Palios

23 enero 2020

IGLESIA DOS LOIOS. ÉVORA

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Entre el palacio de los duques de Cadaval y el Convento dos Lóios (actual Pousada) se encuentra esta iglesia que fuera capilla privada y panteón familiar de su fundador Rodrigo Afonso de Melo, conde de Olivença (1485)

Su portada gótica

Tras ella encontramos un interior de nave única y esbeltas bóvedas de crucería en donde destaca uno de los conjuntos de azulejos más impresionantes de Portugal.

Realizados en 1711 por António de Oliveira Bernades narran episodios de la vida de São Lourenço Justiniano, patriarca de Venecia y fundador de la orden de San Eloy (Lóios).

 

DE TURISMO POR ÉVORA

21 enero 2020

JERÓNIMO HERNÁNDEZ. Cristo resucitado

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Realizado en 1582 y en la actualidad propiedad de la Cofradía de la Quinta Angustia, nos habla perfectamente del desarrollo de las formas manieristas que aún estaban en germen en su maestro Bautista Vázquez el Viejo.

Tanto su poderosa anatomía como el juego de su forma serpentinata en sus perfiles recuerdan claramente al resucitado de Miguel Ángel en Santa Maria sopra Minerva, creando una figura poderosa y a la vez quebrada de movimiento ascendente (posiblemente, aunque no la conociera directamente, sabemos que poseía una amplísima colección de grabados)

 

FOTOGALERÍA ENLAZA DEL ESCULTOR

17 enero 2020

SOROLLA. CHICOS EN LA PLAYA

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Tomado de wikipedia

El tema es puramente antiliterario, pues no nos cuenta ninguna historia. Es una simple reproducción de la realidad hecha directamente ante el motivo (plein air). Unos muchachos jugando en la orilla del mar, disfrutando del sol y el agua (puro hedonismo, como luego veremos).

Se trata de un lienzo pintado al óleo.

La composición es asimétrica y (en la parte superior) atectónica que intenta no dar protagonismo a ninguna de las tres figuras sino al conjunto. Para ello nos coloca al niño más bajo de espaldas y en diagonal que nos lanza hacia arriba, al grupo superior que, cortados abruptamente , no nos dejan avanzar más allá, hacia el horizonte, obligándonos a volver a la parte baja por sus piernas y las olas que las envuelven para que el movimiento siga produciéndose.

Evidentemente el color predomina sobre la línea, utilizando una pincelada suelta que en estos momentos ha llegado a su madurez, larga y muy líquida, jugando con diferentes empastes.

La paleta es muy amplia, desde los azules y violetas del agua y las sombras, a los distintos cálidos (pardos, naranjas y rojizos) de la arena y los cuerpos desnudos

Este color se superpone a la propia definición de los detalles (cada vez más borrosos según ascendemos en el cuadro), pues lo que realmente interesa al pintor es la luz y sus diferentes estados.

Una luz cruda como es la del Mediterráneo que es matizada por el agua, lo que le confiere múltiples matices (la que se refleja en la piel seca del muchacho más cercano frente a los cuerpos mojados superiores; la de sus cuerpos reflejados en la fina lámina de agua, la que crean las propias olas…), creados por la propia pincelada (y sus distintos empastes), el distinto brillo de los colores o el uso del blanco como contrapunto de luz total que nos sirve a nuestros ojos para organizar toda la gama lumínica que (como ocurre en los impresionistas) no se cierra en el negro, sino en el violeta, utilizado para las sombras proyectadas.

Para que todo este festín lumínico y cromático no se interrumpa, el pintor renuncia conscientemente a la perspectiva, creando un picado que elimina la línea de horizonte (coloca al ojo en una situación mucho más elevada que el motivo), igual que a la caracterización de los propios personajes que en el fondo cosifica para fundirlos con el paisaje de agua y sol.

Comentario

El verano de 1909 fue especialmente fructífero para el pintor.

