Palios

7 mayo 2021

Análisis y comentario. ARMONÍA EN ROJO. MATISSE

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 16:00

SDELBIOMBO – 19 DE MAYO DE 2015 – 19:31 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

  Tomado de fauvismosigloxx.wordpress.com      

Tema. Nos encontramos con un bodegón con figura al que se añade (como es muy típico en el pintor) una ventana abierta que pone en relación exterior e interior. Todo tipo de historia ha desaparecido, mostrándonos las cosas sin ningún tipo de relación literaria. Es algo puramente visual.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con poco interés por la textura.

Composición. Equilibrada. Las tres zonas más importante (ventana, mujer y silla) se colocan de forma triangular, repartiendo el resto de los motivos por la tela.

Color, parte esencial del cuadro. Plantea una fuerte contraposición entre los cálidos (rojo y amarillos) y los fríos (azules y verdes). Su tonalidad está muy saturada.

Son colores planos, sin ningún efecto de la luz sobre ellos, creando grandes zonas cromáticas de color puro.

Son, en todo caso, colores irreales o arbitrarios que no guardan ningún tipo de relación con la realidad.

La línea es gruesa, separando de forma nítida las zonas cromáticas. Hay un gusto por la curva y la ondulación (en los motivos ornamentales) casi continua que comunica al cuadro un constante movimiento del que carece la composición.

La perspectiva se realiza a través de los colores (perspectiva cromática), con los cálidos acercando y los fríos alejando (en la ventana). En las zonas en donde predomina un solo color (interior rojo) el espacio desaparece y se vuelve plano, al igual que las figuras (bidimensionales) en las que se omite cualquier tipo de detalle, perfilándose a través de sus rasgos más significativos que se convierten en puras zonas cromáticas.

COMENTARIO.

Matisse consigue en este lienzo gran parte de las características que definirán su estilo más maduro. Partiendo de la violencia de los colores y su aplicación pura (sin influencia de la luz) que ya aparecían en el Salón de Otoño de 1905 (inicio del fauvismo) intentará dulcificar la potencia cromática de los mismos a través de la contraposición de fríos y cálidos y, sobre todo, por medio de la curva (arabesco) que anima y suaviza la imagen, buscando una mayor sensualidad. (Como en La Alegría de Vivir).

La alegría de vivir

Tomado de todoelarte.blogspot.com

Con todo ello pretendía, según sus propias palabras, crear un sillón para la mirada, una imagen sin ningún tipo de historia que sólo se imponga por medio de los registros cromáticos animados por la línea que podemos ver en cuadros posteriores, como la Danza.

La danza

Tomado de www.ultrafilosofia.com

Ya no hay literatura en la pintura, sólo quedará lo visual. Un juego de colores, formas y líneas que busca lo apacible y amable, al contrario que su gran rival hacía en la misma época: Picasso, Las Señoritas de Avignon.

Las Señoritas de Avignon. Picasso

Toda esta revolución (que tiene sus precedentes más próximos en las obras de Gauguin) y seguirá evolucionado por caminos en donde lo musical es cada vez más importante (el color entendido como música del ojo, sinestesia), entonado bajo un cromatismo toda la obra (que al principio era el azul, luego retocado por el rojo). El color se ha independizado por completo de la realidad.

Gauguin

Tomado de es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin

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1 mayo 2021

GROSZ O LA ALEMANIA DE ENTREGUERRAS

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:27

SDELBIOMBO – 03 DE MARZO DE 2014 – 08:01 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Alemania, un cuento de invierno

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Dentro de la estética expresionista (que en Alemania se fundió con la crítica Dada fuertemente politizada, como el caso de Hearfield), los años de entreguerras en Alemania fueron un territorio abonado para una pintura crítica y comprometida.

