Palios

14 marzo 2022

KLIMT Y LO FEMENINO (una aproximación)

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:14

Ya comentábamos en un artículo anterior la complejidad (y modernidad) de la imagen de la mujer tiene en la obra de Klint.

A propósito de ella he encontrado un fantástico artículo

GUSTAV KLIMT Y LILITH: LA REPRESENTACIÓN DE LA NEW WOMAN COMO
FEMME FATALE. Melania Soler Moratón

He extraído algunos fragmentos de él que os pueden resultan interesantes para profundizar en las ideas de la mujer fatal, ese ambigua imagen de lo femenino que oscila sin cesar entre el deseo y el miedo, entre la admiración y el rechazo.

Este es el sentido que el artista da a sus nuevas mujeres, en ellas
encarna la mujer moderna que abandona el concepto tradicional de mujer estatua
que hasta ahora había caracterizado la pintura vienesa. A la misma vez observamos
una polarización de la figura femenina hacia dos polos totalmente opuestos: por un
lado la representación de Magna Mater y por otro el de femme fatale

Con su arte Klimt busca, según G. Fliedl, la feminidad masculina del hombre, lo que en
este final de siglo se denominó “revolución de la feminización masculina”, por la que
no trata de transformar al hombre en mujer sino reclamar lo femenino- la
sensibilidad, pasión y ahora el poder- para sí mismos. Al mismo tiempo que esta
feminización masculina , según el mismo autor, se produce una masculinidad
femenina

Con todo ello vemos cómo Klimt crea en su imaginario femenino, ya sea de forma
consciente o no, la idea que el hombre poseía de la mujer, una imagen de miedo y
atracción basada en el ser salvaje que causa ansiedad y al que se desea dominar.
El artista recrea en estas femmes tentaculaires los miedos y mitos que encumbran a
la mujer como reina de su pintura, pero con esta recreación lo misterioso que hay en
ella, su independencia, queda destruida como algo que puede comprenderse y por
lo tanto dominarse

En esta esfera más allá de lo real el hombre no es indispensable para la mujer ya que ella encarna el “Eros portador de la muerte” , la mujer será aquella que pueda satisfacer los deseos más
intrínsecos del hombre pero también aquella que pueda dominarlo a través de ellos y
destruirlo.

La melena de la mujer adquirió, a lo largo del siglo XIX y principios del siglo XX, una importancia clave ya
que simbolizó la fuerza vital y de atracción sexual que incitaba al hombre. Es en estos años, cuando la Hermandad Prerrafaelita y los simbolistas le otorgan una fuerza irracional, un elemento amenazante con el que la mujer puede subyugar al hombre y llevarlo a la muerte. Klimt hereda esta faceta de estos artistas y lo aplica a sus obras a partir de 1898 – año en el que lo pone de manifiesto en su obra Filosofía desarrollándolo a lo largo de su carrera hasta casi su muerte. El origen de la importancia de la cabellera proviene del mito griego de las Gorgonas, a partir de él se instauró a partir de mediados del siglo XIX- con la Hermandad Prerrafaelita- lo que se denominaría en la historiografía “cabellera medusea” y que adquirida una significación más allá de lo pictórico gracias a las teorías de Freud para quien las
víboras de la Medusa simbolizaban elementos fálicos, la posesión de estos por la mujer simbolizaba la castración del hombre como algo ya no propio únicamente por él. Por lo tanto el terror a la Medusa es el terror del hombre a la castración y sus atributos propiamente masculinos

Imágenes tomadas de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

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8 diciembre 2021

FORTUNY. EL PINTOR DE VARIAS CARAS 4. Su último estilo. Hacia la libertad

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SDELBIOMBO – 19 DE DICIEMBRE DE 2013 – 07:52 – DE MANET A VAN GOGH

A lo largo de varios artículos (aquí puedes encontrar todos los enlaces) hemos ido analizando algunas características y estilos del pintor catalán.

En éste hablaremos de sus últimas obras, realizadas en su retiro del mundo en Portici (junto al Vesubio), en donde el artista inicia una nueva vida y estilo que truncará su temprana muerte.

