla en este retablo lateral dedicado a San Juan Evangelista.
Partiendo de las formas tetrástilas creadas por Alonso Matías en la Anunciación, Cano aún disminuirá más las calles laterales hasta convertirlas en un intercolumnio para cuadros de escasa anchura mientras potencia la calle central, iniciando un proceso de unificación que se consolidará en la segunda mitad del siglo. (Esta idea se potenciará en el ático, dejando sin frontones las calles laterales -rematada por dos ángeles- mientras que se mantiene en el central, mucho más elevado)
En esta zona central suyo será el ángel del entablamento que hace eco (en su prominencia) en con tabernáculo inferior y une las dos piezas realizadas por Montañés (y que ya analizamos aquí) cuando Alonso Cano abandona el encargo al ser reclamado por la Corte.
En él vemos cómo las audaces formas canescas se moderan, buscando un equilibrio entre la modernidad y la tradición.
Sólo hace falta comparar la mayor anchura de las calles laterales (esta vez con sus frontones) o el ático, que busca una unificación del espacio, haciendo destacar menos la zona central.
La lección de Cano se encuentra en el entablamento (esta vez con dos ángeles con la cabeza del Bautista)
Palios 