Palios

13 febrero 2019

LA RENDICIÓN DE BREDA. SIGNIFICADO Y SIMBOLISMO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:18

 Actualmente en el Prado, las Lanzas o, como se conocía en la época, la Rendición de Breda, guarda muchos secretos que vamos a intentar ir contando.

Tomado de wikipedia.org

El primero es su tema. Mucha gente conocerá que se trata de la conmemoración de la batalla de Breda, agosto de 1624, en Flandes, en la primera parte (victoriosa) de las Guerra de los Treinta Años iniciada por el Conde Duque de Olivares.

Lo que a veces no se conoce es que el cuadro no estaba pensado para verse aislado sino dentro de todo un conjunto que, organizado por el propio Velázquez, adornaría el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

Se trataba de una gran estancia rectangular en donde se condensaba toda la imagen triunfal de la monarquía de Felipe IV. Esto se realizaba por medio de una docena de grandes cuadros que narraban las victorias de Felipe el cuarto, pintados por los más prestigiosos pintores de la época: Maíno (La toma de Bahía de la que ya se habló hace unos meses), Zurbarán, Leonardo Jusepe, Cajés, Pereda (autor de conocidas vanitas)…

Recreación virtual del Salón de Reinos

Tomado de Algargos

Sobre ellos se colocarían los cuadros (mucho más pequeños) de las hazañas de Hércules pintados por Zurbarán, pues era idea común en la época vincular los orígenes de la monarquía austriaca con Hércules como fundador.

Recreación virtual del Salón de Reinos

Tomado de Algargos

Sobre ellos, ya muy cerca del  techo, se encontraban los escudos de todos los reinos del rey de España, mientras que junto a las puertas de entrada, los retratos ecuestres (estos también obra de Velázquez) del rey, la reina (Isabel de Borbón) y el entonces sucesor (Baltasar Carlos)

Pero existe una cosa más sobre el tema. Si os fijáis Velázquez no pintó verdaderamente la batalla (sólo se ven las nubes de polvo al fondo), sino su final: la entrega de las llaves. En ella existe una cuestión curiosa, pues se trata de demostrar, más que la victoria, la gallardía y el honor español, pues observad que Spínola no deja que Nassau (el que entrega las llaves) se llegue a arrodillar (como era normal), pues era el vencedor pero sin arrogancia (nosotros le llamamos ahora a eso fair play).

Tomado de wikipedia.org

Pero aún más, resulta que el tema tal y como lo hemos contado no fue idea de Velázquez sino que se tomó de una obra teatral de Calderón de la Barca (El sitio de Breda),  representada en el propio Coliseo del Buen Retiro, lo que era muy habitual en la época, en donde teatro y pintura iban de la mano.

JUSTINO.— Aquestas las llaves son
de la fuerza, y libremente
hago protesta en tus manos
que no hay amor que me fuerce
a entregarla, pues tuviera
por menos dolor la muerte.
Aquesto no ha sido trato,
sino fortuna, que vuelve
en polvo las monarquías
más altivas y excelentes.
ESPÍNOLA.— Justino, yo las recibo,
y conozco que valiente
sois; que el valor del vencido
hace famoso al que vence. Y en el nombre de Filipo
Cuarto, que por siglos reine,
con más victorias que nunca,
tan dichoso como siempre,
tomo aquesta posesión.
DON GONZALO.— Dulces instrumentos [suenan.
DON LUIS.— Ya el Sargento en la muralla
las armas de España tiende.
SARGENTO.— Oíd, soldados, oíd,
Españoles y otras gentes,
¡Bredá por el Rey de España!

Pedro Calderón de la Barca
El sitio de Bredá, I, 139

Por cierto, resulta curiosa esta estrofa

Aquesto no ha sido trato,
sino fortuna, que vuelve
en polvo las monarquías
más altivas y excelentes

Pues nos vuelve a hablar de un tema central, especialmente en el último Velázquez, acerca del destino y el infortunio que ya analizamos a propósito de Esopo, Menipo y Marte pensativo

Ya tienes aquí la segunda parte que se ocupa de las cuestiones técnicas del cuadro

Anuncios

11 febrero 2019

ALEGORÍA DE LA AGRICULTURA, ASTRONOMÍA Y ARQUITECTURA. DOMENICHINO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:17

Encargada al propio artista en aquellos momentos residente en Roma (1625) por el cardenal Maurizio de Savoia para su Academia de los Desiosi (“Anhelantes”) con el objeto de crear vínculos (tan típicos en el periodo tardorenacentista) entre las ciencias y las artes, disciplinas que se estudiaban y debatían en dicha academia.

