Palios

18 marzo 2019

LAS ICONOGRAFÍAS DE LA CONTRARREFORMA (3). La penitencia y la confesión.

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:02

El Greco. Las lágrimas de San Pedro

De la misma manera que otros sacramentos como la eucaristía, la nueva iglesia trentina intentará llamar la atención sobre el sacramento de la confesión (que era negado por la reforma) utilizando para ello dos temas que aludían al arrepentimiento.
Uno de ellos será las lágrimas de San Pedro en donde el Greco, de nuevo, será un adelantado.


Con él se unían arrepentimiento y papado, arrepentimiento e iglesia, que conformaban los pilares de la confesión.

Pedro de Mena. Magdalena penitente

Otro de los temas utiliza a la figura polisémica de María Magdalena que establece su penitencia en el desierto de Provenza, acercándose al fiel por medio de una pecadora
De la misma manera habría que entender la parábola del hijo pródigo de Murillo

Tomado de wikipedia

Aquí ya hablamos de la penitencia desde el contexto jesuita de los Ejercicios Espirituales

 

TODAS LAS ICONOGRAFÍAS DE LA CONTRARREFORMA

 

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15 marzo 2019

SEMANA SANTA EN SEVILLA. La mortaja

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:01

Vicente Camarasa Domínguez

Todos los Derechos reservados

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Sevilla 2012

TODAS LAS FOTOGRAFÍAS

13 marzo 2019

LOS RIBAS

Filed under: Imagineros — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 9:00

Nazareno de las Siete Palabras. Felipe de Ribas. San Vicente

Dinastía de imagineros (Felipe y Dionisio) procedentes de Córdoba (posiblemente formados con Juan de Mesa) que trabajaron para Martínez Montañés, Pedro Roldán y Alonso Cano.

Además de las imágenes su obra en el campo de los retablos fue notable, introduciendo (Dionisio) el uso de la columna salomónica y unas fórmulas más unificadas que acababa con la herencia del tardomanierismo (en gran parte siguiendo las ideas planteadas por Alonso Cano)

Retablo de San Pedro. Sevilla

Retablo de San Lorenzo (en colaboración con Martínez Montañés)

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Retablo de San Juan Bautista. Felipe (parte arquitectónica con imágenes de Montañés). Santa Paula

Relieves del retablo de San Vicente. Felipe y Dionisio

Retablo del Sagrario. Dionisio (esculturas de Pedro Roldán)

Niño Salvator Mundi

(Círculo de Dionisio)

11 marzo 2019

JINETE DE BAMBERG

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:47

Situada en la catedral de Bamberg, se suele fechar en torno a 1237, siendo considerada la primera escultura ecuestre de la Edad Media que recupera la tipología romana (Marco Aurelio) (Aquí vimos una escultura coetánea en Italia)

Los autores no se ponen de acuerdo con el personaje retratado: ¿ emperador Conrado III de Suabia, otros apuestan porque la escultura represente al monarca San Esteban de Hungría o a Enrique II, representación de uno de los Reyes Magos?

Estéticamente resulta una obra de gótico bastante evolucionado, y mientras el caballo recuerda las formas del naturalismo idealizado de la fase clásica, la suave melancolía del caballero y su postura lánguida, un tanto sinuosa, nos hablan ya de ciertas formas manieristas del estilo.

Esto ha hecho pensar en talleres franceses (Reims), ya de forma directa, ya como alumnos germanos formados en ellos

Imágenes: Berthold Volberg

9 marzo 2019

Análisis y comentario. ADORACIÓN DE LOS PASTORES. EL GRECO

Filed under: General — vicentecamarasa @ 20:27

En esta obra se puede ver, en la parte inferior, unos personajes que están adorando el Niño y, en la parte superior, unos ángeles (apertura de Gloria).

El tema está basado en los textos bíblicos: representa a los pastores, que han sido avisados por los ángeles para acudir a adorar al Mesías.
Se trata de un óleo sobre lienzo, con una pincelada totalmente suelta (existen formas formadas por manchas).
La escena se desarrolla en dos zonas: la celestial y la terrenal. Hay un fuerte contraste de espacios llenos y vacíos (llenos donde se adora al Niño y donde están los ángeles, pero en medio hay un gran espacio vacío).
Abundan las líneas serpentinatas, incluso encontramos un escorzo en las manos de María.

