Palios

20 diciembre 2017

SAN ANTONIO DE PADUA. PEREIRA

Filed under: Imagineros — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:30

Se trata de la imagen central del retablo que se desmontó en el XVIII en San Antonio de los Alemanes (o Portugueses) que preside el altar actual.

Si en San Bruno el tema era el éxtasis místico (como ya vimos aquí), aquí se busca el arrobo, cuando San Antonio recibe al mismísimo Niño Jesús en sus brazos y se convierte en un segundo San José.

Este sentimiento se provoca en la suave mirada que el santo dirige al Niño, que , desde lo humano, llega a la más dulce de las intensidades.

Junto a ello, también son destacables las texturas conseguidas en la ropa del santo y la perfecta anatomía infantil (tan rara de ver) en Jesús

Por si fuera poco, el mismo autor volvió a repetir el tema en la portada, en esta caso utilizando la piedra.

 La suavidad y exquisitez de la mirada aún son mayores, lo que es una verdadera prueba de maestría en un material tan poco dúctil

 

FOTOGALERÍA DEL ESCULTOR

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18 diciembre 2017

Hipómenes y Atalanta

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:28

Guido Reni

Tomado de wikipedia

Atalanta, una mortal abandonada por su padre por el simple hecho de ser mujer, creció en la libertad de los bosques en donde desarrolló todo tipo de cualidades atléticas, especialmente la caza y  la carrera.

Consagrada a Artemisa, su entorno, sin embargo, le obligaba a desposarse. Ante las presiones, Atalanta admitió el matrimonio con aquel que le ganase una carrera, pues consideraba que ningún varón podría vencerla

En ese momento de la historia aparece Hipómenes, que la reta a esa carrera… con un as en la manga:  lastres manzanas de oro del jardín de las Hespérides, que Venus le había proporcionado.

Iniciada la competición, Hipómenes fue dejando caer las manzanas. Su fulgor (y avaricia) hizo que Atalanta se parase sucesivamente a recogerlas.

La treta tuvo éxito, Hipómenes venció y Atalanta casó con él, admirada por su inteligencia.

Sin embargo su historia no acaba aquí.

Años después, tras una jornada de caza, ambos entraron en el templo de la diosa Madre Tierra, uniéndose carnalmente.

Evidentemente, el castigo no tardó en llegar, convirtiéndoles en leones (que nunca se habrían de mirar) y unciéndolos al carro de la diosa profanada, Cibeles

Fuente de Cibeles

 

ÍNDICE DE MITOLOGÍA CLÁSICA

13 diciembre 2017

LOS CENÁCULOS DE SAN MARCOS Y OGNISSANTI. GHIRLANDAIO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:21

San Marcos

Tras su primer viaje a Roma, el retorna su Florencia natal representa su primera madurez en donde realiza obras tan importantes como San Jerónimo de Ognissanti o el retrato de Giovanna Tournaboi.

Ognissanti

Sin embargo, las grandes obras de este periodo son dos últimas cenas para los Cenáculos de Ognisantii (1480) y San Marcos (1486).

San Marcos

Ya en un artículo anterior analizamos la evolución y significado de estos cenáculos, por lo que este artículo se centrará más en cuestiones técnicas y estilísticas.

Ognissanti

Llama especialmente la atención cómo el estilo de Ghirlandaio ha evolucionado totalmente, ingresando en un renacimiento decorativista que podemos ver también en muchos de los pintores coetáneos (véase Filippino Lippi)

Ognissanti

Asimiladas perfectamente las investigaciones sobre perspectiva o claroscuro de la generación anterior (Masaccio, Ucello, Castagno…), pretende añadir una mayor dosis de humanidad y sentimentalidad a las figuras.

Ognissanti

Esa carga de emociones (contraria, por ejemplo, al quehacer de Piero della Francesca) se vincula directamente con la nueva mentalidad de los mecenas, hijos o nietos de aquellos que imaginaron la gran aventura económica, social e ideológica del primer Renacimiento. Ellos ya no necesitan crear un mundo nuevo, que simplemente ya han heredado (igual que sus fortunas), y se sienten mucho más conservadores tanto en lo social como en lo artísticos.

Ognissanti

Ya no se busca, por tanto, la Antigüedad o la experimentación por si mismos, e interesa más lo decorativo sin excesivos prejuicios estéticos.

Es la infiltración (subterránea pero imposible de obviar) de la carga emotiva de los Lippi o fray Angelico.

San Marcos

Unido íntimamente a lo dicho, las obras de Ghirlandaio buscan el exotismo y lo anecdótico (pavos reales, jardines exquisitamente dibujados, manteles, copas…) que den una rápida sensación de riqueza y refinamiento de sus comitentes.

