Palios

16 enero 2019

Baldung Grien. Luces y sombras

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:00

Baldung Grien, discípulo de Durero, nos presenta en estas dos obras del Prado la dualidad de nuestro mundo, sus paraísos y sus infiernos.

Posiblemente pensadas casi como un díptico desarrollan un tema muy querido por el autor, el juego entre vida y muerte, entre belleza y deterioro, entre mitología y pura realidad que, en el fondo, no son otra cosa que el reflejo de un mundo en crisis, desgarrado por las guerras religiosas que, usando el nombre de Dios, siembran de muerte y calamidades toda la Europa septentrional.

Una versión alemana (tan dibujística, tan llena de anécdota y detalles, tan poco dada a la belleza idealizada) del drama manierista que inicia Miguel Ángel y que podemos experimentar comparando simplemente sus piedades en donde pasamos de la armonía total a la total desesperación.

En el primero de ellos se nos presenta a las Tres Gracias, símbolo de la Armonía (como ya vimos en el cuadro de la Primavera de Boticelli), con la representación de las artes (literatura y música) y el amor (amorcillos).

Es la Edad de la Inocencia  anterior al pecado, una edad de oro que, sin embargo….

Se acompaña de las tres edades del hombre, desde la niñez hasta la vejez pasando por la edad madura. En ellas se nos recuerda el tempus fugit que terminará con la muerte, representada (como era habitual desde la baja Edad Media) por un esqueleto con guadaña y el reloj de arena.

Tras ellos está el paisaje desolado del que ha dejado la vida, tan sólo con una única mota de esperanza: un Cristo crucificado junto al sol.

La lechuza inferior nos hablaría del ¿pecado? ¿de la necesidad de sabiduría?

En ambos cuadros encontramos la herencia del dibujo de Durero (aunque en un sentido mucho más duro, tal vez vinculado a su oficio de grabador que da más importancia a los perfiles que a los volúmenes, con un escaso interés por el color) y un progresivo manierismo en las anatomías (que aún se estilizan más por el formato elegido, muy vertical y estrecho) y ese gusto por enredar los personajes por medio de gestos y paños.

Anuncios

14 enero 2019

Cacerías en el castillo de Torgau. CRANACH EL VIEJO

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:48

Tomado de wikipedia

Paisaje, castillo y caza como símbolos de poder y prestigio. Este el verdadero argumento de la serie de cuadros que Cranach el Viejo pintó para el Juan Federico, elector de Sajonia.

En el fondo hablamos de territorio controlado (paisaje), lugar de gobernanza (castillo) y ejercicio de la violencia (caza) como formas de dominación y control, ergo, de poder.

Las múltiples escenas se suceden como una gran coreografía , como si los ciervos fueran sus siervos (en realidad nos encontramos más con una ideología feudal que con verdadero estado moderno). Un engranaje hecho de soldados que obedecen a un señor y transmiten algo más que una pura cacería: un control sobre el territorio, sobre los propios habitantes de él.

Entre medias el paisaje como un signo de riqueza, la que proporcionan sus bosques y arterías fluviales para el comercio, los puentes para las comunicaciones pero también para la defensa, la caza, el ejército depredador.

Para unificar todos estos significantes Cranach utiliza una técnica que se se hará habitual en los cuadros de batalla. Un doble punto de vista que permite la visión caballera para el primer término (con un punto de vista alto que permite alarga el horizonte para así poder llenarlo de múltiples escenas, tal y como había desarrollado el Bosco o Patinir en muchos de sus cuadros), que se combina con otro punto de vista (más bajo que el horizonte) para representar el castillo, que centra toda la escena y adquiere una mayor monumentalidad gracias al punto bajo. En él se cierra la perspectiva, haciendo un eco del primer plano, en donde ballesteros (en el mismo punto de vista bajo) abren la narración.

Cacería en honor de Carlos V

Para combinar tal mezcolanza Cranach acude a trucos ya experimentados en la Italia Renacentista, creando franjas oscuras y claras que se alternan, como propugnada el propio Leonardo da Vinci, pantallas como los setos sobre los que se recortan los personajes del primer término o grandes manchas blancas del agua que sirven de fondo a las luchas de perros y venados. De esta manera, la obra se convierte así en un constante juego entre luces que se continúa en la parte superior (ya de forma más calmada) hasta parar en la mayestética inmovilidad del castillo.

