Palios

15 febrero 2021

CARLOS III. EL MONARCA ILUSTRADO … A RATOS

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SDELBIOMBO – 04 DE DICIEMBRE DE 2008 – 14:07 – SIGLO XVIII. ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO

Carlos III. Goya

Tomado de wikimedia.org

 Siempre que se piensa en Carlos III nos viene a la memoria sus rasgos ilustrados. De hecho, los profesores de historia lo solemos poner como ejemplo de monarca del despotismo ilustrado (todo para el pueblo pero sin el pueblo) que, sin abandonar su poder absoluto, inició novedosas políticas a favor de la población (alcantarillado o iluminación de Madrid), la mejora de la agricultura (desecación de pantanos, creación de regadíos…), industria y comercio (eliminación del monopolio de Cádiz para el comercio con las Indias, mejora de los caminos para el transporte, apoyo a la creación de Sociedades, creación de un banco central, el de San Carlos…). Incluso su política contra la iglesia (expulsión de los jesuitas) era típica de estos monarcas modernos.

 En el propio terreno artístico apostó también por el estilo ilustrado (racional) por excelencia: el Neoclasicismo. Con Mengs como pintor de Cámara y Juan de Villanueva como arquitecto estrella, ideó el gran Salón del Prado en el que se unían los aspectos estéticos con claras referencias a la mitología clásica (fuentes de Cibeles, Apolo o Neptuno) con todo un programa científico (Real Observatorio, Jardín Botánico, Museo de Ciencias que medio siglo después se convertirá en el Museo del PradoHospital de San Carlos que es el actual Museo Reina Sofía…)

Como se puede observar en las siguientes fotos de Villanueva, este estilo neoclásico renunciará al movimiento y decoración barroca, buscando una imagen mucho más solemne y clásica, sin adornos, con la columna clásica convertida en el principal protagonista. Se trata de una vuelta a Grecia y a Roma pero también al Renacimiento (Bramante, Palladio) que además de sus formas sobrias buscan (en sus nuevas funciones ya no religiosas) ser la imagen de los nuevos tiempos iluminados por las luces de la razón.

 Museo del prado. Villanueva

Jardín Botánico. Villanueva

  Sin embargo existe otro Carlos III mucho más tradicional y cercano al rococó. Es el rey privado que no puede evitar sus inclinaciones y pide al gran pintor rococó italiano, Tiépolo, la decoración de las salas interiores del Palacio Real. En ellas los colores pastel (muy suaves), las figuras idealizadas, la luz difuminada son típicos de esta estética rococó que había nacido en Francia y extendido por toda Europa. Un estilo un tanto frívolo, exquisito hasta el extremo que ya se analizó en el artículo dedicado a Felipe V

Decoración interior del palacio real de Madrid por Tiépolo.

 Tomado de wikimedia.org

 De igual manera, Carlos III recogió la tradición rococó napolitana de los belenes (pues él fue rey de Nápoles antes de serlo de España), una representación (otra vez idealizada, sumamente estamental y aristocrática) del mundo que ya hemos analizado aquí.

Belén napolitano

Será incluso durante su reinado cuando la Real Fábrica de Santa Bárbara cambie los temas tradicionales de los tapices (normalmente cacerías) por los que tanto conocemos por la obra de Goya (que empezó a trabajar en la Fábrica durante su reinado).

La gallinita ciega

Estos tapices recrean el mundo feliz y maravilloso de una nobleza que (rizando el rizo) se disfraza de pobre y juega a entretenimientos populares (la cucaña, la gallinita ciega, el pelele), imitando así lo que se hacía en el círculo privado de María Antonieta en París. Unos pobres falsos, que visten los trajes populares (majos), pero no están sucios o requemados por el sol como los pobres verdaderos.

 

El Pelele. Goya. Cartones para tapices.

Tomado de wikimedia.org

Goya.  Baile a la orilla del Manzanares (cartón para tapiz)

Tomado de wikimedia.org

 Pues es todavía el mundo del Antiguo Régimen, de la sociedad estamental que habla de privilegios y de una clase ociosa, elegante y exquisita que no tiene otros problemas verdaderos que el elegir la peluca o el maquillaje cada mañana.