Ognissanti

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GHIRLANDAIO

11 diciembre 2017

VENTURA RODRÍGUEZ Y LAS FUENTES DEL PASEO DEL PRADO

Filed under: Madrid — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:14

Proyecto para la Cibeles. Ventura Rodríguez

Realizadas (las esculturas) por otros autores, poca gente conoce que el diseño original de las mismas (y del propio proyecto general del llamado Salón del Prado) fue ejecutado por Ventura Rodríguez como Fontanero mayor de Madrid.

La elección de los temas corresponde a un claro ideario neoclasicista-ilustrado que busca en la mitología clásica referentes culturales que hablen de la prosperidad del reinado de Carlos III: Cibeles, diosa protectora de la tierra fértil (como quiso hacerse en las colonizaciones agrarias) y Neptuno de las aguas (o los planes de regadío del monarca), colocando en el centro de ambas a Apolo-Hermes, símbolo del sol, las estaciones, y la luz vinculada a la razón

Proyecto para la Fuente de Apolo

Fuente de Neptuno

 

VILLANUEVA. FOTOGALERÍA ENLAZADA

 

4 diciembre 2017

EL TRÁNSITO DE LA VIRGEN. MANTEGNA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:39

Esta es una de las primeras obras que realizará Mantegna para su gran mecenas, Ludovico Gonzaga, al trasladarse a Mantua.

En ella encontramos muchas de las características que se irán desarrollando en el tiempo, convirtiendo al pintor en una de las figuras más fascinantes del Quattrocento.

Quizás lo más relevante sea su estudio de perspectiva en donde une dos tradiciones: la italiana (la famosa ventana de Alberti creada por líneas de fuga creadas tanto por la arquitectura de las pilastras y baldosas, como por los propios apóstoles) con las ventanas abiertas de los primitivos flamencos (aunque, en vez de colocarlas de forma marginal a la escena, es unido, el ventanal, con las líneas de fuga, creando una fascinante entrada perspectívica del cuadro).

Aún sería más espectacular cuando el cuadro estuviera completo, con una zona alta que nos lleva a Cristo, colocado al final de una larga bóveda de cañón con fajones.

A partir de entonces el tema de la perspectiva siempre fascinará al pintor con grandes ejemplos como la Cámara de los Esposos o su Cristo Muerto.

Óculo de la Cámara de los Esposos. Mantua

El tema es de origen bizantino (aquí lo analizamos), muy habitual en la zona veneciana (por los contactos que siempre mantuvo con Bizancio) que tan bien conocía Mantegna a través de su familia política, los Bellini.

Muy pronto será superado por la Asunción (en especial a partir de Tiziano con su Asunta) que da mayor protagonismo y dinamismo a la imagen de María.

Asunta Tiziano

La composición es típicamente quattrocentista, creada a través de horizontales y diagonales sobre la caja perspectívica y cerrada por medias circunferencias en la parte superior. Todo un consistente armazón de fuerte solemnidad que sólo se superará en el Cinquecento por medio de los contrapesos cromáticos y de volúmenes

Virgen, Santa Ana y el Niño. Leonardo da Vinci. Cinquecento

Y, ya por último, la presencia del mundo septentrional (primitivos flamencos) en su dibujo nervioso y su realismo que huye de la tradicional idealización renacentista

Cristo muerto. Mantegna

 

Imágenes del Tránsito tomadas de wikipedia

 

MANTEGNA. FOTOGALERÍA ENLAZADA

30 noviembre 2017

LA ERMITA DEL CRISTO DE LOS DOCTRINOS

Filed under: Madrid — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:42

 Al final de la calle Colegios (Alcalá de Henares) se encuentra esta diminuta iglesia en la que campea un reloj de sol con la advertencia: «Homo velut umbra fugit»

Su entrada se realiza a través de un zaguán, pues la edificación (igual que ocurre con Antezana, al que tantos paralelismos jesuitas le unen) es paralela a la calle, realizada con aparejo toledano

Se trata de una estrecha nave que se resuelve con bóveda de cañón con lunetos, apoyada (ficticiamente) sobre ménsulas pareadas.

Antes del presbiterio se abre una cúpula encamonada y tras ella se encuentra la magnífica talla de Cristo de la que ya hablamos aquí.

La historia de la ermita es larga, y existen ya tradiciones que la sitúan en el siglo XIII, con un Cristo crucificado que ya no conservamos.

En el siglo XVI, el licencado Juan López de Úbeda estabeció en ella un pequeño seminario por el ¿pasaron? San Juan de la Cruz o San Ignacio de Loyola, iniciándose en su parte trasera las primeras reuniones educativas de la Orden de los Jesuitas.