Y junto a esta luz, el poder de la línea, una característica de lo septentrional que se complace en cada uno de los detalles como si estuvieran vistos por separado y luego unidos (frente a la verdadera unificación italiana que, en vez de los sentidos, parte de la idea y olvida a Aristóteles en favor de Platón, como podemos ver en Rafael, Miguel Ángel o cualquier otro italiano del Renacimiento).

Rafael. Escuela de Atenas

Una línea que aún debe mucho al gótico internacional con sus arabescos que ahora se convierten en pequeñas zonas de dramatismo (como los ciervos en el agua, sus cornamentas como árboles secos).

Se produce así (en la unión de ambos efectos de luz y línea) una imagen decenas de veces multiplicada en pequeñas escenas que se estabiliza, se vuelve hierática, en el rigor compositivo del paisaje. Algo que nos permite ir de lo anecdótico a lo múltiple, de lo estático al profundo dinamismo del detalle.

Compárese esta obra con dos del Renacimiento (la primera del Quatrocento, la segunda del Cinquecento) en donde se desarrolla el mismo simbolismo del poder sobre el territorio y se verán claramente todas estas diferencias ya ya apuntadas.

Federico de Montefeltro. Piero della Francesca

Tiziano. Carlos V

 

 

7 enero 2019

Patinir. El paso de la laguna Estigia

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:16

Poco sabemos de este pintor hasta su llegada a Amberes en donde se afiliara a la gilda de pintores.
Lo hizo junto a Gerard David que suponemos su maestro y del que tomará tanto la delicadeza de la luz como la importancia creciente del paisaje en el se insertan las figuras convirtiéndole en el primer gran paisajista moderno.
Pues ya no se trata de ventanas abiertas que por las que entra el Mundo mundo sino la propia naturaleza en todo su esplendor que se puebla de diminutas figuras, muchas de ellas realizadas por sus ayudantes
En estas composiciones es posible ver la huella del Bosco que ya había planteado inmensos espacios naturales con horizonte muy alto lo que permitía mayor espacio.
Pero lo que para el Bosco era un simple medio, la recreación de un gran escenario que llenar con sus cientos de personajes inquietantes, para Patinir es el fin, convirtiendo a la naturaleza en la gran protagonista.

Este paisaje se elabora por medio de una luz extrordinariamente cristalina que le emparenta con David, Weyden y Eyck.

Una luz que matiza los colores en función de la lejanía que alcanza su grado mas alto en el borde del cielo, allí donde se une con la Tierra, lleno de tonos blanquecinos que a muchos críticos les han hecho pensar en la esfericidad de la tierra, con un paisaje escondido tras él que la curva de la tierra oculta al espectador
.
Todas estas novedades no nos pueden hacer olvidar el fuerte carácter moralizante del cuadro, tan habitual en la época, aunque de nuevo con sus propias peculiaridades, como la entremezclar la mitología clásica (extraída de la Eneida de Virgilio y el Infierno de Dante) con la religión.

Nos aparece así Caronte en su barca y el propio cancerbero en la laguna Estigia tal y como imaginaban los clásicos que enterraban a sus muertos con una moneda en la boca como óbolo para el barquero.


Sin embargo el Hades o los Campos Elisios han desaparecido y en vez de ellos se encuentran el tradicional infierno (tan del Bosco) y el Cielo, como si aquel concordatio clasico que Rafael estaba realizando en las Stanze se trasplantara en el mismo norte de Europa.


Pero aun mas. La propia localización de la barca de Caronte nos habla del libre albedrio un tema central en todo el debate teológico abierto por la reforma protestante.
¿Qué camino elegir? ¿El amplio y venturoso que sin embargo nos lleva a los castigos del infierno? O por el contrario, ¿ese río estrecho y tortuoso como la vida de Cristo que a la postre nos llevara a la fuente de la vida y la salvación?
La decisión está en el propio hombre, como argumenta el protestantismo quedando la iglesia (tan importante en el catolicismo) relegada a ese pequeño ángel sobre el promontorio que nos avisa del peligro.


Se trata de una visión contraria a la que nos propone el papado en esos mismos momentos a través de Rafael en sus Stanze en donde la iglesia es el único camino frente a la libertad humana de este cuadro.

La Disputa del Sacramento. Estancias Vaticanas

Por cierto, ¿veis las rocas del lado izquierdo? Casi funcionan como una firma privada del autor que las repetirá incansablemente en sus cuadros. Posiblemente se trata de una síntesis de algunos de los paisajes infantiles del pintor: «rocher Bayard» en las orillas del Mosa, en Dinant; la «roche-a-Chandelle» en las proximidades de Furfooz.