En él se separará tanto del academicismo de los cuadros de casacón como del orientalismo, iniciando una pintura más libre,personal y valiosa que ya se intuía en su última etapa granadina.

En esta nueva obra será el color y la mancha el gran protagonista, acercándose a la visión mucho más pura y vibrante del impresionismo. (En concreto, esta obra será el arranque de Sorolla).

De la misma forma, aparecerá el japonismo (moda de la época) en sus paredes pintadas en donde forndo y forma se confunden integrando a los personajes en verdaderos torbellinos casi fauvistas (y que ya en el postimpresionismo será habitual, como en la obra de Gauguin).

Consigue así una obra que, sin renunciar virtuosismo, es más del XX que del XIX, limpiada de literatura y volcada a la pura sensorialidad del color.

Imagánes tomadas de http://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Fortuny

2 octubre 2021

CLAUDE MONET. NINFEAS, PAISAJE ACUÁTICO, NUBES

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SDELBIOMBO – 09 DE JUNIO DE 2009 – 14:09 – DE MANET A VAN GOGH

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2012/04/

Tema: Monet no quería contar nada en sus cuadros, sólo  le interesaba la luz; por  lo tanto el tema es antiliterario, es  decir que no tiene ninguna historia para contar, por  eso inició series en distintos horarios del día para tener distintos tonos de luz y sombras para jugar con el mismo objeto. Algunas  de las series realizadas por Monet fueron la catedral de Rouen,las estaciones y las ninfeas . Llegó a hacer una gran cantidad de cada motivo todos ellos con diferentes tonos de luz, más  azules, rojizos,  y con el descubrimiento de la rueda cromática y la mezcla de los colores consiguió mas tonos.

Composición: la composición la forman líneas horizontales creando profundidad transformadas en nenúfares florecidos que están sobre el agua jugando con colores para formar el reflejo del cielo y los alrededores en el agua. Gracias  a los avances científicos ocurridos en esta época Monet consigue nuevos encuadres y técnicas como el picado o contra picado que son planos usados en la fotografía.

Línea y color: las pinceladas ya no suelen ser en esta etapa sueltas sino que las convierte en manchas. Son las pinceladas iniciadas por Velázquez pero llevadas al extremo;en concreto la base del cuadro esta compuesta por grandes manchas con los colores de fondo y después, por encima, ha usado pinceladas muy sueltas, manchas  para dar la forma a los componentes del cuadro e incluso pinceladas abocetadas.En los colores no se encuentra ningún negro pero sí algunos tonos oscuros como verdes y azules que reflejan la naturaleza   ( todos los colores usados para sombras y reflejos no son negros ni grises sino mas colores). 

Luz: la luz es representativa porque la poca que hay se refleja en el agua resaltando a los nenúfares y dando vida al cuadro.

Perspectiva: tiene una perspectiva cónica donde el punto de fuga son los nenúfares que se encuentran en el centro causando profundidad; y creando un plein air

Comentario:

Monet logra captar en sus cuadros la vida, la forma de la naturaleza mientra juega con todos los colores por el cuadro, y todo lo hace pintando sólo lo que ve; duda posee una vista privilegiada ayudada de una memoria gráfica que poseía para acabar sus cuadros.

Este  cuadro de ninfeas, como muchos otros con motivos de nenúfares, los fue realizando en la ultima etapa de su vida en un jardín con un lago y un puente que a veces parecía darle un aire japonés como los famosos jardines de este país. También se encuentra en estos motivos el tema antiliterario buscando la luz en la naturaleza y los planos picados y contrapicados (tuvo  una gran influencia sobre esto al tener un estudio flotante en un bote y  salir a pintar al campo para captar los colores, qué  cada vez va haciendo todo mas complejo en sus pinturas).