La pradera de San Isidro

Tomada de wikipedia

Si queréis saber más de este mundo y su ideología podéis ver el artículo sobre el paisaje pintoresco

11 febrero 2021

¿CAFÉ O TÉ? FRANÇOIS BOUCHER. El Desayuno

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SDELBIOMBO – 24 DE JULIO DE 2009 – 07:34 – SIGLO XVIII. ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher

Porque la sencillez no está reñida con la belleza. Y si no que se lo digan al autor de este cuadro, el pintor y decorador François Boucher, a quien muchas de sus obras de temática religiosa, mitológica, paisajes y desnudos  sitúan como uno de los mejores representantes del arte que se desarrolla en Francia en torno a los siglos XVII y XVIIIel Rococó.

EL COLUMPIO/ Fragonard

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Fragonard,_The_Swing.jpg

La muerte en 1715 del rey francés Luis XIV, el famoso Roi Soleil, marca un antes y un después en la forma de concebir la pintura, pues a partir de ese momento se encargan pinturas que se correspondan con la intimidad de los palacios, desarrollándose el gusto por lo privado y lo sentimental como ya ocurre en Holanda desde el XVII donde  los retratos, bien individuales o en grupo (doelen), ganan terreno a los hasta entonces frecuentes temas mitológicos.

Boucher. Venus y amor

Así, autores como Watteau, Fragonard o Murillo (en España) contribuyen a dar una visión del mundo muy idealizada, exquisita delicada donde no hay lugar para la tensión, la cual se transforma en armonía, amabilidad y sensualidad en las tan habituales escenas de fiestas palaciegas, campestres  y aventuras amorosas que muestran la vida de la corte.

Diana después del baño. Boucher

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher

Con luz y colores muy suaves que generan un ambiente vaporoso (colores pastel), gestos artificiales que resultan excesivamente afectados y, especialmente en arquitectura, una tendencia al horror vacui (exceso de decoración) en un intento por plasmar todos los objetos de manera refinada y elegante (que en ocasiones roza el límite con lo kistch).

A primera  vista este cuadro de Boucher, donde se aprecia la importancia de lo ornamental, el lujo y el cual muestra a una familia rica burguesa tomando el desayuno, parece ser una réplica de la suya propia (pues este pintor estaba casado y tenía dos hijos que contaban por entonces aproximadamente la misma edad que los niños del cuadro). Sin embargo, tras esa escena tan cotidiana y de apariencia simple se esconden algunas “anécdotas” pues, aunque no en muchas ocasiones nos hallamos detenido a pensar en ello, lo cierto es que el desayuno tal y como lo conocemos hoy en día, procede de la Francia del siglo XVIII con el rey Luis XV que, según cuentan, comenzó a tomar un panecillo acompañado de una bebida caliente, adelantando así el comienzo del día que otros monarcas tenían fijado a eso de las 10, haciéndose además popular gracias a las bebidas calientes como el café, el té y, sobre todo el chocolate que, desde que Ana de Austria (madre de Luis XIV) lo introdujese en la corte, rápidamente se convirtió en una bebida muy apreciada por la aristocracia quedando reservado el café para los trabajadores que lo tomaban antes de comenzar su jornada de trabajo, hábito que, por otra parte, parece haberse mantenido a pesar de los años.

En la escena, los personajes de esta familia adinerada aparecen disfrutando de la deliciosa bebida del momento, servida por el criado (conocido en la Francia del XVIII como un garçon limonadier, en honor a las bebidas que éstos vendían por las calles de París en el momento en que se pusieron de moda las ya mencionadas bebidas calientes) en una jarra que destaca por su forma abombada, que no tenía otra finalidad que la de ayudar a servir y repartir el chocolate sin derramarlo.

Los niños no están ahí por casualidad y, en mi opinión, se podría decir que indirectamente desempeñan un papel de denuncia contra un aspecto muy concreto de la sociedad de entonces. Y es que este cuadro supone “una revolución” en lo que respecta al cuidado de los hijos.