Sodoma y Gomorra. Patinir

 

Imágenes tomadas de wikipedia

3 enero 2019

SANTOS NEREO Y AQUILINO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:30

Cristoforo Roncalli, Santa Domitila y los santos Nereo y Aquileo

Tomada de wikipedia

En las proximidades de las Termas de Caracalla, junto al inicio de la Via Appia Antica se encuentra esta basílica (posiblemente del siglo V), con varias zonas subterráneas aún no excavadas que se reformará en el siglo XV.

Tomadas de wikipedia

La leyenda habla de dos eunucos cubicularii (ayudas de cámara) ​de la noble dama Flavia Domitila, emparentada con Domiciano  y cortejada por un noble patricio.

Rubens. Chiesa Nuova. Roma

Ella (aconsejada por los dos eunucos)  intenta conservar su virginidad, siendo exiliada a una isla y más tarde torturada y muerta (y ellos con su ama)

Frescos de Pomarancio encargados por Baronio

                                                                    Tomadas de wikipedia

 

 

ÍNDICES DE SANTOS

.

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

19 diciembre 2018

DOMINE QUO VADIS

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:22

Tomado de wikipedia

Una de las mejores realizaciones de este tema la crea Annibale Carracci.

En ella, San Pedro, tras el enfrentamiento con Simón el Mago, es liberado e intenta salir de Roma.

Traspasada la muralla aureliana, Cristo con su cruz se le aparece.

Pedro le pregunta:

-Domine: ¿Quo Vadis? (Maestro, ¿dónde vas?)

– A que me crucifiquen de nuevo.

Ante estas palabras, Pedro comprende su debilidad y regresa a Roma en donde será de nuevo crucificado (cabeza abajo).

En la zona en donde ocurrió la aparición se construyó en el siglo IX  la iglesia homónima (intensamente reformada en el tardobarroco).

En ella se encuentran las huellas de dos pies que la tradición atribuye a Cristo aunque sea muy probable de que se tratara de un voto pagano al dios a Rediculus , el “Dios del Retorno” romano, al que se encomendaban los viajeros en sus periplos por Oriente.

 

La frase dio nombre a la famosa novela de Henryk Sienkiewicz luego llevada al cine (hay un busto del escritor en la iglesia)

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

17 diciembre 2018

SEJMET. LA DIOSA DE LA GUERRA Y LA VENGANZA EGIPCIA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:20

Hija de Ra, esposa de Ptah y madre de Nefernum, forma parte de la triada de Menfis.

Para muchos lugares de Egipto, se trata del “reverso tenebroso” de la diosa Hator cuando esta se enfurecía, convirtiéndose en leona con melena.

Vinculada a ella se encuentra la guerra, la venganza, siendo la creadora del desierto con su aliento, aunque también representaría la pasión amorosa que engendra vida.

Sin embargo estaba íntimamente vinculada a la familia real por lo que suele portar el ureus o el disco solar, proporcionándola el vigor, la fuerza o la resistencia a la enfermedad que le permitiera vencer a sus enemigos.

En sus templos (en los que podían aparecer leones verdaderos amaestrados) solían aparecer múltiples representaciones de la diosa, pues cada día se utilizaba una diferente para realizar ofrendas que calmaran su ira.

Incluso se realizaban festivales religiosos (Festival de la Embriaguez) en donde se bailaba al son de tambores y se bebía vino sin medida, recordando la historia de la propia diosa que es mandada por Ra para aniquilar a los hombres y que recuerdan a ciertas ideas de los ritos dionisiacos

10 diciembre 2018

LECTURAS ICONOGRÁFICAS DE LA PRIMAVERA DE BOTTICELLI

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:58

La cultura humanista de finales del siglo XV se volvió sumamente sofisticada, especialmente en el ámbito de los Medici en donde la academia neoplatónica comandada por Ficino marcó nuevas pautas para entender el mundo (y a la que tan cercana se encontró Botticelli)

Desde un punto mitológico nos encontramos en el Jardín de las Hespérides y (derecha) Céfiro rapta a la ninfa Cloris, primero de forma violenta, luego locamente enamorado por ella. De su amor surge Flora (vestido floreado) que ya se puede ver en la boca de Cloris de la que surge una flor.

