Palios

13 febrero 2020

LA CRUCIFIXIÓN. PICASSO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:53

 

Picasso realizó esta obra en 1930 que deberíamos considerarla como el origen de un amplio ciclo de horror y sufrimiento (íntimamente unido a los acontecimientos políticos de la época, pero también a su crisis personal tras las desavenencias con Olga, las famosas metamorfosis) que culminará en el Guernica y el Osario.

De pequeño tamaño y colores estridentes, retoma un tema clásico (una actitud tan habitual en él) para reconvertirlo en toda una expresión de sufrimiento.

Para ello reduce el espacio (acumulando formas en un recinto casi claustrofóbico) y rompe cualquier convención sobre la perspectiva, dejando al color la posibilidad de aislar las distintas formas en una especie de vórtice de gran intensidad en donde las distintas figuras estallan en un espacio propio, como golpes dentro de una composición que el espectador, pese a su pequeño tamaño, es incapaz de ver en su totalidad

Estos personajes derivan directamente de las metaformosis citadas, en donde la anatomía se deforma, se acentúan los elementos agresivos en cabezas o manos y se incluyen características propias de los insectos. Se une así una actitud expresionista con sugerencias surrealistas para hablar del horror sin sentido, algo hacia lo que avanza Europa con el auge del fascismo y la gran recesión económica derivada del crac del 29.

Para saber mucho más de sus personajes

 

17 enero 2020

SOROLLA. CHICOS EN LA PLAYA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:35

Tomado de wikipedia

El tema es puramente antiliterario, pues no nos cuenta ninguna historia. Es una simple reproducción de la realidad hecha directamente ante el motivo (plein air). Unos muchachos jugando en la orilla del mar, disfrutando del sol y el agua (puro hedonismo, como luego veremos).

Se trata de un lienzo pintado al óleo.

La composición es asimétrica y (en la parte superior) atectónica que intenta no dar protagonismo a ninguna de las tres figuras sino al conjunto. Para ello nos coloca al niño más bajo de espaldas y en diagonal que nos lanza hacia arriba, al grupo superior que, cortados abruptamente , no nos dejan avanzar más allá, hacia el horizonte, obligándonos a volver a la parte baja por sus piernas y las olas que las envuelven para que el movimiento siga produciéndose.

Evidentemente el color predomina sobre la línea, utilizando una pincelada suelta que en estos momentos ha llegado a su madurez, larga y muy líquida, jugando con diferentes empastes.

La paleta es muy amplia, desde los azules y violetas del agua y las sombras, a los distintos cálidos (pardos, naranjas y rojizos) de la arena y los cuerpos desnudos

Este color se superpone a la propia definición de los detalles (cada vez más borrosos según ascendemos en el cuadro), pues lo que realmente interesa al pintor es la luz y sus diferentes estados.

Una luz cruda como es la del Mediterráneo que es matizada por el agua, lo que le confiere múltiples matices (la que se refleja en la piel seca del muchacho más cercano frente a los cuerpos mojados superiores; la de sus cuerpos reflejados en la fina lámina de agua, la que crean las propias olas…), creados por la propia pincelada (y sus distintos empastes), el distinto brillo de los colores o el uso del blanco como contrapunto de luz total que nos sirve a nuestros ojos para organizar toda la gama lumínica que (como ocurre en los impresionistas) no se cierra en el negro, sino en el violeta, utilizado para las sombras proyectadas.

Para que todo este festín lumínico y cromático no se interrumpa, el pintor renuncia conscientemente a la perspectiva, creando un picado que elimina la línea de horizonte (coloca al ojo en una situación mucho más elevada que el motivo), igual que a la caracterización de los propios personajes que en el fondo cosifica para fundirlos con el paisaje de agua y sol.

Comentario

El verano de 1909 fue especialmente fructífero para el pintor.

Afincado de nuevo en Valencia, pinta incansablemente en la playa de la Malvarrosa, llevando a su culminación muchas de sus investigaciones anteriores, en un estilo muy cercano al impresionismo (desde el plein air, la pincelada, las sombras coloreadas, la importancia de la luz, …) que se ha denominado luminismo.