A medida que el estilo incomprendido de Monet crecía con el paso del tiempo, pintores como van Gogh, Gauguin o Cezanne comenzaron a realizar cuadros muchos de ellos sin tema alguno, solo jugando con los colores en forma de sinestesia, es  decir como si los colores fueran notas musicales y tuvieran que componer una canción. Todos  estos pintores bohemios fueron desarrollando su estilo propio como puede ser van Gogh que utilizaba sus cuadros para pintar su realidad tenebrosa o Gauguin que quería reencontrarse con la naturaleza de una forma espiritual, o Cezanne que influirá en el cubismo de Picasso pintando formas geométricas en sus cuadros de distintos puntos de vista y encuadre.

Sara Gómez (4º ESO, A, SIES LA POVEDA DE CAMPOREAL)

15 septiembre 2021

SINGER SARGENT. UN REALISTA CON MUCHO PASADO VELAZQUEÑO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 19:02

SDELBIOMBO – 17 DE MARZO DE 2010 – 21:18 – ARTE SIGLO XIX

 Nacido en Florencia, aunque de padres estadounidenses, pasó gran parte de su vida en Europa.

Su vida activa se correspondió con las grandes revoluciones pictóricas de impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas, expresionistas o de las primeras abstracciones.

Sin embargo el pintor se sintió completamente ajeno a ellas y practicó un estilo realista (aunque sin ningún componente crítico) siendo el retrato su actividad favorita.

Con estas características podemos entender cuáles serán sus principales clientes, miembros de la burguesía acomodada que buscaban una representatividad sin ningún tipo de investigación (o problemas) visuales, curiosamente algo parecido a lo que sucediera en la segunda mitad del Quattrocento italiano en donde la burguesía enriquecida renegó un tanto de los grandes maestros investigadores (Ucello, Castagno, Piero Della Francesca) y buscó un estilo menos novedoso pero más dulce (Guirlandaio, Lippi. Perusino…)

Su técnica, sin embargo, está fuera de dudas. Su capacidad para las texturas, la penetración psicológica o el espacio es fantástica y entronca con los grandes clásicos.

Pues la obra de Sangert es un paseo por el gran barroco.

Fijaros así la postura elegante, la suavidad de la luz, la pincelada deshecha que vuelve vaporoso el fondo tomada de Van Dyck

Mrs Hugo Hammersley

O de un lejano discípulo de Van Dyck, Gainsboroughel gran retratista del XVIII ingles

Pauline Astor

Recogió ideas de sus contemporáneos más cercanos, desde Delacroix y sus odaliscas

Almina Daughter

Courbet  (aunque quitándole toda su carga polémica)

E incluso Manet

El Jaleo

Stevenson (inspirado en el Malarmé de Manet)

Haciendo incluso incursiones en los modos simbolistas

Ellen Ferry at Lady Macbeth

Isabella Stewart Gardner

lejanamente impresionistas

Paul Helleu Sketching

Sin embargo su influencia más duradera (y que mejores obras le hizo producir) es la velazqueña.

Robert Louis Stevenson and His Wife (Fijaros en el espacio con su puerta, tan velazqueño, como la alfombra, una réplica de la de Túnica de José, la pincelada suelta)

Ahora tenemos la oportunidad de ver esta influencia en el propio Prado gracias a su obra Las hijas de Edward Darley Boit, inspirada en unas Meninasque copió durante un tiempo en el propio museo (y ante la que se confrontará durante unos días) .

De ellas saldrán muchas posiciones (mirad los pies en compás), la gran percepción del espacio matizado por el claroscuro, los biombos visuales que recortan la escena llena de aire (en los que se encuentra sin decirlo la idea del espacio doble de las Hilanderas), con una solo aparente idea de cotidianeidad (en los gestos) que se desmiente por el enorme trabajo de composición.

Lo que no es velazqueño es el maravilloso tono azul que sirve para armonizar toda la escena o sus maravillosos blancos que rompen la entonación general para actuar como manchas, pozos de luz, que nos hacen recorrer la escena (al modo de los rojos en las Meninas) de forma curva.