Todo ello contribuye al dinamismo, sobre todo en el espacio de los ángeles.
Predomina el color sobre la línea.

En el cuadro se usa una gama cromática con fuertes contrastes entre colores cálidos, como el rojo de María, y fríos, como verdes morados, azules o el fondo gris de la cueva. Son colores muy irreales, metalizados (se vuelven blancos con la luz), tornasolados (por ejemplo, en el ángel pasa de verde a amarillo) y ácidos en algunos casos.
Presenta una luz antinatural (y con múltiples focos) con fines expresivos. Esta surge del Niño, como símbolo de Dios.

El contraste entre oscuridad y los llamativos colores dotan a las figuras de volumen a la vez que atraen al espectador
Los saltos de perspectiva que utiliza hacen que se rompa con la unidad espacial (perspectiva acelerada, y en algunos casos un verdadero espacio dislocado)

Las figuras aparecen alargadas, con pequeñas cabezas y piernas largas y musculosas. Los personajes muestran expresiones de asombro mientras, María aparece serena.


Es una obra fundamentalmente influida por el Manierismo italiano: contrastes violentos, luces irreales, agobio espacial, figuras muy alargadas, forma serpentinata, colores metalizados, tornasolados…, rasgos que recuerdan a los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.
Sin embargo, también presenta influencias bizantinas (la imagen religiosa, lejana del naturalismo occidental), venecianas (pincelada suelta, cielos tormentosos que recuerdan a Tinttoreto) y, por último, hispánica, que lo
conecta con el misticismo (se pretende transmitir al espectador la experiencia divina de una forma irracional).
Se trata de la Adoración de los pastores, realizada por El Greco.

Era un pintor de origen cretense. Se formó en el taller de Tiziano y posteriormente trabajó en Roma Viajó al Escorial en donde su pintura no tuvo éxito por ser excesivamente manierista para lo que quería Felipe II. Después, se trasladó a Toledo en donde trabajará para mecenas locales y órdenes religiosas. Su movida vida le hizo conocer numerosos estilos que fue asimilando hasta conseguir su estilo personal.
El Greco crea una nueva definición de imagen religiosa, utilizando el color veneciano, la luz y la desproporción manierista, creando escenas  sobrenaturales que nos intenta comunicar la sensación de Dios
como si de un éxtasis se tratara. Esto tendrá mucha influencia en el siglo XX (Picasso, expresionistas…)

 Sin embargo, también fue esta la razón de su fracaso en el Escorial: sus cuadros no servían como imágenes de culto ya que eran demasiado intelectuales.
Como curiosidad, esta obra era para su tumba.

Otras de sus obras más destacadas son el Expolio, el Entierro del señor de Orgaz, sus apostolados, retablos y Anunciaciones, Laocoonte, el Paisaje de Toledo o, en el campo del retrato el Caballero de la mano en el pecho.

Imágenes tomadas de wikipedia

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Amalia Arias (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

Análisis y comentario. MARTIRIO DE SAN MAURICIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:27

Nos encontramos ante una obra de arte pictórica de tipo religioso. Esta pintura nos cuenta la historia de San Mauricio y la Legión Tebana que dirigía. Se dice, que en el siglo III le fue encomendado realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos (paganos, entonces, para el Cristianismo). San Mauricio se negó, pues tanto él como su ejército profesaban el Cristianismo, y por ello todos fueron ejecutados.

Ahora bien, se cuenta que el autor de esta obra quiso fusionar esta historia con acontecimientos contemporáneos, y es por esto por lo que en varios estudios se ha llegado a identificar dentro de la pintura al Duque Manuel Filiberto de Saboya y al Duque de Parma, Alejandro Farnesio –ambos cerca de la figura del santo- y, en los planos del fondo, a Don Juan de Austria, vencedor en Lepanto (1571). Todas las figuras visten uniformes militares del siglo XVI, uniendo la lucha de las tropas españolas contra la herejía y el paganismo, al igual que se supone que hizo San Mauricio. En un segundo plano observamos la escena del martirio: los legionarios, colocados en fila, esperan para ser ejecutados, mientras San Mauricio vuelve a aparecer en la pintura agradeciendo a sus hombres la decisión que tomaron.