En estas obras ha disminuido mucho su vena más costumbrista para centrarse en la luz y sus refracciones

Una pintura hedonista que busca la sensualidad del mediterráneo, su culto a la luz y el calor, el tacto de la arena caliente, del agua…

Todo ello resuelto con una pincelada y un cromatismo que nada tiene de intelectual y es una pura celebración de lo óptico y, en última esencia, de lo táctil.

14 noviembre 2019

DUANE HANSON. La hiperrealidad del pop… que habla de nosotros mismos

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:10

Es habitual encontrar en los museos de arte contemporáneo estas figuras que, en una primera visión, son reales, tanto por su acabado por su actitudes cotidianas.

Eran figuras realizadas sobre vaciados de personas reales en fibra de vídrio y más tarde pasadas a bronce, pintadas cuidadosamente a mano y vestidas con mimo (a la vez que se añadían todo tipo de postizos).

Sin embargo, su extrañeza se produce, especialmente, por sus actitudes (niños en carros abandonados, turistas, paseantes, pintores, parejas charlando…) que nos la hacen confundir con seres reales.

Hanson partía de toda la ideología pop (la prehistoria de nuestra actual posmodernidad) para buscar en el mundo real sus márgenes de maniobra. La realidad cotidiana, sin ningún tipo de idealización, algo cansina como es nuestro mundo de cada día.

En esta operación, sin embargo, terminó yendo más lejos.

Por una parte abrió el mundo inacabable de las apariencias (¿qué es real, qué es mentira?) que derivará en la simulación potenciada por los medios de comunicación y la revolución informática (realidad virtual) que en la actualidad nos hace movernos con cada vez menos certezas, acercándonos cada vez más a Mátrix.

Hombre en el banquillo

Tomada de wikipedia

Por otra nos está empezando a plantear la propia esencia de nosotros mismos. ¿En qué consiste un hombre? ¿Qué es la individualidad? La sociedad de consumo nos ha convertido en copias de un mundo hecho de iconografías repetidas (vestuario, complementos…) que cada vez más se están extendiendo hacia nuestros comportamientos (¿viajamos para aprender sobre nosotros o para entrar en el circuito de Instagram ? ¿visitamos museos como una forma de reconocimiento social? ¿hablamos según creemos que es convenientemente hacerlo? En definitiva, ¿somos nosotros o un simple mecanismo más de una sociedad de la imagen y el postureo que nos roba la individualidad del pensamiento para integrarnos en un circuito infinito de gestos repetidos?)

Tomado de danielleaklebes.

En sus rostros siempre hay un profundo hastío que es, acaso, el mismo que sentimos nosotros.

 

18 septiembre 2019

Ouke Lele. Santa Bárbara

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:22

¿Una obra subversiva o un homenaje actual?
Mejor pura posmodernidad. Una actitud ambigua que ama y odia lo que plasma, fascinada (casi morbosamente) por la religiosidad y a la vez crítica con ella hasta casi convertirla en una parodia.
La que fuera una de las grandes fotógrafas de la movida recoge toda la herencia transgresora de Warhol, la estética glam pero también un gran conocimiento de nuestro gran barroco para generar una imagen tan bella como potente visualmente.
La torre en donde fue enclaustrada por su padre corresponde a la de Torrelodones junto a la cual posa la propia artista con un corazón de vaca, siendo todo pintado de una forma morosa y primorosa hasta conseguir un acabado que oscila entre lo kitsch y Ribera.

19 julio 2017

DE MARÍA MAGDALENA A LA MUJER QUE LLORA DE PICASSO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:24

Roger van der Weyden. Tomado de wikipedia

En múltiples ocasiones podemos ver a la imagen de la Magdalena llorando (al enjuagarle los pies a Cristo con el ungüento, al pie de la Cruz, en el sepulcro…)

Y es que, como ya veíamos en otro post, la imagen de la Magdalena sirve a los pintores de múltiples épocas para representar todos los ángulos de lo femenino, desde el dolor al puro erotismo.