La composición también resulta más audaz de lo habitual, jugando con la tensión de llenos y vacíos que hace del espacio una hija más del cuadro (con los dos grandes jarrones equilibrando lo que se nos marcha irresistiblemente hacia la izquierda para anclar el aire y hacerlo presente)

Todas la imágenes tomadas de

http://commons.wikimedia.org/wiki/John_Singer_Sargent

6 septiembre 2021

OLIVOS CON LES ALPILLES AL FONDO. VINCENT VAN GOGH

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 6:00

SDELBIOMBO – 19 DE MAYO DE 2009 – 14:17 – DE MANET A VAN GOGH

Tomado de 

Tema

Por así decirlo, aparentemente, como la mayoría del impresionismo (aunque este cuadro es del postimpresionismo y las cosas varían un poco en cuento a tema y más en el caso de Van Gogh), se podría decir que es un tema antiliterario, que no cuenta una historia porque es tan solo un paisaje. Sin embargo Van Gogh, por su propia situación personal, expresa sus sentimientos a través de su pintura y forma de pinta. Él no pretende pintar sólo lo que ve; su interés es cómo lo ve, su miedo, su angustia, la vida que lleva, aunque el contenido en sí (los olivos) no sea gran cosa.

Composición

La composición es asimétrica, ya que con solo ver las líneas enroscadas de los olivos, el suelo, las montañas y el cielo, se pierde la situación de armonía y tranquilidad que expresaban muchos impresionistas cuando se dedicaban a pintar un paisaje sencillo y armonioso. Esto Van Gogh no lo evitaba a través del dibujo deformante.

 No se ve ninguna definida como tal para saber cómo dividir el cuadro; sólo la dirección en que van las ramas de los olivos.

Línea y Color

La línea se ve marcada con un tono más oscuro alrededor de algunas figuras y así da mayor sensación de espiral e inquietud. En el color predominan los fríos, pero tienen algunas mezclas con colores cálidos y algunos tonos amarillos anaranjados sobre todo en el suelo y en la nube.

Son por lo general, como en muchos de sus cuadros, colores agresivos que de alguna forma también utilizaba para expresar su estado. Con esto quiere no dejar indiferente al que ve un cuadro suyo, quiere “golpear visualmente” al espectador.

Debemos de tener en cuenta que el contraste de colores sería mucho más fuerte cuando pintó el cuadro, ya que pierden fuerza con el tiempo.

Luz

Los impresionistas (pero no los postimpresionistas) sólo buscaban la representación de la luz con sus diferentes tonos y posibilidades (sin mostrar ningún tipo de expresión, teniendo en cuenta que sus cuadros no contaban ninguna historia).

Sin embargo, en este cuadro la luz no interesa (Van Gogh no busca representarla) no aplica ningún tipo de luz especial, no le presta mucho interés, pues no pinta lo que ve, ni busca los distintos tipos de luz, sus colores, las sombras; sólo quiere expresar y conseguir impactar al espectador.

Perspectiva

Usa la perspectiva dibujando las montañas de fondo, también con curvas y espirales, bien definidas, sin usar perspectiva aérea (difuminando el paisaje a medida que se aleja).

Figuras

Si las figuras de esta pintura, que son los olivos, estuvieran pintados por otro pintor de esa época no tendrían ningún tipo de expresión, pero Van Gogh los usó para hacer una representación de lo que sentía. Usa las espirales y las curvas retorcidas (como en muchos de sus cuadros) para expresar el sentimiento de angustia, miedo, tristeza, soledad…

Comentario

Este cuadro fue pintado por Van Gogh en el último año de su vida, cuando por petición suya se internó en un sanatorio mental, debido a sus ataques de locura, durante su segundo periodo de hospitalización en Saint-Remy, esperando mejorarse.

Económicamente le mantenía su hermano Theo Van Gogh,. Él era el que le sostenía moralmente, aunque a veces se sentía culpable por la dependencia que tenía de Theo y por su fracaso artístico. A pesar de todo  siguió pintando y durante su estancia allí salía a pintar los paisajes de alrededor (acompañado de alguien que le vigilase) llenos de olivares