La parte superior de la pintura se corona con un rompimiento de Gloria en el que aparecen diversos ángeles: unos son músicos y otros portan coronas de triunfo.
El soporte sobre el que está realizada esta obra es un lienzo y la técnica empleada es el óleo mediante la pincelada suelta (que heredó de su influencia veneciana gracias a Tiziano, pues se formó en su taller).
La composición de la pintura es asimétrica y dinámica, pues cuenta diversas escenas de una misma
historia, lo que hace que el espectador se vaya “moviendo” por el cuadro para captar toda la historia.

La  obra se formó a partir de figuras geométricas, en concreto rectángulos, donde podemos introducir cada una de las tres escenas de la historia.
En cuanto a la línea, el color, la luz y el espacio, cabe destacar una plena influencia manierista, pues, además de predominar el color sobre la línea, los colores son irreales: fríos, ácidos, tornasolados y metalizados; luego, vemos una clara descompensación, pues en la base de la pintura se da el agobio espacial propio del manierismo que nos traslada rápidamente a la zona superior del cuadro (perspectiva acelerada), donde sólo está poblada una zona.

También encontramos figuras desproporcionadas y con formas serpentinatas, o con gestos grandilocuentes y aristocráticos (como los que se dan entre San Mauricio y sus generales en el primer plano del cuadro). Por último, la luz, aunque aparece representada con el rompimiento de Gloria, el espectador queda desconcertado, pues hay sombras y claroscuros que no se corresponden con ese foco de luz. Y, aunque se ve claramente que los personajes portan armaduras, éstas dan sensación de ser finísimas, pues se puede apreciar la anatomía de los personajes a través de ellas.

(Comentario)
La obra analizada pertenece al manierismo, dentro del Renacimiento español. Debido a las diversas influencias del autor (bizantina, veneciana y manierista) encontramos una mezcla de elementos, o deformación de rasgos que serían de origen clásico pero el propio manierismo los transforma, como el agobio espacial, las anatomías desproporcionadas y exageradas, la perspectiva acelerada o el modo en el que emplea la luz y el color. Por otro lado, empieza a desarrollarse una influencia hispánica que lo conecta con el misticismo, es decir, utilizando el color y la técnica venecianos, la luz y la desproporción manierista, el autor nos intenta comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que influirá profundamente en el siglo XX (expresionistas, Picasso…).


Entierro del Conde Orgaz

Con sus técnicas antinaturalistas unidas a los colores venecianos, el autor buscará una nueva definición de la imagen religiosa. Lógicamente, esta postura no era la más adecuada para el gran público, pues era demasiado intelectual, lo cual fue una de las principales razones por las que no consiguió participar en la decoración del Escorial, pues Felipe II lo rechazó, ya que sus cuadros no servían como imágenes de culto que movieran a la piedad, sino que estaban destinados a una élite intelectual que supiera interpretar estas técnicas y elementos antinaturalistas e irreales como una representación de lo divino más que una ilustración didáctica.
Esta obra se realiza en un contexto histórico en el que reina Felipe II en España (segunda mitad del siglo XVI), y en el que se dará un doble mecenazgo: aúlico (más cercano a los modos italianos, de reyes y nobles cortesanos) y religioso (que hará casi insignificantes diversas tipologías italianas como el desnudo, los temas mitológicos, los retratos…).
Finalmente, cabe destacar el nombre de esta obra y de su autor: El martirio de San Mauricio, realizado por Doménikos Theotokópoulos, popularmente conocido como El Greco.

Imágenes tomadas de wikipedia

 

Marina López Pallarés (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

 

Análisis y comentario. EL EXPOLIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:05

 

Este cuadro trata de un pasaje evangélico correspondiente a la pasión  en la que un sayón se dispone a arrancar la túnica de Cristo. En la parte inferior aparecen las tres Marías que miran como un hombre prepara la cruz.

Su técnica es el óleo (hecho con aceite que permite mayor detallismo ya que tarda en secarse,  hacer correcciones y usar una pincelada más suelta) sobre lienzo.

Su composición es simétrica, a partir de líneas verticales, la más importante (el eje axial) la crea Jesucristo en el centro del cuadro. Su importancia se ve reforzada por el color rojo, que crea una especie de gran óvalo central.

Predomina el color sobre la línea a través de la pincelada suelta.