Evidentemente, un verdadero caníbal de la historia de la pintura no podía dejar pasar un tema tan interesante para (como ya iniciara Goya) quitarle su carga cristiana para quedarse en la pura tragedia humana, y si ya lo había hecho con el hombre del Cordero, convertir a Magdalena en la mujer que llora que pobló sus grandes cuadros (Guernica) y se terminó por convertir en una serie inacabable que reflejara el sufrimiento de estos años 30, como ya vimos aquí, utilizando la figura de Dora Mar

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA MAGDALENA

10 mayo 2016

TESEO Y EL MINOTAURO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 12:50

Tomado de wikipedia

Esta es una de las historia más bellas (e históricas) de la antigua Grecia.

Tomado de wikipedia

Teseo, hijo de Poseidón y a la vez de un mortal, Egeo, llegó a la isla de Creta con un fin muy claro: matar al minotauro que vivía en el laberinto y acabar así con el tributo de los catorce jóvenes que todos los años debía enviar Atenas al rey Minos, que serían el alimento del Minotauro.

Minotauro. Mirón

Tomado de wikipedia

Este minotauro, hijo de un toro blanco surgido de las aguas y Pafisae (esposa de Minos) pronto se había vuelto cada vez más salvaje, obligando al arquitecto dédalo a crear un laberinto del que no pudiera salir.

Mosaico de Conímbriga.

Tomado de wikipedia

Ya tenemos al héroe (Teseo), el monstruo maldito (minotauro) y muy pronto aparece el amor (Ariadna, hija de Minos, y por tanto hermana del Minotauro) que se enamora locamente de Teseo y le proporciona el ingrediente que le faltaba a su valor y fuerza: la inteligencia, pues de nada le valdría matar al Minotaro si luego no pudiera salir del terrible laberinto.

Para ello le proporcionó un hilo (el famoso hilo de Ariadna) que le permitiría regresar sobre sus pasos tras la victoria.

Tomado de wikipedia

El mito ha tenido una resonancia constante a lo largo de la historia y muy pronto envenenó los sueños de un joven arqueólogo,  Arthur Evans, que siempre pensó que el mito escondía (como ya se había demostrado con la Guerra de Troya) una parte de la historia real, y durante décadas siguió su hilo hasta llegar a Cnosos.

Palacio de Cnossos

Tomado de wikipedia

Allí encontró un verdadero laberinto que en realidad demostró que era un palacio, aquel que minoicos y luego micénicos habían tenido como principal lugar de poder.

Planta del palacio de Cnossos

Tomado de wikipedia

Se abría entonces una apasionante página de la historia que terminó por demostrar la existencia de una civilización prehelénica que había dominado Grecia ante de la llegada de los Dorios, que terminarán por conquistarla, como ya explicamos aquí

Labris. Emblema religioso de la civilización monoica que se vincula con el toro

Tomado de wikipedia

Pero no acaba aquí la historia del minotauro y dos grandes artistas del siglo XX lo volvieron a frecuentar con asiduidad.

Picasso. Suite Vollard

El primero de ellos fue Picasso, que casi lo convirtió en un emblema personal en el periodo de entreguerras, en el entorno creativo de la Suite Vollard y el Guernica

Picasso. Suite Vollard

Imagen ambigua relacionada con la tauromaquia pero también con la herencia mediterránea, con la brutalidad que va unida a la creación (tanto artística como sexual) que, a veces, le convierte en víctima.

Picasso. Suite Vollard

Por su parte, el escritor Borges le dedicó algunos mejores cuentos (como la Casa de Asterión) en donde la bestia se vuelve tan vulnerable como melancólica

Minotauro. Watts

Tomado de wikipedia

TODOS NUESTROS POST SOBRE MITOLOGÍA CLÁSICA

 

 

Blog de WordPress.com.