 En él, las mujeres aparecen con una actitud maternal y muy pendientes de los más pequeños de la casa, algo nada habitual en aquella época en la cual había cierta tendencia a la falta de atención hacia los niños, que no eran considerados como personas sino más bien como animales y por ello la educación que tenían que recibir.

 En las mejores familias, los padres se separaban de sus hijos apenas recién nacidos a quienes se enviaba con la nodriza al campo donde ella misma los amamantaba, perdiéndose así los lazos de afecto que algunos historiadores intentan justificar como un mecanismo de defensa de los padres, debido a la alta mortalidad infantil de la época.

Esto no pasó desapercibido a los ojos del filósofo Rousseau quien, en su obra Emilio, trata el tema de la educación de los niños y defiende que las madres amamanten a sus hijos para desarrollar de esa manera los  vínculos y la protección que hoy conocemos.

Los hijos permanecen vinculados a sus padres, el tiempo necesario para su preservación, para ser protegidos, cuando desaparece esa necesidad, ese lazo natural también desaparece.”

Mar San Segundo

8 febrero 2021

EL BELÉN DE SALZILLO

Filed under: belenes — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:00

SDELBIOMBO – 19 DE DICIEMBRE DE 2009 – 09:44 – BELENES

https://turismodemurcia.es/blog/index.php/2018/12/14/el-belen-de-salzillo/

 El belén napolitano lo introducirá en España (siglo XVIII) Salzillo (con familia de ascendencia napolitana, su padre), aunque mezclándolo con una tradición más nacional que emparenta con los belenes monacales. Trabajados en madera (o terracota) tallada (modelada) por entero y policromada y estofada realizará la típica dicotomía de idealización (personajes sagrados)- realismo casi caricaturescos (personajes secundarios) y riqueza de los reyes.

 Aunque tenga ciertos rasgos paisajísticos y de figuras napolitanos, Salzillo apuesta por un belén puramente religioso, en donde los principales misterios secuenciados (al igual que realizará en sus pasos procesionales, siguiendo una didáctica de lo religioso puramente tridentina). Se aleja así al aspecto profano y sociológico del presepi napolitano para centrar su atención en el hecho religioso al que se subordinan las figuras secundarias (en las que sí pueden aparecer la vida cotidiana, como los ciegos, pastores, lectura del romance…). Estos episodios recrean todo el ciclo de la infancia (recogiendo muchos datos de los evangelios apócrifos): Anunciación, Sueño de José, Negación de la posada, Visitación, Nacimiento (con especial importancia de los ángeles que acompañan en el portal debida a la importancia que estaba teniendo la nueva advocación del ángel de la guardia), Epifanía (que se puede doblar, con el viaje de los reyes y la adoración propiamente dicha), Presentación en el Templo, Huida a Egipto, Matanza de los Inocentes y la Infancia de Jesús.

 Realizará también numerosísimos animales (de un gran realismo, a excepción de unos camellos, totalmente naif) y arquitecturas tanto al modo rococó (ruinas) como contemporáneas a su siglo y lugar.

Todo su estilo se instala en un rococó muy personal de gestos dulces pero expresivos, paños trabajados en diminutos pliegues, enorme importancia del lenguaje corporal (extraído de sus esculturas de pasos procesionales).

 Escena

Tomado de http://lealtad42.blogspot.com/2006_12_01_archive.html

Su belén más conocido (y completo) es el encargado por Jesualdo Riquelme, con más de 900 figuras, y en la actualidad instalado en el Museo Salzillo de Murcia. Para su realización debió contar con su taller, siguiendo su labor tras su muerte (Matanza de los Inocentes de Roque López)

En Madrid existen algunas figuras suyas que se utilizan para el belén de San Antón

Vicente Camarasa

15 abril 2020

Iglesia de San Juan el Real. Calatayud

Filed under: ARAGÓN — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 7:43

Antigua iglesia de los jesuitas del siglo XVII (con una espectacular cúpula sobre pechinas, torre mudéjar y espléndida portada) que fue redecorada en el XVIII con yeserías  (en el presbiterio) y mobiliario (en los armario de órgano) rococó.