En los colores cabe destacar, el rojo de la túnica de Cristo que atrapa la mirada del espectador, rodeado por colores fríos de las demás figuras. También también aparecen colores ácidos y tornasolados

La luz es expresiva, ilumina principalmente a Cristo, creando fuertes claroscuros.

El canon de las figuras es correcto (aunque un tanto alargado) y destaca la expresividad de las miradas, con una fuerte tensión entre la de Cristo, que mira hacia arriba (hacia su Padre) con resignación, frente a la violencia de las que le rodean.

 

Es importante la aparición de las diferentes texturas, como la armadura del caballero (una clara herencia de Tiziano).

COMENTARIO

El Expolio es una de las primeras obras que realizó el Greco en España. Se trataba de un encargo para la catedral de Toledo que el artista consiguió gracias a la ayuda de su gran amigo Don Diego de Castilla.

Esta pintura pertenece al renacimiento español y tiene una clara influencia de la pintura veneciana como la pincelada suelta y el uso del óleo, ya que el Greco se formó en el taller de Tiziano. Su influencia manierista, tras su estancia en Roma donde recoge elementos que aparecen en este cuadro como los colores fríos, ácidos, la luz expresiva, el agobio espacial, la perspectiva en vertical.

De esta manera en Greco pretende transmitir al espectador la experiencia divina en una forma irracional. Utilizando el color veneciano, la luz y la desproporción manierista, nos intento comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que tanto influencia tendrá en el S. XX.

 

Michell Álvarez (2º Bach.; IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

7 marzo 2019

VELÁZQUEZ Y LA MELANCOLÍA. Del Marte pensativo a las Meninas

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:26

Velázquez. Marte pensativo

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Descanso_de_Marte

Como ya señaló Angulo, esta imagen de Marte pensativo que adornaría la torre de la Parada (lugar de cacerías), se basa directamente en una obra clásica, el Ares Ludovisi de Apoxiomeno.

Ares Ludovisi. Copia de Lisipo. Siglo IV a. C.

Esto vuelve a reafirmar tanto la cultura clásica que tuvo Velázquez como lo provechoso que le fue su primer viaje a Italia (del que mantendría recuerdos durante toda su vida, inspirando obras como las Hilanderas desde la Capilla Sixtina o la Venus del Espejo del Hermafrodita dormido).

Otra cosa muy distinta es saber para qué se realizó esta obra, cuál es su verdadero significado. Tradicionalmente (Gállegose ha interpretado como una visión pesimista de la realidad histórica de nuestro propio imperio, las derrotas a sus tercios, antaño invencibles. Por ello, Marte (el dios de la guerra) se muestra pensativo (recordando así a las Capillas Mediceas de Miguel Ángel), de una manera totalmente antiheroica (el escudo caído, la musculatura flácida, el bigote sin fuerza…). Una especie de Alastriste llegado a su extremo, comprendiendo la caída fatal del Imperio.

Sin descartar esta interpretación últimamente se insiste  en una visión más global, la del desengaño y melancolía que invade la segunda mitad del siglo XVII (De la Flor). No hace falta que busquemos demasiado para encontrar estos síntomas de desengaño en intelectuales de la época: Quevedo, Lope o Calderón

 

Miré los muros de la patria mía,

si un tiempo fuertes ya desmoronados

de la carrera de la edad cansados

por quien caduca ya su valentía.

Salíme al campo: vi que el sol bebía

los arroyos del hielo desatados,

y del monte quejosos los ganados

que con sombras hurtó su luz al día.

Entré en mi casa: vi que amancillada

de anciana habitación era despojos,

mi báculo más corvo y menos fuerte.

Vencida de la edad sentí mi espada,

y no hallé cosa en que poner los ojos

que no fuese recuerdo de la muerte.

Quevedo

 

Y mucho antes incluso el propio Cervantes, especialmente en su segunda parte del Quijote, en donde el caballero andante poco a poco recobra el juicio y con él retorna una realidad gris y monótona, sin aventuras que emprender.

  Es la cultura del desengaño que invade una gran parte de nuestro siglo de Oro. Una consecuencia de la situación política, moral o científica que hace desconfiar de la realidad y del mundo, fuente de de engaños y tristezas.