El héroe

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Como ya analizamos en un artículo de Biombo Histórico, la pérdida de la guerra, la humillación de los Tratados de Versalles, la sociedad dual que abren los felices 20 (con grandes fortunas judías en la cúspide los de los poderes económicos), la revuelta espartaquista del 17 tan brutalmente reprimida, la crisis exportada desde América que colapsó la economía con una hiperinflacción o el ascenso de los movimientos fascistas... hizo de la República de Weimar un lugar de guerra antes de la guerra, lleno de tullidos de la guerra, junkens vanidosos (aunque su vanidad no les permitió ganar la guerra), orondos banqueros juntos a pobres que rebuscan en las basuras, ultranacionalistas airados, prostitutas…

Los pilares de la sociedad

Tomado de chikasdepixel.wordpress.com

Es ésta la sociedad que retratará Grosz en sus cuadros y sus apuntes. Un mundo lleno de tensiones que muy pronto explotará.

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Seguirá alguna de las estrategias estéticas del primer expresionismo (El Puente) como sus formas angulosas, sus colores chillones, sus perspectivas deformadas.

Eclipse de sol

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

A ellas unirá un dibujo esquemático y brutal que en muchas ocasiones recuerda al utilizado por Klee, convirtiéndolo en pura caricatura (tan dadaísta) que no tiene piedad de nada ni nadie.

Tomado de selvasorg.blogspot.com.

Como ya hablábamos en un artículo anterior, la suya será una visión terrible de la ciudad iniciada por Kirchner y que se mantendrá viva en la cultura alemana durante todo el periodo (Metrópolis) a la que se unirán formas futuristas

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Tomado de 3.bp.blogspot.com

Especialmente interesantes (tanto por su inmediatez como por la redicalidad con la que aborda los temas) son sus dibujos y bocetos (aquí tenéis una magnífica recopilación de ellos)

Para los ricos su botín de guerra, para los pobres su miseria

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Divina providencia

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Como puede suponerse, su obra fue una de las estrella del arte degenerado que los nazis incautaron y quemaron (aún muchos de sus escenas podrían ser consideradas pornográficas y de mal gusto)

Una magnífica lectura del periodo y el pintor (rebautizado como Falke) es Una princesa en Berlín de Somlsen

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28 abril 2021

PICASSO FUE EL CLÁSICO DEL SIGLO XX O DE MESOPOTAMIA AL MOSCÓFORO AL BUEN PASTOR AL HOMBRE DEL CORDERO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:43

SDELBIOMBO – 08 DE OCTUBRE DE 2011 – 08:49 – PICASSO

 

 Ya lo pudimos ver en el Guernica, pero lo comprobaremos una y otra vez: Picasso fue un verdadero clásico aunque en el siglo XX, con una capacidad de retención visual verdaderamente asombrosa y una no menos espectacular capacidad de rehacer una y otra vez el pasado para referirse al presente (y eso es ser clásico, verdaderamente, ser moderno insertándose en la tradición)

Todo esto puede verse en el famoso Hombre del Cordero, realizado en 1943. Un hombre, la enorme magnitud humana en medio de las ruinas que va dejando la Segunda Guerra Mundial. Puro antropocentrismo, optimista, en donde tal vez el hombre podrá resurgir de sus cenizas y reconciliarse con el mundo y consigo mismo. (Aunque otros autores – Paloma Esteban Leal – lo analizan al contrario, y es la razón del hombre la que lleva al sacrificio del cordero, nuestra razón la que nos lleva a las guerras y la matanza de víctimas inocentes).