Resultan especialmente famosas las pinturas de los cuatro evangelistas de la pechinas, realizados por Goya como pintura muy temprana (anterior al primer viaje a Italia, coetánea a su segundo intento en el concurso anual convocado por la Real Academia de Bellas Artes

Realizadas sobre una estructura de madera, resultan poderosas figuras creadas a través del claroscuro y el color que llenan el espacio y se proyectan hacia el exterior.

En todo ello vemos a un Goya aún barroco, sin los toques rococós que serán típicos pocos años después (Basílica del Pilar)

 

DE TURISMO POR CALATAYUD

23 enero 2020

IGLESIA DOS LOIOS. ÉVORA

Filed under: General, PORTUGAL — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:04

Entre el palacio de los duques de Cadaval y el Convento dos Lóios (actual Pousada) se encuentra esta iglesia que fuera capilla privada y panteón familiar de su fundador Rodrigo Afonso de Melo, conde de Olivença (1485)

Su portada gótica

Tras ella encontramos un interior de nave única y esbeltas bóvedas de crucería en donde destaca uno de los conjuntos de azulejos más impresionantes de Portugal.

Realizados en 1711 por António de Oliveira Bernades narran episodios de la vida de São Lourenço Justiniano, patriarca de Venecia y fundador de la orden de San Eloy (Lóios).

 

DE TURISMO POR ÉVORA

8 octubre 2019

DOS IGLESIAS GEMELAS EN LISBOA. ENCARNACIÓN Y LORETO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:11

Loreto

En la plaza Luis de Camoens, inicio del largo del Chiado se realizaron (en los siglos XVI y XVIII) una típica intervención barroca (al modo de la realizada en la plaza de San Carlos de Turín), reformando dos grandes iglesias que, enfrentadas, daban creaban una entrada triunfal al barrio.

Encarnación

El terremoto de Lisboa las destrozó por completo, siendo reconstruidas en formas tardorococó y neoclásicas (tan habituales en la ciudad, como ya vimos en San Antonio)

Loreto

En ambas encontramos grandiosas fachadas de poderosos elementos (más aún la de la Encarnación) que nos ocultan interiores que, partiendo de la nave salón, crean grandes espacios diáfanos de inspiración neoclásica, reservando la decoración rococó (rocallas, los tradicionales frontones mixtilíneos, mármoles polícromos) para sus muros

Encarnación

Sus autores fueron Manuel Caetano de Sousa para la Encarnación y José Costa y Siva para Loreto

 

DE TURISMO POR LISBOA

9 abril 2018

LA DIVINA PASTORA

Filed under: advocaciones marianas — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:31

   Convento de Capuchinos (Sevilla) en donde verá la luz la nueva advocación

Aunque existieran referencias anteriores a María como pastora ( Juan el Geometra, San Juan de Dios, San Pedro de Alcántara, María Jsús de Ágreda…) la verdadera invención de esta iconografía la creará el sacerdote capuchino fray Isidoro de Sevilla, que dará instrucciones precisas a Miguel de Tovar para su creación

Óleo de Tovar realizado bajo sus instrucciones

“Píntase pues este prodigio de la gracia, esta Imagen milagrosa, con la mayor hermosura, que el pincel le puede dar, en un monte, o valle, entre árboles, y plantas, sitio propio de los Pastores, sentada en una peña, rodeada toda de Ovejitas, que a cada una tiene en la boca una Rosa hermosísima: y es significación de las Ave Marías, que le ofrecen, quando su Santísima Corona o se la rezan, o se la cantan: y en su correspondencia tiene la Imagen en la izquierda mano también una rosa, dando a entender, que va recibiendo las que sus Ovejitas le ofrecen. La mano derecha la tiene puesta con gran cariño sobre la cabeza de un Cordero, que representa a su Santísimo Hijo, Cordero, que vio San Juan en su Apocalypsi, a quien seguían muchos otros. El trage, que viste esta portentosa Imagen, es una túnica talar, ceñida por la cintura, y sobre ella un pellico, que cubriendo el pecho, y la espalda, como los Pastores lo visten, baxa un poco de la cintura (…)