En el centro se encuentra Venus y Cupido (el amor), las Tres Gracias y Mercurio, el mensajero de los dioses que aparta las nubes con su caduceo y representa la razón humana que puede elevarse hasta la divinidad.

Filosóficamente,   Gombrich habla del amor en sus distintas formas, desde el carnal e irracional de Céfiro, el que produce la belleza y la armonía en las Tres Gracias, a la perfección del amor (el llamado platónico) de Mercurio, lleno de divinidad. Es el paso de la acción al reposo y la contemplación de Mercurio con un paso intermedio, el baile armónico y compensado (tanto en lo estético como en lo simbólico, pues la gracias son la unión de la castidad, la voluptuosidad y la belleza, es decir, los tres prototipos de mujer: la virgen, la esposa y la amante)

Existía también una clave mucho más contemporánea que unía la narración mitológica con los hechos y personajes del momento: Caterina Sforza (derecha) y Simonetta Vespucci (al centro), amante del comitente de la obra Giuliano de Medici (Mercurio, izquierda)

Horst Bredekamp habla de un cuadro político: una alegoría de la Península Itálica: Flora (Florentia), Mercurio (Milán), Cupido (Roma), las Tres Gracias (Pisa, Nápoles y Genova), la ninfa Maya (Mantua) y Venus (Venecia).

Incluso (Chastel) habla de un profundo conciliato típico del antropocentrismo cristiano del Neoplatonismo, y si el Nacimiento de Venus también sería el Bautismo de Cristo, la Primavera se referiría a la Anunciación (Venus parecería embarazada y representaría las dos naturalezas de la mujer, la mortal y la divina, como tiene el amor en la mitología clásica) que crea un nuevo mundo y nos permitirá la entrada al paraíso.

Las teorías no acaban aquí y se ha hablado (derivado de unos versos de Poliziano) la representación de los 8 meses de año (menos los del invierno, considerados nefastos) y, por ende, del paso del tiempo entendido como algo cíclico

 

 

3 diciembre 2018

VERDAD Y MENTIRA EN DOS CUADROS DE VELÁZQUEZ

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:56

Tomado de wikipedia

Durante su primer viaje a Italia, según Palomino, en Roma, el joven Velázquez realizó dos obras que ya le habrían valido para ingresar en el Olimpo de los grandes pintores: la Fragua de Vulcano y la Túnica de José

Tomado de wikipedia

En ellas se encuentran resumidas todas las apresuradas lecciones que había recibido durante el periplo, desde los espacios de Tintorretto a los escorzos de Miguel Ángel, las citas a la estatuaria clásica vistas en el Vaticano (Apolo de Belvedere) o las lecciones extraidas de las pinturas de historia de Guercino o Guido Reni.

Pero junto a todo esto, Velázquez comprendió y ensayó magistralmente otra cuestión, la verdadera esencia de la gran pintura de historia que había llegado a su plenitud con los Carracci y seguidores.

Como en ella, por primera vez en su obra, Velázquez pretende desarrollar un discurso mudo (Fernando Marías), una narración que se desarrollaba por medio de las emociones de los personajes. (Los famosos affetti barrocos, los estados de ánimo que se han de representar a través del gesto y servir para la lectura literaria y emocional de las imágenes de historia, como bien habían comprendido Caravaggio, Bernini o los Carracci)

Sin embargo, el maestro no quiso quedarse así, y a la vez que asimilaba toda una tradición la hacía avanzar velozmente hacia nuevos caminos.

Pues sus historias se encontraban incompletas, al ocultar parte de la historia.

Tomado de wikipedia

En la Fragua elimina así la escena de los dos adúlteros (Venus y Marte) que en ese mismo momento se encontraban prisioneros de una red colgada de un árbol, visibles ante todo el Olimpo. Al eliminarla, el espectador debe ser lo suficientemente ilustrado para comprender las caras de asombro e ira de Vulcano (el amante engañado) y sus colaboradores ante la revelación que hace de la infidelidad que porta Apolo.

En la Túnica (acaso posterior), aún había ido más lejos.

Tomado de wikipedia

Los hermanos de José muestran ante su padre la túnica ensangrentada de su hermano para dolor de los asistentes.

De nuevo es un mensaje oral, una noticia y sus consecuencias emocionales, el meollo de la obra, aunque con diferencias, pues, como es conocido, José no había muerto por un ataque de lobos, sino vendido por sus propios hermanos a unos comerciantes egipcios, celosos del amor que le tenía su padre Jacob.