Su estilo (acaso por proposición del propio comitente, amante de la pintura de Guido Reni y del Guercino), pierde una parte de su academicismo habitual (compárese con su ciclo sobre santa Cecilia) para acercarse a una pintura mucho más veneciana en sus entonaciones, paisaje y culto a una belleza más carnal de la habitual.

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE DOMENICHINO

28 enero 2019

NOLI ME TANGERE. CORREGGIO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:56

Pocas obras tan sutiles como esta pequeña pieza que atesora el Museo del Prado, realmente poco frecuentada para la calidad que atesora.

El tema (Noli me tangere) ya lo analizamos aquí con mayor extensión, en donde se sigue el modelo de Cristo como hortelano opuesto a la Magdalena como cortesana (por lo demás rubia, como corresponde a la sensibilidad veneciana)

Ya la composición nos lo anuncia todo: una fuerte diagonal que se inicia en Magdalena  y continúa en Cristo para detenerse por completo en la gran vertical del árbol. En ella son tanto los gestos (los brazos y manos especialmente, como más tarde reutilizará Bernini) como miradas las que establecen todo el movimiento que realiza una fuerte conexión compositiva pero también emocional (una especie de péndulo entre las miradas verdaderamente asombroso)

Las figuras adoptan posturas dinámicas derivadas de formas serpentinatas (Correggio acaba de realizar su viaje a Roma, en donde está conociendo las obras de Rafael y Miguel Ángel), ya sea en el zigzag de la figura femenina como en la torsión continua del cuerpo de Cristo que se inicia en unos pies apoyados de una forma inestable, casi como un paso de ballet.

A todo ello Correggio añade su pincelada sutil y el gusto por el colorismo, mucho más cercano a lo veneciano que se aleja de las formas florentinas para conectar con una forma de entender la pintura de una manera sensitiva.

Esto es especialmente relevante en el gran espacio que ocupa el paisaje en donde verdes y azules se van degradando en la distancia y nos están recordando las fórmulas iniciadas por Giorgione y llevadas a su culminación por Tiziano que crean un verdadero sentimiento de humedad que rodea a los personajes, suavizando sus contornos

Iconográficamente, el cuadro mantiene toda la tradición del tema (“No me toques”, la dice Cristo ya resucitado a Magdalena, pues él ya pertenece al reino del espíritu, como nos dice su mano alzada hacia el cielo).

Pero a él, Correggio nos habla de algo más, de las diferencias entre lo divino y lo humano (algo fundamental para la estética barroca). El pintor juega con el amor terrenal (el que siente Magdalena, con su gesto encendido y vehemente que se amplifica por medio del constante zigzag de su postura y movimientos nervioso de las telas de su falda) y el divino de Cristo (idealizado y contenido).

Nos habla de lo material, pegado al suelo sin remedio pese a su intensidad, y de lo espiritual, que apenas toca el suelo con sus pies y se eleva como una llama a través de la suave forma serpentinata y se escapa hacia arriba en el gesto de su brazo alzado.

Entre ambos mundos sólo existe esa mirada de la que hablábamos. Una mirada que casi tiene consistencia en sí misma. Algo capaz de unir dos conceptos tan radicalmente irreconciliables. Una mirada ¿de amor?, al menos de profundo sentimiento humano que une cielo y tierra por medio de la emoción.

Su fuerte intensidad sólo es frenada por los gestos de las manos que niegan e impiden el acercamiento final de las dos figuras, creándose así una fuerte tensión (erótico-espiritual) que será muy habitual en el barroco (y especialmente en el tema de la Magdalena, como ya vimos aquí)

 

CORREGGIO. FOTOGALERÍA ENLAZADA

 

Imágenes tomadas de wikipedia

21 enero 2019

LA ALEGORÍA DE LOS CINCO SENTIDOS. Jan BRUEGHEL el Viejo.

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:21

Alegoría de la vista

Realizados  por Brueghel (y con la colaboración de Rubens para las figuras) para los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, gobernadores de los Países Bajos (su palacio aparece una y otra vez representado en las obras)

Alegoría del oído

Constan de cinco tablas dedicadas a los cinco sentidos que repiten el mismo modelo: un amplia habitación atiborrada de objetos que hacen alusión al sentido. Entre ellos aparece una ninfa (o Venus) acompañada por un putto.