Esta es la Imagen verdadera de MARIA Santísima como Pastora, que fundándose en la Sagrada Escriptura, y en la authoridad de muchos Santos Padres, sacó a luz la afectuosa devoción de los Capuchinos de Andalucía el año de 1703. Y es la primera, que con este referido místico trage se ha pintado en el Mundo, y ya en casi todo el Orbe se venera introducida. Y esta aprobada por N. Santísimo Padre Clemente Undécimo, cuya Beatitud ha concedido a su Hermandad, las Indulgencias, que se conceden a las Hermandades más célebres del Orbe

Tomados de latribuna.org

Posiblemente su primera expresión escultórica la realizara Ruiz Gijón para Santa Marina, así como otras, como la de Cantillana.

Tomado de wikipedia

Esta iconografía dieciochesca tuvo, desde el principio, un éxito extraordinario que habría que explicar por su perfecta adecuación al espíritu e ideología del momento.

Enmarcada en el gusto rococó que se desarrolla en el siglo, todos sus aditamentos son perfectos para la representación de lo exquisito y delicado

Montes de Oca. Iglesia de San Antonio de Padua

El pelo natural, los pendientes, la elegante pamela cuajada de flores o las ricas (y vivas) vestiduras están en perfecta conexión con el nuevo gusto rococó que se acerca a lo aristocrático que perfectamente podríamos comparar con los cartones de Goya, las nobles francesas de Watteau , Fragonard o Boucher o con la representación de los Niños (y sus características ovejitas) que practicara ya Murillo (avanzando esta estética en pleno siglo XVII).

Un refinamiento cortesano que pasa al ámbito de lo religioso (como es habitual en este siglo, cada vez más laico) y se presenta al pueblo como una gran dama que a la vez es bella y cercana.

Gabriel de Astorga. Divina Pastora. Triana

Aún más, casi habría de hablar de iconografías profanas clásicas (como Flora) que hablan del resurgir de la primavera, algo perfectamente comprensible para el espíritu andaluz en donde muerte y vida se unen constantemente y se celebra la muerte con una intensidad que, pocos días después, se convertirá en bailes (aunque recordemos que, propiamente, la Feria aparecerá a mediados del siglo XIX).

Divina Pastora Santa Marina. Ruiz Gijón

Y sobre este esquema que, en el fondo, le hablaba al pueblo de verdades que ha mucho tiempo conocían, se encuentra la nueva valoración que hace el siglo de la Naturaleza como lugar idílico que tanto puede servirle a una reina (Maria Antonieta) para realizar fiestas como a un filósofo (Rousseau) para meditar sobre el orden político.

Un paisaje pintoresco , sin tragedia que, llegando a lo meridional, explota como una primavera eterna

Divina Pastora de Capuchinos

De esta manera belleza y Naturaleza se unen y se ofrecen al pueblo llano en imágenes que generan adhesión a través de su belleza idealizada, el culto a la Primavera como un estado de ánimo y la riqueza que convierte a la Virgen a una princesa que habita una verdadera Arcadia feliz

Divina Pastora coronada por la Trinidad en el paso de palio de los Gitanos

 

 

31 enero 2018

CRISTO RECOGIENDO LAS VESTIDURAS. SALVADOR CARMONA

Filed under: castilla león, Imagineros, Jueves Santo — Etiquetas: , , , , — vicentecamarasa @ 9:42

Es la obra mayor de la Semana Santa salmantina y una de las maestras del escultor

En ella se observa el típico carácter impuro del imaginero.