Sea como fuera (o queramos, pues Picasso, como era habitual,  nunca quiso explicar el sentido último de la obra) el artista habla de la actualidad más rabiosa de la II Guerra Mundial, vuelve su recuerdo hacia la Historia del Arte y continúa una larga tradición que resumimos aquí en apretada síntesis

Gilgamesh ofreciendo un león al holocausto. Mesopotamia

Tomado de http://asombroso-e-inaudito.blogspot.com/2011/03/el-asombroso-poema-de-gilgamesh.html

Moscóforo. Siglo V a. C (época arcaica griega)

Un kurós lleva en sus hombros un cordero para el sacrificio

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_la_Acr%C3%B3polis

El Buen Pastor. Baptisterio de San Juan en Fuente. Nápoles. Periodo Paleocristiano

Cristo representado con el pastor que guía a los corderos

Buen Pastor catacumbas San Calixto (Paleocristiano)

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20 abril 2021

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (7). SOBRE CUCHILLOS y MOTIVOS DE ESPERANZA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:14

SDELBIOMBO – 13 DE ABRIL DE 2011 – 22:14 – PICASSO

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15 abril 2021

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (8). Sobre política en el Guernica.

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:10

SDELBIOMBO – 26 DE ABRIL DE 2011 – 14:52 – PICASSO

Precisamente hoy que se cumplen 75 años del bombardeo de Guernica finalizamos las primera tanda de post que en este último es hemos dedicado al Guernica

Todos ellos se pueden consultar aquí

 AQUÍ PUEDES ENCONTRAR TODO LO PUBLICADO DEL GUERNICA EN ESTE BLOG

Tomado de http://aprendedivirtiendote.blogspot.com/2008/11/el-guernica.html

Aunque aún no pertenecía al Partido Comunista, Picasso ya estaba comenzando una clara tendencia política (de la que había carecido hasta entonces) en torno a finales de los años 20, en gran parte influenciado por el pensamiento de izquierdas de personalidades relacionadas con el Surrealismo.

Por ello, suele sorprender que el cuadro apenas si tenga alusiones al franquismo, tan sólo el puño levantado en su centro en una de sus primeras versiones o, de ser cierto, el toro identificado con Franco, siendo el único personaje que no sufre en todo el cuadro y al que dirigen su mirada el resto de las figuras.

Ya hemos explicado que su interés era salirse del hecho particular para plasmar un grito contra la Guerra, aunque su trasfondo político era evidente tanto en los hechos (el Guernica fue creado para el Pabellón de la República, viajando luego por medio mundo para sacar fondos para ella) como en el ideario colectivo (en muchas casas españolas el Guernica, sus reproducciones, se convirtió en un verdadero icono antifascista).

La verdadera crítica política la tenemos que encontrar en algunas obras coetáneas al Guernica que en la actualidad se exponen en el reina Sofía. Se trata de dos grabados (también para su venta a favor de la república) titulados Sueño y Mentira de Franco en los que, a manera de cómic, Picasso retrató toda una forma de pensar que duraría casi 40 años (la unión, contra natura, de las alambradas de la guerra y la Iglesia, la sexualización grotesca del mundo, la destrucción de la cultura, el culto a la violencia, el floclorismo tantas veces explotado o el simple ridículo que es atacar al sol subido en un cerdo.

Verdaderamente no tienen desperdicio y nos hablan de un Picasso mucho más intelectual que sabe radiografiar a través de la caricatura todas las nuevas formas de vida que estaban debajo de la España Nacional

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14 abril 2021

EL SURREALISMO Y BRETON. (Segunda parte). LA GRAN REVOLUCIÓN TRAICIONADA O BATAILLE

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:30

SDELBIOMBO – 18 DE MARZO DE 2011 – 15:08 – DADA Y SURREALISMO

 Tomada de arturoborra.blogspot.com/2008/05/fragmentos-d…

En un artículo anterior vimos cómo Breton había roto las cadenas de la razón para proporcionarnos la libertad. Sin embargo, el propio creador se traicionó a sí mismo para llenar de cadenas su propia liberación.

Si creemos en la idea de que los pensamientos pueden evolucionar a lo largo de la vida de una persona, la razón de sus comportamiento la tenemos que ver en una ruptura de equilibrios. Como ya había observado agudamente Benjamín, una de las grandes potencias del surrealismo era su equilibrio entre Freud y Marx, entre lo individual y lo social, que en un momento se inclinó hacia el segundo, dando un sesgo político a todo el movimiento.