Su posición más extrema ya la hemos visto en ese culto a la muerte que vimos en un capítulo anterior. La multiplicación de calaveras, vanitas, la espectacular conmemoración de la Semana Santa. (Es la vía del Ecliasastés, lectura bíblica referente de la época, de una desesperanza casi suicida, De la Flor, un desesperado pensamiento que considera la historia como un cúmulo de tragedias que culminarán en la derrota final, una historia triste (Benjamín) que nos llevará hasta la salvación con la llegada de la tercera Parusía, la tercera vuelta de los Reinos de los Cielos ante la cuel debemos, antes, penar)

Una segunda salida será la de esconderse ante el mundo, negándolo a través de la idealización completa. ¿Para qué recrearse en una realidad tan descorazonadora?, pensarán artistas como Alonso Cano o Murillo mientras  pintan o esculpen sus Vírgenes bellas, los pilluelos de la calle, sucios pero alegres.

Murillo. Inmaculada

Tomado de http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_murillo.html

(Habría otra tercera vía, la de vivir la vida apurándola en tragos largos, aquella del que brillará fulminantemente pero sólo unos instantes, como la del Conde de Villamediana)

 Frente a estos dos caminos, Velázquez opta por una vía intermediaNi arrastrarse por la desesperanza ni inventarse un mundo, simplemente representar lo que hay con una melancolía del que sabe que todo se destruirá . Basta pensar en algunos de sus bufones que miran el mundo sin comprenderlo, y no por falta de capacidad sino porque ya es imposible hacerlo. Son, en el fondo, un retrato colectivo de la sociedad, una exaltación de la locura lúcida (como la del licenciado Vidriera de Cervantes) que no quiere abandonar la enajenación, pues de nada valdría

El bufón calabacillas. Velázquez

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

Son los retratos últimos de Felipe IV y su íntimo descorazonamiento. Son, también, los juegos teatrales, la multiplicación de la realidad que generan los espejos, que abundan en la obra final de Velázquez. ¿En que termina la exquisita belleza de la Venus del Espejo? En un espejo emborronado que sólo consigue darnos la imagen confusa de un espectro. (¿Será acaso una vanitas encubierta?) ¿Quiénes son realmente las hilanderas? La fábula moral de final inapelable: no nos podemos atrever a rebelarnos contra los dioses o nuestro destino, pues seremos castigados.

Las Hilanderas

Tomado de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

Bajo esta perspectiva las Meninas cobrarían una nueva luz. Una corte llena de bufones que comparten espacio con los reyes, las monjas y los servidores, en una habitación oscura ; un gran cuadro vuelto al revés en el que aparecería ¿la realidad? Velázquez mirando fijamente para pintar la melancolía de un mundo en sus últimos alientos que ya es más teatro que realidad. Se ha abusado tanto de las apariencias que sólo ellas han conseguido sobrevivir en el naufragio y habrá trajes de telas preciosas en un palacio en donde no había para cenar algunas noches los reyes, movimientos pausados, gestos graves que sólo (de nuevo) el loco (Pertusato) no quiera entender y juega con el perro

Las Meninas

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

Pues las certezas han desaparecido. El rey se ha convertido en un turbio reflejo, Dios les ha abandonado en los campos de batalla frente a los herejes, que al final han triunfado. Los grandes planes del Conde duque naufragaron y entre la multitud de los nuevos validos hay una monja de clausura (Sor María de Ágreda) que mantiene una compleja relación epistolar con el rey y marca la ideología de sus decisiones.

La visión del mundo un segundo antes de desaparecer. Acaso son eso las Meninas (también), como tal vez volviera a comprender Goya con su familia de Carlos IV, utilizando para ello el ejemplo de las Meninas

Para saber más

Un comentario muy interesante del cuadro de Marte pensativo lo tenéis en

http://es.wikipedia.org/wiki/Descanso_de_Marte

 

VELÁZQUEZ BÁSICO

5 marzo 2019

ESPERANZA VI SIGLOS. noviembre 2018

Filed under: Esperanza — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:00

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4 marzo 2019

SEMANA SANTA MADRID

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:03

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Cuaresma en Madrid

 

Los Estudiantes

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Gran Poder y Macarena

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Jesús el Pobre

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Cristo de Medinaceli

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Soledad

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Virgen de los Desamparados

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Virgen de la Anunciación

 

Cristo de los Alabarderos

 

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE MADRID

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