Por una parte vemos su clara filiación a los modelos del gran barroco, en especial a las fisonomías de Gregorio Fernández y su gusto por las anatomías de rasgos nerviosos, suavemente estilizadas, y las laceraciones de la Pasión (sólo hace falta compararlo con su Ecce Homo del Museo Diocesano)

Junto a ello, en una mezcla casi imposible, Salvador Carmona no renuncia a la estética rococó presente en la postura que consigue convertir el fuerte escorzo en un verdadero paso de ballet, suave y elegante, que dibuja danzantes perfiles en zigzag en las visiones laterales.

La imagen procesiona por un hermosísimo itinerario el jueves santo (Aquí ya pusimos un vídeo de su salida procesional)

 

SALVADOR CARMONA. FOTOGALERÍA ENLAZADA

3 julio 2017

IGLESIA DE NUESTRA SEÑORA DE LA CALLE, PALENCIA

Filed under: advocaciones marianas, castilla león — Etiquetas: , , , , — vicentecamarasa @ 15:57

La arquitectura es todo un ejemplo (doble) de arte contrarreformista que une el Gesú (estructura de la portada, plano interior) y el despojado estilo escurialense (que sustituye la columna por la pilastra y simplifica todos los elementos arquitectónicos a su máxima pureza geométrica).

En su interior destaca un monumental retablo cercano ya a las formas rococós (aunque matizado por su falta de estofados).

Fue realizado por Pedro Bahamonde en el siglo XVIII, y en él se nos muestran los principales representantes de la orden:  san Ignacio de Loyola, el cual preside el ático, san Francisco Javier y san Estanislao Kotska.

En el tabernáculo inferior se muestra la diminuta imagen de la Virgen de la Calle antaño venerada en una ermita junto a la iglesia de San Bernardo, una talla de 41 cm fechada en el siglo XV

 

5 junio 2017

SANTA CATALINA. PALERMO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:17

Al exterior vemos la típica fachada renacentista tardía basada en el Gesú con sus aletones y sus pilastras pareadas que rompen el módulo, aunque de una forma muy plana (frente a los modelos romanos).

De la misma manera, su planta también nos habla de gustos retardatarios para la fecha, con una nave única con profundas capillas laterales y testero plano, escasamente articulados, y gran cúpula en el transepto corto

Realmente, no son estos aspectos los que hacen relevante esta iglesia, sino su posterior redecoración tardobarroca, verdaderamente espectacular.

Como ocurre en el mediodía hispano (pienso en algunas iglesias sevillanas, granadinas o cordobesas), en tránsito hacia una peculiar versión del rococó, Santa Caterina reinterpreta la nueva sensibilidad religiosa de finales del XVIII sin recurrir a las tradicionales rocallas.

Es, más bien, una evolución de técnicas tradicionales (especialmente las taraceas y los trabajos de yeserías) que llenan de color y finura todos los rincones de la gran sala hasta reconvertirla en un mundo de ensueño, sin posibilidad alguna para la tragedia.

Por el contrario. El espacio se vuelve una verdadera labor de pequeños motivos entretejidos por el que resbala la luz y la mirada del espectador, incapaz de poder pararse en un punto concreto, deambulando suavemente por las superficies en donde la decoración aporta ingravidez, anulando las masas.

Fijémosnos simplemente en el altar de Santa Catalina.

Su altar es un juego de formas cóncavas y convexas lejanamente borrominesco al que se añaden columnas salomónicas.

En torno suyo la pared se llena de yeserías y taraceas con motivos de pequeño tamaño en donde se combinan roleos, pequeños bustos, volutas … hasta convertir el espacio en un lugar saturado de formas formas en donde la mirada obligatoriamente ha de mecerse sin parar (aunque también, sin ningún tipo de sufrimiento)

En su centro aparece una escultura renacentista de la santa creada por Antonello Gagini  por 1534

Los techos, siguiendo la tradición barroca, son decorados por fresquistas, siendo especialmente interesantes los realizados por Filippo Randazzo

Imagen tomada de panormus.es

La iglesia es todo un espectáculo de las llamadas artes menores, especialmente las yeserías y las taraceas de piedras duras, con miles de detalles curvilíneos y coloreados

 

DE TURISMO POR PALERMO

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