Afincado de nuevo en Valencia, pinta incansablemente en la playa de la Malvarrosa, llevando a su culminación muchas de sus investigaciones anteriores, en un estilo muy cercano al impresionismo (desde el plein air, la pincelada, las sombras coloreadas, la importancia de la luz, …) que se ha denominado luminismo.

En estas obras ha disminuido mucho su vena más costumbrista para centrarse en la luz y sus refracciones

Una pintura hedonista que busca la sensualidad del mediterráneo, su culto a la luz y el calor, el tacto de la arena caliente, del agua…

Todo ello resuelto con una pincelada y un cromatismo que nada tiene de intelectual y es una pura celebración de lo óptico y, en última esencia, de lo táctil.

12 enero 2020

SIEMPRE ESPERANZA

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11 enero 2020

Análisis y comentario del MATRIMONIO ARNOLFINI

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:29

Esta obra se titula el Matrimonio Arnolfini y está realizada por el gran pintor Jan Van Eyck. Este autor es perteneciente a la pintura primitiva flamenca, desarrollada durante el siglo XV y XVI

La obra no tiene un tema en concreto, sino que se van descubriendo diferentes según las distintas iconografías.

Es un retrato de Giovanni Arnolfini, quien fue un mercader, junto a su esposa. En la pintura se representa el momento en el que están contrayendo matrimonio. Como podemos observar por sus ropajes y el detalle, bastante indiferente pero importante, de las naranjas localizadas bajo la ventana, la pareja goza de una buena economía. Lo que hacen que esto se perciba es la minuciosidad con la que están tratados los objetos.

El Matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla.

En esta época se comenzara a utilizar esta técnica, que utiliza como aglutinante el aceite, que hace que la obra tenga un acabado brillante. Además, esta permite corregir lo ya pintado y crear transparencias añadiendo una mayor cantidad de aceite al pigmento. La gran ventaja de esta técnica es su acabado suelto y fino, además de poder trabajar con lentitud, cosa que el fresco no permitía.

Su composición es simétrica, algo bastante característico del pintor. La obra da una sensación de estaticidad a pesar de las manos juntas del matrimonio, a como la esposa se toca la barriga o como el propio Arnolfini levanta la mano. La línea que predomina es la vertical, y se crea una especie de gran óvalo central en torno al espejo.

Se trata de una composición tectónica.

Hay un predominio de la línea sobre el color.

La línea es fina y curva, creando un dibujo nervioso y detallista. Los colores son tanto fríos (verde del vestido de la dama) como cálidos (rojo de la cama, pardos), saturados, realistas y volumétricos gracias al claroscuro

Hay un interés claro por la luz con la representación de la ventana y un predominio de claroscuros, lo que busca un mayor realismo, reflejado en las sombras que se crean en el suelo por las figuras como las patas traseras del perro o la esquina del mueble en el que se encuentran las naranjas.

Con esta luz y su forma de incidir en los distintos objetos también se crean texturas, dando más realismo a la pintura.

El espacio interesa, aunque resulta aún un poco alzado.

Es muy importante para su creación la aparición del espejo que multiplica la estancia e, incluso, entraría en el lugar físico en donde se encontraría el espectador.

Las figuras son realistas, tanto que en el espejo del fondo podemos ver reflejados al propio pintor y a la persona que oficia el matrimonio. El canon de estas es realista, pues no quieren deformar la realidad, sino mostrar lo que aparece. Sus posiciones son totalmente estáticas y poco expresivas.

COMENTARIO.

Como es evidente por todas las características vistas esta obra pertenece a los primitivos flamencos, en concreto a Van Eyck.

En estos pintores (Flandes siglos XV y XVI) es sumamente importante la aparición de nuevos comitentes, especialmente burgueses muy acomodados que buscan en sus retratos una representación de su poder económico. Por ello, trata los objetos con minuciosidad, intentando representar con ellos el alto status social de los retratados. Sin embargo, el pintor da otros mensajes con los diferentes objetos, creando iconografía a través de ellos.