Esta última época de Van Gogh fue una de las más expresivas (por no decir la que más). Era su peor momento, sus ataques eran cada vez peores y no se reducía la enfermedad, pero de alguna manera se sentía tranquilo porque sabía que estaba vigilado y cuidado en el sanatorio, y en sus momentos con plena facultad mental era cuando pintaba, de una forma frenética, tal vez porque era cuando más necesitaba desahogarse de todo lo que había pasado, de su fracaso absoluto, de sus desencuentros con la vida, de sus desengaños amorosos y artísticos, sin haber podido encontrar su sitio en la vida

A tal situación le llevó este cúmulo de cosas que acabó el día 27 de julio de 1890, yendo a un campo lejano. A la edad de 37 años, con un revólver en la mano, se dispararó en el lado derecho del pecho y volvió a la posada. Allí le dio tiempo a estar durante dos días (lo que tardó su hermano en llegar hasta él) hasta que murió en brazos de Theo dejando una carta sin terminar con su despedida.

Una de las cartas de Vincent Van Gogh para su hermano:

«¿Qué es dibujar ? ¿cómo se llega ?. Es la acción de abrirse paso a través de una pared de hierro invisible, que parece encontrarse entre lo que se siente y lo que se puede…» (carta 237 a su hermano Theo).  

Vanessa Alfonsín Belinchón (4º ESO A, SIES La Poveda en Campo Real)

19 mayo 2021

ALFONS MUCHA. TAN FÁCIL DE RECONOCER COMO TAN COMPLEJO DE CREAR

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 18:40

SDELBIOMBO – 10 DE FEBRERO DE 2011 – 18:27 – MODERNISMO

Aunque muchos no conocen su nombre muy pocos serán los que nunca han visto alguna obra suya, siempre tan característica del modernismo

Quizás su faceta más conocida sean sus típicas mujeres de largos y ondulados cabellos que retoman una cierta estética (entre lo frágil y lo perverso, con un claro componente nórdico) que hunde sus raíces en el Renacimiento y las relecturas en clave simbólica de los Prerrafaelitas ingleses (claros antecesores de la sensibilidad modernista)

El Otoño

 De los mismos prerrafaelitas deriva también su gusto por unas ciertas formas naturales convenientemente estilizadas (en pleno proceso de abstracción, como apunta Arancil) que causaría furor en los círculos modernistas, como tantas veces puede observarse en Gaudí

Pero si profundizamos un poco más en ellas veremos la amplia cultura visual que Mucha puso al servicio de estas imágenes tan modernas.

Fijaros en muchos de sus fondos dorados o que asemejan mosaicos, en los círculos del fondo colocados  para generar un nimbo y veréis todo lo que le debe al estilo bizantino y nos lleva a recordar a Klimt

Cartel de teatro

Aún más, el ritmo sinuoso de los largos cabellos que le han hecho inconfundible deriva claramente de los ritmos de los arabescos musulmanes tan de moda en el siglo XIX por la estética oriental que introdujo el romanticismo.

Por otra parte, y como es típico de la época, existe un fuerte influjo de lo oriental, personificado en los grabados japoneses. De ellos extrae su fascinación por el carácter expresivo de la línea, por las superficies planas (sin apenas claroscuro) o la fuerza del color antinatural

Con todo este amplio bagaje cultural, Mucha tuvo la capacidad de crear un estilo propio y claramente definido que aplicó a las nuevas necesidades modernas, desde el teatro (son famosos sus carteles de Sarah Bernhardt) a la publicidad, los calendarios…

 Su éxito fue conseguir con toda esta amplia gama de recursos estéticos imágenes perfectamente adaptadas a la sensibilidad de la Belle Epoque que oscila entre lo moderno y lo frívolo, lo fresco y lo exquisito

 Todas las imágenes tomadas de Wikipedia

MÁS OBRAS DE MUCHA EN NUESTROS BLOG

22 abril 2021

LOS REFERENTES DE VAN GOGH

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:27

SDELBIOMBO – 27 DE JULIO DE 2015 – 08:45 – DE MANET A VAN GOGH

En el magnífico blog de Arelarte, uno de mis grandes referentes, Ana ha publicado un interesantísimo estudio en donde busca las fuentes formales (e ideológicas) que inspiraron a Van Gogh