En 1661 se funda la ermita de la cofradía de Cristo de los Doctrinos (remodelada ea principios del XVIII) con veneración de la actual talla, también obra de un jesuita, Domingo Beltrán

 

DE TURISMO POR ALCALÁ

 

28 noviembre 2017

MITRA TAURÓCTONO.

Filed under: General, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:57

Cabra. Córdoba

Dentro de los cultos mitraicos existe una imagen central, aquella en la que Mitra mata al toro (tauróctono)

Vaticano

El dios solar, tocado con el habitual gorro frigio que nos habla de su procedencia, encuentra al toro primordial y, tras cabalgar horas sobre sus lomos, consigue derribarlo y trasladarlo a su cueva.

Allí se produce el sacrificio, en donde el alma es devorada por un perro, mientras que una serpiente y un escorpión intentan impedirlo

Durante este proceso, de la columna vertebral del animal surgió trigo, y vino de su sangre. Su semen, tras ser purificado bajo la luna, generó los animales domésticos.

En líneas generales, la muerte del toro se interpretaba como la victoria de las potencias superiores del hombre (personificadas por Mitra) sobre las más bajas (toro).

Esta lucha entre lo espiritual y lo terrenal sería, si se consigue, la última prueba del largo proceso de iniciación del mitraismo. Un camino en donde se realiza una reunión progresiva del yo para fundirse con el todo (mitra mira al sol mientras realiza el sacrificio)

Cabra. Córdoba

Recogemos de aquí otra posible interpretación simbólica de la escena:

 El toro representa la Naturaleza, generadora de vida material, la fuerza que la hace fecunda y llena de vida; otra interpretación, que complementa a la anterior, hace al toro símbolo del yo inferior del hombre, que le ha dado la posibilidad de experimentar y conocer, pero que cuando es montado por el dios, el Yo Superior, debe ser dominado primeramente y después sucumbir. Y de la sangre que mana de la herida surgen las espigas de la Vida Celeste. Es como la semilla, que debe pudrirse y desaparecer para que de su fuerza fecunda surja el árbol, que es la nueva Vida. La sangre que brota es lamida por un perro, símbolo de la fidelidad, pero también podría simbolizar aquellos que, como hermanos menores, siguen en la evolución, y se alimentan y crecen gracias a la energía que se desprende del sacrificio del animal. Del rabo del toro surgen unas espigas, bajo el toro aparece una serpiente, y un escorpión clava su aguijón en los testículos del toro. Escorpio, astrológicamente, es el signo zodiacal opuesto a Tauro. Canalizaría energías opuestas, aguijoneando los testículos del toro acaba con su fuerza generadora en el plano material para resurgir nuevamente, purificada y renovada, en un plano superior.

 

Otra interesante interpretación

 

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25 noviembre 2017

ALEJO DE VAHÍA (1) IMAGINERO DEVOCIONAL

Filed under: castilla león, CATALUÑA, Gótico, Imagineros — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 1:01

Apenas si tenemos documentos de él, y conocemos mucho mejor su obra (sumamente característica) que su vida.

Su origen (por sus características estilísticas) habría que situarlo hacia mediados del XV en la zona germana, y como otros tantos artistas septentrionales (pienso en Gil de Siloé) llega a España (tal vez primero a la corona de Aragón, Valencia, lo que podría hablar más de un origen flamenco) para establecerse definitivamente en Tierra de Campos (posiblemente Becerril de Campos) en donde mantendría un amplio taller que le permitiría una obra sumamente amplia.

Como decíamos, la llegada de estos artistas (flamencos y germanos) a Castilla fue sumamente habitual durante el siglo XV, y habla tanto de las relaciones políticas y económicas que tiene esta Castilla con el norte de Europa (vinculada por caminos de peregrinación pero también por la lana de la Mesta y los grandes centros de ferias comerciales como Medina del Campo), como por el gusto por este arte tardogótico (frente a los modelos clasicistas de lo italiano, más bellos pero menos oportunos para los fines devocionales).

Precisamente, este gusto estético será la clave para el inmenso éxito que tendría este autor.

Al observar sus obras nos encontramos con una visión tan patética como expresionista del hecho religioso que resultaba perfecta para las imágenes de devoción, vinculadas a las fórmulas religiosas desarrolladas en Centroeuropa bajo la denominación de Devotio Moderna.

San Onofre eremita

Como ya vimos, los defensores de esta renovación pretendían una relación directa entre fiel y divinidad en donde la imagen debería servir como motivo de meditación (profundamente emocional) de la Pasión de Cristo (entre otros temas) o de su Infancia.

La imagen se convierte así en un indicio de lo divino emocional, alejada por completo de la realidad y que, en el caso del escultor, se resuelve en una serie de fórmulas una y mil veces repetidas que han servido a los especialistas para identificar su obra.