En primer lugar los atuendos que llevan puestos los personajes es otra de las fuentes para conocer el estilo de vida del matrimonio. La mujer lleva un vestido largo que en la época requería de una manipulación bastante costosa.

El espejo al fondo de la imagen es muy relevante, pues es uno de los objetos más complejos y detallistas de la obra. En él podemos ver el espacio desde atrás, además de estar reflejado el mismo pintor (lo cual será adoptado por Velázquez mas tarde en Las Meninas), según unas fuentes, y el hombre que oficiaba la unión matrimonial. Además, el espejo consta de diez circunferencias más pequeñas que el propio espejo en el que se representa la vida de Cristo: las cuatro de vida, las cuatro de la muerte y la resurrección, siendo el punto medio la crucifixión. Esto dota a la pintura de un carácter religioso. Sobre el espejo, algo realmente innovador, está la firma del propio pintor.

El candelabro con una sola vela encendida simboliza también a Dios. El perro entre el matrimonio indica bienestar y fidelidad.

Aunque parezca que la mujer está embarazada, lo que en realidad hace es recogerse el vestido. Sin embargo, la pose y como el vestido está arrugado quiere crear la sensación de fertilidad. Los zuecos, junto a Arnolfini y al fondo de la pintura, simbolizan la casa y la vida familiar. Las naranjas son símbolo de riqueza, ya que esta fruta era importada desde el sur y resultaba muy cara. La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos simboliza un mal augurio. La imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de las embarazadas y de los alumbramientos.

 

Realizado por

Bogdana Iskrenova (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

9 enero 2020

EL GRIFO

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Arte asirio

Para el mundo babilónico o asirio el grifo era un animal procedente de la unión de la cabeza y alas de un águila (con orejas puntiagudas) y el cuerpo de león, de un tamaño descomunal y con facultades apotropaicas (defensoras mágicas).

Arte griego

Según algunos autores su origen puede estar en los descubrimiento de mandíbulas fósiles de un tipo de dinosaurio habitual en los yacimientos de Mongolia (Ceratopsidae).

Arte romano

Su figura fue retomada por las culturas grecolatinas y más tarde legó a formar parte del bestiario medieval.

Arte Andalusí. Sglo XI

En la ciudad de Perugia se le tiene (junto al león) como su símbolo.

7 enero 2020

LORENZO VENEZIANO. De la maniera greca al gótico internacional

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:46

Santiago. Academia. Venecia

Activo en la segunda mitad del siglo XIV en Venecia representa el paso de la pintura bizantinante a los postulados del gótico internacional, demostrando el retardo de la laguna respecto a otras zonas italianas del centro de la Península en donde este tránsito se había operado a finales del duecento y primera mitad del Trecento.

De la herencia bizantina (heredada de su maestro, Paolo Veneziano) se destacan los fondos dorados y numerosas iconografías, como pueden observarse en el tríptico del Thyssen.

Frente a este aprendizaje su pintura evoluciona rápidamente hacia la sinuosidad y elegancia del Gótico internacional, quemando etapas, al saltar por completos las manieras giottescas y de Simone Martini

Anunciación. Academia. Venecia

San Pedro. Academia. Venecia

Sus figuras alargan el canon y rápidamente se incurvan.

Anunciación. Academia. Venecia

El claroscuro gana importancia para dar volumen a caras y manos mientras que fondos y vestuario se estetizan, multiplicándose las formas ornamentales en las figuras principales, mientras las secundarias hacen un estudio muy elaborado de las formas tridimensionales.

Matrimonio Místico. Santa Catalina. Academia. Venecia

Del primer hieratismo se pasa entonces a una suave melancolía, tan típica del estilo y el gusto por las relaciones suaves de los personajes.