Delacroix, Daumier, MilletTouloussela estampa japonesaGauguin… se nos muestran (con muchas imágenes comparadas con cuadros del holandés) y nos permiten comprender las múltiples influencias que tuvo Van Gogh

TENÉIS EL ARTÍCULO AQUÍ

4 abril 2021

LO SUBLIME

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:58

SDELBIOMBO – 01 DE FEBRERO DE 2009 – 17:38 – ROMANTICISMO

Una de las famosas Cárceles de Piranesi

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Battista_Piranesi

A estas alturas de la película, ya todos sabemos que “lo sublime” es la base de todo el pensamiento romántico, pero, en realidad, ¿qué es “lo sublime”? Lo cierto es que es mucho más fácil sentirlo, que poder explicarlo con palabras… Porque no tiene una definición. Definiciones tienen las cosas racionales, las que podemos explicar. Y, siento mucho decirlo, pero “lo sublime” no tiene nada que ver con la razón. Es justamente todo lo contrario. 

Es algo que se nos escapa, que no podemos controlar, y yo creo que precisamente  por eso nos encanta. ¡Así es el ser humano! No os digo nada nuevo… siempre queremos tener lo que no podemos. Y si no, ¡qué se lo digan a Bécquer!, que todas las mujeres se rendían a sus pies y él sólo quería tener a la que no le hacía ni caso. Aunque bueno, eso no sólo le ha pasado a Bécquer… porque si hacemos memoria seguro que nos ha pasado a todos. Pues eso, el amor no correspondido, forma parte de “lo sublime”.

 Fotograma de la película Casablanca, la historia de amor y desamor (pero también de heroísmo, traición y destino trágico) más famosa del cine

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Casablanca_(film)

Otra cosa que nunca podremos controlar es la naturaleza y la fuerza de los elementos. No, no, os digo que no lo podemos controlar. ¿O es que no se siguen hundiendo barcos? ¿Es que el fuego no sigue achicharrando nuestros montes cada verano? Madre mía, y la que se lió con la famosa nevada… Pues a los románticos les encantaba la naturaleza desatada. Sólo hay que ver como crecen los paisajes en la pintura romántica. Y no, no son paisajes cualquiera, que va. Son mares de hielo, cumbres de montañas repletas de nubes, mares en medio de la tempestad… Vamos, cuanto más incontrolado y más inhóspito para el ser humano, mucho más sublime. Y también mucho más bonito, porque a pesar de que llevamos viéndolo toda la vida, ¿a quién no le encanta ver un atardecer en el mar, o un amanecer en la montaña? No sabemos por qué, pero nos encanta. Pues ese sentimiento de “no sé por qué pero me encanta” es “lo sublime”

El naufragio. Goya

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/2477.htm

La verdad es que somos muy románticos, aunque a veces no nos demos cuenta. Cuando vemos en el telediario los enfrentamientos entre judíos y palestinos y nos ponemos de parte de los palestinos, estamos siendo románticos. Nos estamos poniendo del lado de los oprimidos, de los que sufren, de los que están siendo pisoteados por los poderosos. Y esa idea es romántica. En otras épocas históricas lo normal era ponerse de parte de los vencedores, es el sentido heroico de la guerra. Pero ¿Y Delacroix? ¿No pintaba él cuadros como “La matanza de Quíos”, en el que reivindicaba el derecho a la libertad de los griegos frente al opresor turco? Pues es la misma historia. Y si, eso también forma parte de “lo sublime”.

 

Matanza de Squíos. Delacroix. 1828

Tomado de

 Y ya por último el tema estrella. Lo sobrenatural. Las leyendas, los cementerios, los fantasmas… otra cosa que no podemos controlar, como el propio miedo que nos dan por ser algo que desconocemos.

Friedich

¿No me diréis que no es romántico? ¡Muchísimo! Paisajes con neblina, mujeres fantasmagóricas, voces de niños y sitios misteriosos no sólo son esenciales en una película de miedo, sino que son temas que aparecen muy a menudo en la literatura y la pintura romántica. ¿Por qué? Pues creo que ya lo sabéis, o, ¿es que soy yo la única que cada domingo se engancha a Cuarto Milenio? Pues esa sensación de no querer mirar, pero no poder dejar de hacerlo, también es “lo sublime”.