Su composición juega con espacios centrales frente a otros de perspectiva escorzada, planteando siempre un diálogo entre espacios interiores y exteriores que tienen un tour de force en las decenas de cuadros y tapices que cuelgan en sus paredes y multiplican el espacio en mil sentidos, como un gran espejo roto

Alegoría del olfato

Su origen hay que buscarlo en los Gabinetes de maravillas del manierismo en donde los mecenas del final del renacimiento coleccionaban los más variopintos objetos (muebles, pinturas, conchas como los famosos nautilus que protegían contra los venenos, autómatas, animales disecados, piedras extrañas…)  bajo múltiples ópticas (pues tanto se buscaba lo monstruoso y diferente, lo que se denominaba entonces bizarro, como lo más exquisito o  lo científico)

Alegoría del gusto

Su interpretación es, como siempre en el barroco, paradójica.

Por una parte es una verdadera celebración del mundo material y los sentidos que sirven al hombre para conocerlo (el barroco es un arte polisensorial que apela a todos los sentidos para su propaganda a través de estas enumeraciones o de las formas sinestésicas, como ya hemos visto en numerosas ocasiones: el gusto en los bodegones holandeses, el tacto de sus texturas, la música que aparece en sus obras y formaba parte del ambiente cortesano, la propia cenestesia)

Alegoría del tacto

Paralelamente, los cuadros están llenos de advertencias sobre los mismos sentidos y son, en el fondo, un memento mori que avisa al espectador de la fugacidad de esta vida (desde las flores que a veces aparecen marchitas, el dolor y la muerte de algunos cuadros y objetos

 

 Imágenes tomadas de wikipedia

16 enero 2019

Baldung Grien. Luces y sombras

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:00

Baldung Grien, discípulo de Durero, nos presenta en estas dos obras del Prado la dualidad de nuestro mundo, sus paraísos y sus infiernos.

Posiblemente pensadas casi como un díptico desarrollan un tema muy querido por el autor, el juego entre vida y muerte, entre belleza y deterioro, entre mitología y pura realidad que, en el fondo, no son otra cosa que el reflejo de un mundo en crisis, desgarrado por las guerras religiosas que, usando el nombre de Dios, siembran de muerte y calamidades toda la Europa septentrional.

Una versión alemana (tan dibujística, tan llena de anécdota y detalles, tan poco dada a la belleza idealizada) del drama manierista que inicia Miguel Ángel y que podemos experimentar comparando simplemente sus piedades en donde pasamos de la armonía total a la total desesperación.

En el primero de ellos se nos presenta a las Tres Gracias, símbolo de la Armonía (como ya vimos en el cuadro de la Primavera de Boticelli), con la representación de las artes (literatura y música) y el amor (amorcillos).

Es la Edad de la Inocencia  anterior al pecado, una edad de oro que, sin embargo….

Se acompaña de las tres edades del hombre, desde la niñez hasta la vejez pasando por la edad madura. En ellas se nos recuerda el tempus fugit que terminará con la muerte, representada (como era habitual desde la baja Edad Media) por un esqueleto con guadaña y el reloj de arena.

Tras ellos está el paisaje desolado del que ha dejado la vida, tan sólo con una única mota de esperanza: un Cristo crucificado junto al sol.

La lechuza inferior nos hablaría del ¿pecado? ¿de la necesidad de sabiduría?

En ambos cuadros encontramos la herencia del dibujo de Durero (aunque en un sentido mucho más duro, tal vez vinculado a su oficio de grabador que da más importancia a los perfiles que a los volúmenes, con un escaso interés por el color) y un progresivo manierismo en las anatomías (que aún se estilizan más por el formato elegido, muy vertical y estrecho) y ese gusto por enredar los personajes por medio de gestos y paños.

14 enero 2019

Cacerías en el castillo de Torgau. CRANACH EL VIEJO

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:48

Tomado de wikipedia

Paisaje, castillo y caza como símbolos de poder y prestigio. Este el verdadero argumento de la serie de cuadros que Cranach el Viejo pintó para el Juan Federico, elector de Sajonia.

En el fondo hablamos de territorio controlado (paisaje), lugar de gobernanza (castillo) y ejercicio de la violencia (caza) como formas de dominación y control, ergo, de poder.

Las múltiples escenas se suceden como una gran coreografía , como si los ciervos fueran sus siervos (en realidad nos encontramos más con una ideología feudal que con verdadero estado moderno). Un engranaje hecho de soldados que obedecen a un señor y transmiten algo más que una pura cacería: un control sobre el territorio, sobre los propios habitantes de él.

Entre medias el paisaje como un signo de riqueza, la que proporcionan sus bosques y arterías fluviales para el comercio, los puentes para las comunicaciones pero también para la defensa, la caza, el ejército depredador.