¿Le traicionaron entonces las ideas, la politización extrema que se produjo en la Europa de Entreguerras?

Tal vez, aunque existe otra opción. Acaso todo lo anterior fue una simple impostura. Un milimétrico plan creado por el propio Breton para conseguir el sueño de su vida: ser el Papa de la modernidad, pontificando sobre lo válido y lo inválido, lo mejor y lo podrido, lo moderno y lo caduco.

Tomado de  http://facingthewind.blogspot.com/2007_07_01_archive.html

Si fue así, por la gloria renunció a la verdad, y toda su revolución murió en el mismo momento en que la libertad recién inaugurada fue clausurada por sus dogmas y anatemas que, curiosamente, coincidían al pie de la letra con la corriente más ortodoxa del Partido Comunista Francés.

Fue el momento del segundo manifiesto comunista de 1929, de la expulsiones, de la depuración (que luego Stalin repetiría en el sentido literal de la palabra), de la estrepitosa caída en picado de la creatividad para ingresar en la pura propaganda. Un arte que el propio Stalin destruirá para reponer un realismo tan burgués…

 Tomado de catanpeist.blogspot.com/2008/12/stalin.html

Ante ello, un nuevo teórico ocupará la vanguardia artística. Será Bataille, el surrealista extremo, heterodoxo, polémico aún para sus propios adeptos, que volvió a resucitar a Sade, que estudió la repugnancia y el asco con su estética del escupitajo.

Tomado de http://jorgealbertoaguiardiaz1.blogspot.com/

Fue el rebelde que se enfrenta (como un Edipo redivivo) a su padre Breton para hablar de vísceras, de ojos devorados, de excrementos, de esa vida subterránea de nuestros intestinos que se asemejan al cerebro, de la muerte y el erotismo, de la tortura, el dolor…

Fotograma de un Perro Andaluz

Tomado de rtv

Como afirma Juan Antonio Ramírezlo mejor de Dalí se encontrará en clara conexión con estas ideas, por lo menos antes que se venda, primero al dólar y luego al franquismo. Pensad en sus famosos relojes blandos, putrefactos, llenos de hormigas que los devoran por dentro.

Tomado de  entre imagen y palabra

Será también Bataille el ideólogo que estará en la memoria (aunque tan pocas veces se cite) de los postmodernos que resucitarán el arte-escándalo, como Hirts, los hermanos Chapman o Serrano; otra impostura que algún día habrá que estudiar más detenidamente.

 Gabriel Orozco

Tomado de santaannavisual.wordpress.com/…/

Para saber más:

Aquí podéis encontrar biografía y algunos poemas de Bataille

http://eurielec.etsit.upm.es/~zenzei/index.php?numero=8&tipo=literatura&arch=1Georges%20Bataille

10 abril 2021

KANDINSKY. EL PINTOR MUSICAL. SOBRE LA SINESTESIA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:33

13 DE JULIO DE 2008 – 13:06 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Hoy mismo he encontrado un blog fantástico (que ya lo he añadido a enlaces) que me ha traído muchos recuerdos. Recuerdos de hace unos años, con una clase de historia de arte que visitamos la Fundación Juan March de Madrid para disfrutar de uno de mis pintores favoritos, Kandinsky.

La exposición era difícil de explicar, pues nos encontrábamos a principio de curso y el autor es el primer gran abstracto del siglo XX. Sin embargo, al final fue todo un éxito, ya que muchos de vuestros antiguos compañeros llegaron a comprender este mundo fantástico de la abstracción en uno de sus mejores artistas.

Ahora voy a intentar que seáis vosotros quien empiecen a flipar con sus cuadros.