El Gabinete del doctor Caligari, película expresionista de los años 20 que desarrolló esta estética de lo sublime

Tomado de http://lrizaev.blogspot.com.es/2013/02/el-gabinete-del-doctor-caligari-nace-el_28.html

Estefanía Zorita García

17 marzo 2021

LA REVOLUCIÓN ROMÁNTICA (tercera parte y última parte) LA PREHISTORIA DE NUESTRA MIRADA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 17:50

SDELBIOMBO – 03 DE FEBRERO DE 2009 – 13:38 – ROMANTICISMO

 Retrato de Byron por Thomas Phillips, 1835

Tomado de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lord_Byron_in_Albanian_dress.jpg

Los románticos amaban ante todo la libertad y eran hombres profundamente individualistas y subjetivos (les gustaba ver la realidad desde su propio punto de vista, sin hacer caso a las generaciones anteriores).

Esta ansia de libertad, sin embargo, chocaba demasiado a menudo con la dura realidad. Ante ello unos decidieron luchar (como Byron, que ayudó a los griegos en su defensa de la libertad contra los turcos), otros se rindieron (como, (como Larra, que terminó suicidándose con una pistola delante del espejo) y los más se refugiaron en un mundo propio de fantasía. Recurrieron entonces a dos fuentes: la historia y la literatura, que manipularon a su antojo para crearse una realidad más cercana a sus ideas.

La historia que buscaron ya no fue la típica de los Neoclásicos (Grecia y Roma) sino que se inclinaron mucho más por la Edad Media (un lugar en donde las aventuras del héroe, los amores pasionales, eran todavía posibles) como W. Scott (Ivanhoe), las sagas artúricas, o la toma de Constantinopla de Delacroix. A la Edad Media viajó Ángel Saavedra –Duque de Rivas– para ambientar su obra El Moro expósito, que trata la leyenda del bastardo Mudarra y de sus hermanos: en esta obra habla mucho de su ciudad natal, de Córdoba –que nos remite al sentimiento de la patria propio del Romanticismo-, pero en el romance cuarto refiere que Giafar, el rival de Almanzor, el que tienen prisionero al padre de los infantes de Lara, después de mostrar a éste las cabezas de sus hijos, las coloca como bárbaro trofeo a las puertas de su alcázar, de donde Zaide, el ayo de Mudarra, las recoge para enterrarlas en el jardín de su castillo 

Delacroix. Entrada de los cruzados en Constantinopla.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Cuarta_Cruzada

 También les fascinó el mundo oriental (aquí lo explicamos) o mundo barroco (perfecto para ellos por sus excesos) como los Mosqueteros de Dumas, el Don Juan Tenorio de Zorrilla (lleno de duelos, amores, cementerios habitados por espectros, apuestas…), . ¿Quién no recuerda la escena famosa del Don Juan en la que este cuenta todas sus tropelías por el mundo para ganarle una apuesta que había hecho a su amigo Don Luis Mejía?:

Por donde quiera que fui,

la razón atropellé,

la virtud escarnecí,

a la justicia burlé

y a las mujeres vendí.

Yo a las cañadas bajé,

yo a los palacios subí,

yo a los claustro escalé,

y en todas partes dejé

memoria amarga de mí.

[…] A quien quise provoqué

con quien quise me batí,

y nunca consideré

que pudo matarme a mí

aquel a quien yo maté.

Pero esta manera temeraria de actuar se diluirá, desaparecerá cuando Don Juan llegue a sentir el amor verdadero de Doña Inés, dispuesta a perder el alma para salvar la de él. Rememoremos la inolvidable escena en la que Don Juan sucumbe al poder  del amor intenso y verdadero:

¿No es verdad, ángel de amor, 
que en esta apartada orilla 
más pura la luna brilla 
y se respira mejor? 

Esta aura que vaga llena 
de los sencillos olores 
de las campesinas flores 
que brota esa orilla amena; 
esa agua limpia y serena 
que atraviesa sin temor 
la barca del pescador 
que espera cantando al día, 
¿no es cierto, paloma mía, 
que están respirando amor? 