Para unificar todos estos significantes Cranach utiliza una técnica que se se hará habitual en los cuadros de batalla. Un doble punto de vista que permite la visión caballera para el primer término (con un punto de vista alto que permite alarga el horizonte para así poder llenarlo de múltiples escenas, tal y como había desarrollado el Bosco o Patinir en muchos de sus cuadros), que se combina con otro punto de vista (más bajo que el horizonte) para representar el castillo, que centra toda la escena y adquiere una mayor monumentalidad gracias al punto bajo. En él se cierra la perspectiva, haciendo un eco del primer plano, en donde ballesteros (en el mismo punto de vista bajo) abren la narración.

Cacería en honor de Carlos V

Para combinar tal mezcolanza Cranach acude a trucos ya experimentados en la Italia Renacentista, creando franjas oscuras y claras que se alternan, como propugnada el propio Leonardo da Vinci, pantallas como los setos sobre los que se recortan los personajes del primer término o grandes manchas blancas del agua que sirven de fondo a las luchas de perros y venados. De esta manera, la obra se convierte así en un constante juego entre luces que se continúa en la parte superior (ya de forma más calmada) hasta parar en la mayestética inmovilidad del castillo.

Y junto a esta luz, el poder de la línea, una característica de lo septentrional que se complace en cada uno de los detalles como si estuvieran vistos por separado y luego unidos (frente a la verdadera unificación italiana que, en vez de los sentidos, parte de la idea y olvida a Aristóteles en favor de Platón, como podemos ver en Rafael, Miguel Ángel o cualquier otro italiano del Renacimiento).

Rafael. Escuela de Atenas

Una línea que aún debe mucho al gótico internacional con sus arabescos que ahora se convierten en pequeñas zonas de dramatismo (como los ciervos en el agua, sus cornamentas como árboles secos).

Se produce así (en la unión de ambos efectos de luz y línea) una imagen decenas de veces multiplicada en pequeñas escenas que se estabiliza, se vuelve hierática, en el rigor compositivo del paisaje. Algo que nos permite ir de lo anecdótico a lo múltiple, de lo estático al profundo dinamismo del detalle.

Compárese esta obra con dos del Renacimiento (la primera del Quatrocento, la segunda del Cinquecento) en donde se desarrolla el mismo simbolismo del poder sobre el territorio y se verán claramente todas estas diferencias ya ya apuntadas.

Federico de Montefeltro. Piero della Francesca

Tiziano. Carlos V

 

 

7 enero 2019

Patinir. El paso de la laguna Estigia

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:16

Poco sabemos de este pintor hasta su llegada a Amberes en donde se afiliara a la gilda de pintores.
Lo hizo junto a Gerard David que suponemos su maestro y del que tomará tanto la delicadeza de la luz como la importancia creciente del paisaje en el se insertan las figuras convirtiéndole en el primer gran paisajista moderno.
Pues ya no se trata de ventanas abiertas que por las que entra el Mundo mundo sino la propia naturaleza en todo su esplendor que se puebla de diminutas figuras, muchas de ellas realizadas por sus ayudantes
En estas composiciones es posible ver la huella del Bosco que ya había planteado inmensos espacios naturales con horizonte muy alto lo que permitía mayor espacio.
Pero lo que para el Bosco era un simple medio, la recreación de un gran escenario que llenar con sus cientos de personajes inquietantes, para Patinir es el fin, convirtiendo a la naturaleza en la gran protagonista.

Este paisaje se elabora por medio de una luz extrordinariamente cristalina que le emparenta con David, Weyden y Eyck.

Una luz que matiza los colores en función de la lejanía que alcanza su grado mas alto en el borde del cielo, allí donde se une con la Tierra, lleno de tonos blanquecinos que a muchos críticos les han hecho pensar en la esfericidad de la tierra, con un paisaje escondido tras él que la curva de la tierra oculta al espectador
.
Todas estas novedades no nos pueden hacer olvidar el fuerte carácter moralizante del cuadro, tan habitual en la época, aunque de nuevo con sus propias peculiaridades, como la entremezclar la mitología clásica (extraída de la Eneida de Virgilio y el Infierno de Dante) con la religión.

Nos aparece así Caronte en su barca y el propio cancerbero en la laguna Estigia tal y como imaginaban los clásicos que enterraban a sus muertos con una moneda en la boca como óbolo para el barquero.


Sin embargo el Hades o los Campos Elisios han desaparecido y en vez de ellos se encuentran el tradicional infierno (tan del Bosco) y el Cielo, como si aquel concordatio clasico que Rafael estaba realizando en las Stanze se trasplantara en el mismo norte de Europa.