Ya explicamos en otro artículo todas las bases filosóficas y la evolción de su pintura; hoy nos dedicaremos a un aspecto clave de su obra, LA SINESTESIA

(Improvisación)

La idea no ea nueva y era ya un tópico en la pintura y literatura decimonónica (desde Delacroix a Gauguin o Cezanne en la pintura; Baudelaire o Rimbaud en la literatura).

Parte de una idea sencilla: intercambiar los sentidos a la hora de percibir y, así, tocar los colores o, como es el caso más habitual, escuchar la pintura.

De esta forma el color es una nota; el cuadro una melodía.

La composición ya no obedece a la realidad sino a lo que él llamaba una necesidad interna, la de expresar una sensación abstracta, como hace la música.

Si queréis comprender mejor esto que os digo probar a hacer el siguiente experimento.

Intentad hacer dos cuadros abstractos, sin tema. El primero tiene que realizarse oyendo las Cuatro Estaciones de Vivaldi (o cualquier música clásica, o chill out, Mar). El segundo tiene ser (Laura), cogiendo música heavy o bacalao.

Mientras hacéis ambos cuadros intentad no pensar; dejaros llevar por la música. Cuando terminéis observarlos y compararlos. Ya veréis las diferencias. (Por cierto AYUDA, si alguno de vosotros se atreviese a hacer este experimento, me lo podíais mandar por email y yo republicaría este artículo con estas obras. Así todos lo podrían comprender mejor. Yo os prometo que, si no queréis, no pongo vuestro nombre ni os analizo vuestra personalidad)

 

Mar (Vivaldi)

 Laura. (Heavy)

 Aurora. Vivaldi

Llegados a este punto las cosas, supongo, que estarán más claras.

El arte no tiene que copiar la realidad, tiene que interpretar el mundo de forma subjetiva y personal. Esto es lo que pretendía el propio Kandinsky, tan influido por la teosofía, buscar lo espiritual en el arte, título que dio a un libro básico en arte moderno. En él fue recogiendo las investigaciones sobre el color y la forma y su forma de percepción por el espectador. Así unió colores y sonidos e instrumentos musicales. (el rojo como trompetas, amarillo como un clarín agudo, el verde como violines, el azul como flauta dulce o violoncelo). Luego haría lo mismo en Sobre punto y línea, pensando sobre estos aspectos dentro de un cuadro abstracto.

Fijaros en este magnífico vídeo de Artechachi y lo «veréis» mejor

Con todas estas investigaciones fue progresando en el arte hasta llegar a cuadros completamente abstractos que llamó Composiciones. En una primera etapa, la que corresponde al cuadro que os muestro al final, las formas y los colores eran orgánicos, sin apenas geometría, hecho de una forma libre, sólo jugando con ellos y sus relaciones hasta conseguir obras musicales

 

Fijaros ahora en el cuadro. Fijaros y miradlo despacio, andando por él. Kandinsky pretendía que los cuadros fuera paseables, que el espectador no los pudiera ver de un solo vistazo, sino que pudiera caminar por sus colores y sus formas como se hace con una música por la que vamos andando, corriendo o casi nos quedamos parados según vaya desarrollándose su melodía. En cada uno de los estados se irán encontrando distintos estados de ánimo, sensaciones, emociones ya vividas. Toda una excursión por vuestro interior. Si lo intentas, Cris, despacio, con fondo musical suave, seguro que lo consigues.

Veréis un gran óvalo de distintos colores calidos (amarillos y rojos) que girará lentamente hacia la derecha. Un óvalo que se va llenando poco a poco de cosas, con manchas verdes y rojas, que cada vez actuará más como un embudo, pues seguro que ese profundo azul del fondo os irá atrayendo cada vez más (¿No os recuerda nada este color? Exacto, se parece mucho al de YVES KLEIN)

Sin embargo, este azul tiene varias salidas visuales, y si buscáis veréis líneas que llegan a él desde el exterior del cuadro. Son como puentes. Salidas hacia el exterior para iniciar el proceso.