Retablo mayor catedral de Palencia

Una especie de cápsula de intensificación de sentimientos que tan bien aceptada será por el pueblo llano para el que trabaja (curiosamente, el propio Gil de Siloé recurrirá a muchas de estas fórmulas como el esquematismo, el envaramiento de las figuras o los esquemas geométricos cuando trabaja en madera con fines devocionales, como se puede observar en el retablo de la Cartuja de Miraflores o la reconversión que realiza Pedro de Berruguete a su vuelta de la clásica Urbino)

Existe, además, en la obra de Alejo de Vahía una fuerte tensión entre las maneras más geométricas (incluso podríamos decir que puramente protocolarias de sus ojos rasgados, formas del cabello, anatomías reducidas a pura linealidad) con la sonrisa bondadosa de muchas de sus obras y las miradas ¿suplicantes?, unas veces, ¿perdidas? en otras ocasiones, que generan enigmáticas sensaciones que no dejan indiferente al espectador y le hacen olvidar las citadas reiteraciones.

Es muy probable que estos rasgos (que no son comunes en todas sus obras) sean una evolución de su arte, su “castellanización” sobre los modelos septentrionales, aunque es sumamente complejo demostrar esta idea, pues no existe (por la falta de documentación y la escasa evolución de su estilo) una verdadera cronología de su obra 

Para saber más

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Para mi amigo Juan, que de seguro tantas ideas puede aportar a este simple bosquejo

 

 

 

22 noviembre 2017

ISTHAR / ASTARTÉ / TANIT

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:03

 Diosa Isthar.

Tomado de wikipedia

En Babilonia, la diosa Isthar representa el amor, la belleza, la fertilidad y la sexualidad (en sus templos se practicaba la prostitución sagrada). Asociada con Venus y la Luna es (junto a la Inanna sumeria) el primer arquetipo de divinidad femenina del que derivarán tanto Isis como Afrodita/ Venus.

Junto a este aspecto generador ya se encuentra en su leyenda su profunda relación con la muerte ( al morir su primer, su hermano Tammuz, Ištar descendió a los infiernos para rescatarle, aunque sólo lo consiguiera durante seis meses al año)

Su doble aspecto de vida/muerte sólo será heredado por egipcios, fenicios y cartagineses, pues tanto griego como romanos la separaron de la muerte que ocuparían otras figuras como Perséfone / Proserpina

Puig de Molins

De esta Isthar/Inanna derivará la Astarte fenicia y, en su antigua colonia, la Tanit cartaginesa

Puig de Molins

Del mundo oriental heredaron su culto lunar, la vinculación con la vida pero también con la muerte y su relación con la sexualidad sagrada.

Puig de Molins. Ibiza

Ambas diosas legaron a Hispania, y aunque primero fue la Astarte fenicia la que más prosperó, muy pronto se fundió con la Tanit cartaginesa, llegando incluso a suplirla en lugares con Ibiza o Cartago Nova.

 

En esta larga cadena de divinidades heredadas, la influencia de Tanit/Astarte fue muy potente en el área de Tartessos.

Bronce Carriazo

También se infiltrará en el mundo íbero, influyendo decisivamente en las famosas Damas que uniendo su doble visión vital/mortuoria

Dama de Baza

Dama de Elche

 

20 noviembre 2017

LOS CARRACCI. UN TECHO MITOLÓGICO

Filed under: General — vicentecamarasa @ 10:32

Anibal Carracci

En 1591, Cesare del Este quiso redecorar las estacias del Palazzo dei diamanti de Ferrara, reverdeciendo el mecenazgo de sus antepados (Ercole I e Isabella)

Ludovico Carracci. Galatea

Para ello, además de artistas locales, encargó a los ya afamados Carracci la creación de cuatro lacunares para el techo de una de sus salas.

Ludovico Carracci. Flora

Esta familia de artistas aún no había trabajado en Roma (Palacio Farnese), pero ya se había hecho un nombre artístico con sus intervenciones en iglesias y palacios de su Bolonia natal.

Anibale Carracci. Venus y Eros

Agostino Carracci. Plutón

Trabajando de forma colectiva (como era habitual en esta primera época) ya encontramos los rasgos de lo que será su estilo maduro en donde se unen las sugestiones (anatómicas) de Miguel Ángel con el estilo de Correggio con sus forzadas perspectivas de sotto in su y el tratamiento aterciopelado de sus texturas.

A todo ello añaden una sólida formación humanística que utilizará la mitología (como ya había realizado Tiziano) para todo tipo de justificaciones políticas, poniendo el mito al servicio de la propaganda (en este caso familiar)

PARA SABER MUCHO MÁS SOBRE LOS CARRACCI

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