San Esteban. Academia. Venecia

Tal evolución, le pone en las mismas puertas del Gótico Internacional e, incluso, está avanzando rasgos que serán básicos en el Renacimiento

San Juan Bautista. Academia. Venecia

Academia. Venecia

2 enero 2020

ALTAR NAVIDEÑO SANTO ÁNGEL. SEVILLA

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30 diciembre 2019

Maestá. Simone Martini

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:42

Pintada al fresco, gran parte a secco, en uno de los lados cortos de la sala del Mapamundi del Palazzo Pubblico de Siena (1315), constituye la primera obra segura de Simone Martini que sigue la tradición iniciada por Duccio en su Maestá de la catedral

La escena se enmarca en un marco pintado de mármoles (zona baja) y una gran cenefa con medallones en donde aparece Cristo, los evangelistas y los profetas.

En el centro encontramos la tradicional representación de la Virgen en su trono con el Niño (evolución de las vírgenes hodigitrias bizantinas) rodeadas de santos y ángeles.

Aunque el contenido parezca religioso tiene un fuerte contenido político, tanto por el lugar elegido (sala de consejo del ayuntamiento medieval) como por su inscripción (Las angelicales flores, las rosas y azucenas / que cubren los campos celestiales / no me deleitan más que un recto consejo. / Más a algunos veo que en su propio beneficio / me desprecian y engañan a mi patria / siendo tanto más celebrados cuanto más maledicentes).

En el fondo, esta inscripción es toda una advertencia a las disputas internas de la ciudad entre los Salimbeni y los Tolomei, teniendo incluso que pedir la mediación del rey de Nápoles.

Estéticamente, la pintura es todo un compendio del estilo de Simone que hace evolucionar los esquemas rígidos de Duccio tanto por la composición (la estructura en filas se vuelve más fluida, crea una especie de ábside en torno a la Virgen, dando profundidad a la escena que es reafirmada por el palio superior) como en el propio dibujo, mucho más exquisito en sus formas curvilíneas (influidas por la pintura francesa de miniaturas) y la suavidad del color (con abundante pan de oro que haría recordar a los grandes tapices.

Todo emana una suave poesía que se culmina con el palio de exquisito movimiento y suavidad, movido por una invisible brisa, que cobija una belleza delicada y serena, muy lejana del realismo giottesco.

 

Imagen tomada de wikipedia

 

25 diciembre 2019

DOS BELENES DEL SIGLO XVII EN MADRID

Filed under: belenes — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:45

 Belén de las Carboneras. Siglo XVI-XVII

Con la llegada de la Navidad Madrid se convierte en un verdadero museo de excelentes belenes. Entre los más antiguos que se suelen exponer cada año hay dos que a mi me gustan especialmente.

En la iglesia San Ginés (calle Arenal) se muestra uno con  figuras de mitad de tamaño de un hombre (las llamadas academias), de madera policromada y vestideras (igual que las Vírgenes barrocas). Aunque con ciertas dudas se data en el siglo XVII y resulta bellísimo

Sin embargo la joya más espectacular (y no por su tamaño sino por su calidad y su ubicación) es el belén quiteño de las Carboneras (muy cerca de la Plaza Mayor).

La iglesia ya vale en sí misma una visita, pues es un pedacito de historia en medio de la capital, un entrar a principio del siglo XVII .

El belén se encuentra instalado en la parte baja del coro y representa muy bien cómo serían los belenes barrocos antes de la entrada de los modelos napolitanos. Uno parecido tendría (según su testamento) Lope de Vega, tal vez hecho por Martínez Montañés.

Hay dos detalles en él verdaderamente singulares. Por una parte aparecen en varios puntos granadas (fruta que, en los ambientes conventuales, significaría la resurrección). Por otro, al lado izquierdo de la imagen, se encuentra un jinete que porta la estrella de los reyes y junto a él un heraldo que toca la trompeta anunciando la llegada del Mesías. Ambas iconografías desaparecerán en el XVIII y ya no se recuperarán jamás. Son otro de los pedacitos de historia que guarda este convento, un belén que bien pudo mirar Velázquez, pues lleva en este mismo sitio desde 1604.

Las fotos pertenecen a distintos años (2008-2009, 2010 y 2019)

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