En cada vuelta que vayáis haciendo os iréis encontrando nuevos colores y líneas o grupos de líneas que no habíais visto antes. Son como pequeños instrumentos dentro de una gran orquesta, pequeños sonidos que irán completando el gran fondo musical del cuadro, dominado por la voz grave pero dulce del azul del fondo.

Evidentemente esto es una cuestión puramente personal, pero a mi me recuerda mucho el adagio de la 5º Sinfonía de Malher, una pieza bellísima en la que dan ganas de quedarse a vivir para siempre… Seguro que si lo pensáis, vosotros podréis llegar a conclusiones personales.

Y ahora que ya sabéis (no hace falta que comprendáis del todo, simplemente que tengáis una sensación del cuadro), ¿por qué no entráis en la página que os decía antes y buscáis los comentarios que ha hecho la gente?

http://ludovanguardia.blogspot.com/2008/03/nacimiento-del-cosmos.html

Tal vez vosotros también podáis hacer uno personal, comentando, poniendo en palabras, vuestras sensaciones. También podríais volveros a leer el artículo del cuadro azul de Klein ; le sacaréis más partido ahora, seguro.

Como veis este sí que es un artículo interactivo. Y más lo será si me mandáis vuestros dibujos o comentarios. Intentadlo. Os abrirá un mundo nuevo

Para saber más

http://mundoarte.portalmundos.com/la-sinestesia-musical

2 marzo 2021

Análisis y comentario del Grito. Munch

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:00

SDELBIOMBO – 30 DE ENERO DE 2014 – 08:45 – SIGLO XX HASTA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Obra de 1893 realizada por Eduard Munch. Museo de Estocolmo.

Tema. El cuadro nos presenta a un personaje en primer plano en actitud angustiosa. Tanto el entorno (marítimo) como la perspectiva acelerada no tienden a crear un marco realista al personaje, sino por el contrario, potencian su actitud desesperada y trágica. Podríamos decir que, en realidad, el tema es la propia expresión de un sentimiento de angustia.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con una aplicación violenta del color.

Composición. La figura principal se encuentra en primer término y centrada. Sin embargo, tanto la barandilla como las curvas del fondo (así como su postura ondulada), nos dan un fuerte dinamismo a toda la escena.

Línea. Hay una fuerte contraposición entre las líneas rectas (diagonales) de la zona izquierda y las ondulaciones constantes de la derecha. Tanto unas como otras dinamizan la representación, haciendo moverse al ojo constantemente por toda la superficie del lienzo.

Color. Existe, de nuevo, una contraposición entre las gamas cálidas y frías que contrastan entre sí. Tantos unos como otros son por completo antinaturalistas, sin ningún contacto con la realidad.

Luz. Antinaturalista, sin un foco determinado ni empleo del claroscuro.

Perspectiva. Gracias a las diagonales y las líneas onduladas (así como por la diferencia de tamaño entre las figuras) se tiene una fuerte sensación de espacio que nos lleva desde el primer plano hasta el fondo sin puntos intermedios, comunicando así figura con fondo y creando un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena, llevándonos con movimientos rápidos de un lugar a otro. (Perspectiva acelerada).

Figuras. Sobre todo la del primer término está deformada a través de constantes curvas, dándole un aspecto de llama. Por otra parte, se prescinde de todo tipo de detalles, siendo muy esquemática la realización de la cara o manos.

COMENTARIO.

Nos encontramos con una de las obras maestras del expresionismo, pues no en vano se considera a su autor como uno de los padres de esta tendencia.

Como es bien visible, el objetivo del pintor no es recrear la realidad, sino utilizarla para expresar un sentimiento de angustia y soledad. Es por tanto, una obra en donde prima lo expresivo sobre lo narrativo, siendo aquellos aspectos más negativos del hombre o la sociedad los que más atraen al pintor, prisionero de una biografía terrible, como ya vimos aquí

Para conseguir la comunicación del sentimiento Munch recurre a todo tipo de aspectos formales que creen inquietud en el espectador. De esta manera opone rectas a curvas o colores cálidos a otros fríos, creando un fuerte contraste entre ellos. Igualmente, la perspectiva acelerada hace que la visión no pueda centrarse en un solo punto y vaya moviéndose por diagonales y curvas que generan un movimiento tenso y compulsivo, semejante a la agitación interior que sufre el personaje.