Pero aun mas. La propia localización de la barca de Caronte nos habla del libre albedrio un tema central en todo el debate teológico abierto por la reforma protestante.
¿Qué camino elegir? ¿El amplio y venturoso que sin embargo nos lleva a los castigos del infierno? O por el contrario, ¿ese río estrecho y tortuoso como la vida de Cristo que a la postre nos llevara a la fuente de la vida y la salvación?
La decisión está en el propio hombre, como argumenta el protestantismo quedando la iglesia (tan importante en el catolicismo) relegada a ese pequeño ángel sobre el promontorio que nos avisa del peligro.


Se trata de una visión contraria a la que nos propone el papado en esos mismos momentos a través de Rafael en sus Stanze en donde la iglesia es el único camino frente a la libertad humana de este cuadro.

La Disputa del Sacramento. Estancias Vaticanas

Por cierto, ¿veis las rocas del lado izquierdo? Casi funcionan como una firma privada del autor que las repetirá incansablemente en sus cuadros. Posiblemente se trata de una síntesis de algunos de los paisajes infantiles del pintor: «rocher Bayard» en las orillas del Mosa, en Dinant; la «roche-a-Chandelle» en las proximidades de Furfooz.

Sodoma y Gomorra. Patinir

 

Imágenes tomadas de wikipedia

3 enero 2019

SANTOS NEREO Y AQUILINO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:30

Cristoforo Roncalli, Santa Domitila y los santos Nereo y Aquileo

Tomada de wikipedia

En las proximidades de las Termas de Caracalla, junto al inicio de la Via Appia Antica se encuentra esta basílica (posiblemente del siglo V), con varias zonas subterráneas aún no excavadas que se reformará en el siglo XV.

Tomadas de wikipedia

La leyenda habla de dos eunucos cubicularii (ayudas de cámara) ​de la noble dama Flavia Domitila, emparentada con Domiciano  y cortejada por un noble patricio.

Rubens. Chiesa Nuova. Roma

Ella (aconsejada por los dos eunucos)  intenta conservar su virginidad, siendo exiliada a una isla y más tarde torturada y muerta (y ellos con su ama)

Frescos de Pomarancio encargados por Baronio

                                                                    Tomadas de wikipedia

 

 

ÍNDICES DE SANTOS

.

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

19 diciembre 2018

DOMINE QUO VADIS

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:22

Tomado de wikipedia

Una de las mejores realizaciones de este tema la crea Annibale Carracci.

En ella, San Pedro, tras el enfrentamiento con Simón el Mago, es liberado e intenta salir de Roma.

Traspasada la muralla aureliana, Cristo con su cruz se le aparece.

Pedro le pregunta:

-Domine: ¿Quo Vadis? (Maestro, ¿dónde vas?)

– A que me crucifiquen de nuevo.

Ante estas palabras, Pedro comprende su debilidad y regresa a Roma en donde será de nuevo crucificado (cabeza abajo).

En la zona en donde ocurrió la aparición se construyó en el siglo IX  la iglesia homónima (intensamente reformada en el tardobarroco).

En ella se encuentran las huellas de dos pies que la tradición atribuye a Cristo aunque sea muy probable de que se tratara de un voto pagano al dios a Rediculus , el “Dios del Retorno” romano, al que se encomendaban los viajeros en sus periplos por Oriente.

 

La frase dio nombre a la famosa novela de Henryk Sienkiewicz luego llevada al cine (hay un busto del escritor en la iglesia)

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

17 diciembre 2018

SEJMET. LA DIOSA DE LA GUERRA Y LA VENGANZA EGIPCIA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:20

Hija de Ra, esposa de Ptah y madre de Nefernum, forma parte de la triada de Menfis.

Para muchos lugares de Egipto, se trata del “reverso tenebroso” de la diosa Hator cuando esta se enfurecía, convirtiéndose en leona con melena.

Vinculada a ella se encuentra la guerra, la venganza, siendo la creadora del desierto con su aliento, aunque también representaría la pasión amorosa que engendra vida.

Sin embargo estaba íntimamente vinculada a la familia real por lo que suele portar el ureus o el disco solar, proporcionándola el vigor, la fuerza o la resistencia a la enfermedad que le permitiera vencer a sus enemigos.

En sus templos (en los que podían aparecer leones verdaderos amaestrados) solían aparecer múltiples representaciones de la diosa, pues cada día se utilizaba una diferente para realizar ofrendas que calmaran su ira.

Incluso se realizaban festivales religiosos (Festival de la Embriaguez) en donde se bailaba al son de tambores y se bebía vino sin medida, recordando la historia de la propia diosa que es mandada por Ra para aniquilar a los hombres y que recuerdan a ciertas ideas de los ritos dionisiacos

« Newer PostsOlder Posts »

Blog de WordPress.com.