Sólo un pequeño perrillo se da cuenta del engaño, ladrando a los hermanos compungidos.

Posiblemente ambas obras fueran ideadas para su contemplación conjunta (ahora imposible, pues una se encuentra en el Prado y la otra en el Escorial) y, conociendo el carácter intelectual del pintor que siempre fue un punto más allá de los temas tradicionales, tal vez se tratara de una reflexión barroca sobre la verdad y mentira que los distintos emisores pueden general en sus receptores, toda una lección moral, perfecta para un cortesano (como ya era Velázquez) que se debe enfrentar a verdades cambiantes y engaños continuos, debiendo discernir entre ellos

 

VELÁZQUEZ BÁSICO

28 noviembre 2018

LOS CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (3) EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS SANTOS

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:54

Decapitación del Bautista

Aunque la santidad fue una constante en la historia del catolicismo (y su plasmación artística) existirán dos periodos especialmente importantes en el desarrollo de su iconografía y su expansión: el mundo gótico y el de la Contrarreforma.

Santa Catalina. 1480

A partir de mediados del siglo XII asistimos a una verdadera inflación del santoral que invadirá los ámbitos religiosos, tanto públicos como el de las capillas privadas.

Las causas de este crecimiento hay que buscarlas en la progresiva importancia que va teniendo el individuo en la sociedad bajo medieval y la creación y expansión de órdenes que utilizan a sus fundadores y miembros santificados como verdaderos emblemas publicitarios.

Giotto, Muerte de San Francisco, uno de los nuevos santos que rápidamente alcanza una inusitada popularidad

Pues a través de los santos se potencia al hombre común que puede ver en ellos modelos (humanos como él) de comportamiento y salvación, acercándose a la religión (como ocurría en el caso de la Virgen) a través de la empatía y los sentimientos.

Dalmau, Virgen dels Consellers

Los donantes se acompañan por sus distintos santos como intercesores ante la divinidad (siendo la Virgen una intercesora superior) que representa perfectamente esta búsqueda de acercamiento de la divinidad (en este caso por personas interpuestas), recordando los modelos tomistas de conocimiento de lo divino

De la misma manera, las cada vez mayores corporaciones, gremios, hermandades…. utilizaban a la figura del santo como una forma de individualización, tal como más tarde harán las distintas monarquías (como vimos en el caso de San Jorge).

Huguet

La religión rompe su monolitismo cristológico (tan habitual en el mundo románico) y se diversifica, adecuándose a las más variadas situaciones, pues cada santo se vinculará a ciertas enfermedades o peligros concretos, oficios, ocupaciones, aspectos sociales…

San Roque (derecha), protector contra la peste

Tanto como causa como efecto, algunas recopilaciones de vidas de santos surgen en este contexto, retomando los menologios bizantinos.

San Vicente. Jaime Huguet

El “bet seller” de la época será la Leyenda Dorada de Jacopo de la Voragine, que refundirá tradiciones, leyendas y escritos anteriores para crear todo un catálogo de vidas de santos (180) que se convertirá en una obra básica para fijar la iconografía básica de los mismos que sólo tras el Concilio de Trento conocerá una cierta “limpieza” de los episodios más legendarios.

San Martín

26 noviembre 2018

ARCÁNGEL SAN MIGUEL (2) PSICOPOMPO

Filed under: ANGEOLOGÍA, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:38

Como en tantas ocasiones, el cristianismo reconvirtió imágenes paganas resignificándolas en iconografías de la nueva religión.

Como ya vimos aquí, el origen de San Miguel psicopompo era egipcio, recogiendo al Anubis que con su balanza pesaba el corazón del muerto

A esta simbología se unió (también) la de mensajero y portador de las almas al Otro Mundo del Mercurio romano

Virgen de la Peña (Sepúlveda)

Vezelay

Sin olvidar su carácter guerrero, teniendo que luchar en muchas ocasiones con el demonio que quiere hacer trampas con los platillos para cobrarse el alma

Santa Fe de Conques

Derivado de esta función se crean capillas altas en los monasterios (primeros carolingios y luego benedictinos) que habría que entenderlas como lugares de conexión con el Otro Mundo

Capilla San Miguel. San Pere de Rodes

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE EL ARCÁNGEL SAN MIGUEL

« Newer PostsOlder Posts »

Crea un blog o un sitio web gratuitos con WordPress.com.