De esta manera, el exterior se deforma, como si su angustia se comunicara hacia el paisaje que, con sus colores arbitrarios, nos refleja, más que un entorno, un estado de ánimo.

Monje a las orillas del mar. Friedrich

Toda esta forma subjetiva y profundamente pesimista de entender el mundo que comienza en el mundo romántico (véase la Balsa de la Medusa o los retratos de locos de Delacroix, la Visión de la Naturaleza de Friedrich, como el Monje a la orilla del mar, o el mundo terrible y claustrofóbico de las Carceri de Piranesi), se mantiene en prerrafaelistas y simbolistas para reaparecer en autores contemporáneos (como el propio Van Gogh, con características formales y temáticas semejantes)

Olivos en los Alpilles. Van Gohg

Su obra será uno de los puntos de arranque desde el que se desarrollen la obra de otros autores (El Puente, Ensor, Kokoschka) hasta llegar a sus manifestaciones más radicales en el expresionismo abstracto posterior a la II Guerra Mundial o Bacon.

Existe, con iguales premisas, una arquitectura expresionista

Por cierto, se especula que ese cielo de potentes rojos fuera la enorme candilada que generaron las cenizas del volcán Krakatoa

29 noviembre 2020

LA SIMBOLOGÍA NAZI

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:03

SDELBIOMBO – 31 DE MARZO DE 2014 – 17:45 – ICONOGRAFÍA

Tomado de El oro de los dioses

Como ya veíamos en otra ocasiónlos fascismos (como el comunismo desde Stalin) utilizaron la publicidad (iniciada de forma masiva en los felices 20como una forma de propaganda masiva, llegando a unos límites que pocas veces se han vuelto a superar.

Dentro de este campo tuvieron especial cuidado en la creación de símbolos (logos los llamaríamos ahora) tan potentes que aún nosotros los conocemos, como si fueran una marca de zapatillas.

En esta creación se tomaron varias fuentes, tanto de la antigüedad como del pasado nacional, copiando incluso algunas, como el famoso saludo brazo en alto que el nazismo tomó del fascismo (y éste, directamente del mundo del Imperio Romano)

Tomado de manuelruiznelo.blogspot.com.es

El símbolo más conocido de todos será la esvástica, curiosamente de origen hindú (alrededor del siglo V a C) y extendido por múltiples culturas (budista, griega, romana…), y siempre entendido como símbolo de buena suerte, salud, bienestar…  que Hitler reconvirtió en el símbolo de la raza aria (aunque ya había sido utilizado en la república de Weimar por organizaciones ultranacionalistas)

Esvástica del románico, Siglo XII

Otros símbolos típicos del nazismo fueron las runas (de lejanos orígenes célticos que él concebía como el tronco común de la raza aria), en especial la sigel (S), que repetida, crearía el símbolo de las SS

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/S%C3%ADmbolos_nazis

La 3ª Panzerdivision SS Totenkopf  (que alistaba sus hombres entre los guardias de los ampos de concentración) generaron esta imagen, demasiado evidente para ser comentada

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Totenkopf

Otros símbolos son de origen prusiano (acordaros, la nación que lideró la unificación alemana) como  el águila imperial (que deriva realmente del Sacro Imperio Germánico medieval

Tomado de http://www.monografias.com/trabajos14/esvastica/esvastica.shtml

la cruz de hierro. Una cruz patada de orígenes antiquísimos ya utilizada por los egipcios

Tomado de http://www.taringa.net/posts/info/11480296/Simbologia-nazi-y-fascista.html

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TODOS NUESTROS POST SOBRE LOS FASCISMOS

18 noviembre 2020

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA. DALÍ.( Análisis y comentario)

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 19:11

SDELBIOMBO – 29 DE ABRIL DE 2013 – 16:29 – DADA Y SURREALISMO

Tomado de  entre imagen y palabra

Óleo de 1931 realizado por Dalí. M.O.M.A. Nueva York.

Tema. Sobre la visión de un paisaje de la Costa Brava (Cadaqués), tan habitual en la obra del pintor, Dalí nos muestra las formas de unos relojes que han perdido su habitual tacto duro para volverse blandos (de aquí que también se conozca esta obra como Relojes blandos), con un cierto carácter orgánico.

            Dichos relojes se apoyan en distintos objetos (un tronco seco, una mesa) de los que destaca un volumen informe que vagamente (por las pestañas) nos puede recordar un rostro humano. (Método crítico-paranoico o doble imagen).

            En la zona izquierda aparece un nuevo reloj lleno de hormigas.

            En general, aunque la presentación sea realista en sus técnicas, tanto la relación de los objetos como su cambio de cualidades físicas, nos están remitiendo a una imagen por completo incongruente y fuera de la lógica, fruto del inconsciente, que nos provoca extrañeza y sentimientos contradictorios que la larga planicie solitaria sólo acentúan aún más.

            Técnica. Óleo sobre lienzo, como es habitual en el pintor.

            Composición. Se encuentra bastante equilibrada, con el motivo central unido a los otros relojes a través de un triángulo que se compensa, en la zona derecha, con las rocas que cierran el fondo.

            El dibujo es, pese al tema, sumamente correcto y bastante detallado, lo cual produce un mayor contraste con lo incongruente de la representación. De la misma manera color y luz se tratan a la manera tradicional, jugando con los fríos de los relojes que se destacan sobre el fondo cálido realizado a través de tonos terrosos.

            La luz, de atardecer, se proyecta desde la izquierda, haciendo proyectar sombras a los objetos.

            La perspectiva también responde a las maneras tradicionales del punto de fuga y la pérdida de definición de los contornos según nos alejamos. El pintor ha elegido un punto más elevado con lo cual consigue realzar los objetos del primer plano a la vez que se alarga la fuga visual hacia el paisaje.

COMENTARIO.

            Dalí utiliza en esta obra su famoso método crítico-paranoico con el que pretendía fotografiar los sueños. Como buen surrealista, su objetivo era el de sacar a la luz las visiones extrañas que se producen el subconsciente, siguiendo ideas de Freud.

            Para ello recurre a una técnica inspirada en los clásicos de los que era un gran conocedor (Rafael, Vermeer, Velázquez). De aquí que nos encontremos con un dibujo correcto (en zonas sumamente detallista), así como un uso de la luz y la perspectiva que nos provoca el aspecto tridimensional y real de la escena, como un cuadro clásico.

            Sobre esta base técnica (en nada revolucionaria) proyecta una temática de raíz surrealista en donde son habituales las asociaciones insólitas (los relojes tirados en una playa), el gusto por los temas escatológicos considerados de mal gusto (los insectos, la idea de putrefacción o la de mutilación), utilización de lo monstruoso o el tratamiento del paisaje con luces rasantes, perspectivas profundas y sombras alargadas que le dan un carácter onírico, de escenario de sueños, con el tiempo detenido y fuera de la experiencia real.

          Con todo esto pretende seguir las ideas expresadas por Bretón en su manifiesto surrealista, mostrando todos aquellos temas que la razón, el buen gusto o las convenciones sociales no dejan salir al exterior, siendo, en este punto, una postura revolucionaria y en gran parte provocadora que apela, más que a la razón, a los sentimientos, o mejor aún, a los puros instintos que aparecen aquí reflejados para que el espectador se enfrente con ellos, asomándose a su propio abismo.

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