Existieron sin embargo dos autores que les atrajeron especialmenteDante y su Divina Comedia (que inspiró a Delacroix, a Blake, alucinados por su visión del Otro Mundo, sus cielos, infiernos…) y Shakespeare, un verdadero romántico casi dos siglos antes de inventarse el movimiento, con su amor apasionado y fatal de Romeo y Julieta, los celos de Otelo, Macbeth y sus espectros.

Fuseli. Macbeth.

Tomado de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Johann_Heinrich_F%C3%BCssli

 ¿No tienen algo que ver las palabras de Romeo a su amada Julieta con las de nuestro apasionado Tenorio?:

 Pero, ¡silencio!, ¿qué resplandor se abre paso a través de aquella ventana? ¡Es el Oriente y Julieta, el sol! ¡Surge esplendente sol y mata a la envidiosa luna, lánguida y pálida de sentimiento porque tú, su doncella, la has aventajado en hermosura!

En todas estas ocasiones, los románticos se sintieron atraídos por el abismo y prefirieron a menudo los finales terribles. Al contrario de las películas más rosas de Hollywood, sus historias suelen terminar de forma trágica, pues el destino siempre se vuelve contra los hombres, es una fuerza ciega que los aplasta y nos conduce hacia la muerte (como el famoso Saturno devorando a sus hijos de Goya

Volvamos al ejemplo de Shakespeare, cuyos finales inspiraron a muchos de nuestros románticos por su intensidad y dramatismo. En Romeo y Julieta, la pasión entre ambos es tan fuerte que desafía lo establecido, las normas impuestas; pero el destino les gasta una broma cruel y un malentendido los lleva  a la muerte cuando más se amaban: -dice Romeo antes de morir

 Oh! Amor mío, esposa mía! La muerte, que ha extraído la miel de tu aliento, no ha tenido poder aún sobre tu hermosura. Amada Julieta, ¿por qué luces tan bella aún? permaneceré a tu lado eternamente y jamás tornaré a retirarme de este palacio, de la densa noche. Aquí, aquí voy a sacudir del yugo de las estrellas enemigas este cuerpo cansado de vivir. -¡Echad la postrer mirada, ojos míos! ¡Por mi amor! -(Apura el veneno.) Así, besando, muero.

Así Delacroix pintará a Grecia lamentándose sobre sus ruinas, o Gericault hablará de la tragedia humana en su famosa Balsa de la Medusa

Una actitud ambigua en donde el tiempo y la fatalidad nos persiguen pero (tal vez por eso mismo) no hay que rendirse, y aprovechar realmente el momento (carpe diem, como dirá Nietzche, un fruto maduro del romanticismo que es, a la vez, uno de los pensadores que más han influido en nuestra historia moderna). Sí, aprovechar el momento, pero conscientes de sentirnos vivos y de que podemos rebelarnos; en eso consistía el sentimiento de rebeldía romántico que aún pervive en muchos de nuestros corazones inquietos. Exagerando un poco, alguna vez habríamos hecho nuestras aquellas palabras de Don Álvaro en la obra del Duque de Rivas, cuando vemos que la injusticia y la maldad dominan nuestro mundo actual:

¡Qué eternidad tan horrible

la breve vida! Este mundo,

¡Qué calabozo profundo

para el hombre desdichado

a quien mira el cielo airado

con su ceño furibundo!

Parece, sí, que a medida

que es más dura y más amarga,

más extiende, más alarga

el destino nuestra vida.

El tiempo fugaz; el mundo que limitad la libertad, los sueños; el hombre indefenso, confuso e incomprendido; el sentimiento de melancolía, amargura, tristeza …, pero también el amor sincero, la tenacidad, la esperanza de libertad y la lucha por unos ideales; el sentirse vivo en cada momento de nuestra vida. De ahí nació el Romanticismo y ahí, porque esos sentimientos nunca han muerto, podemos vernos reflejados como hijos tardíos de una época que supo valorar la vida, sin adjetivos, sin disfraces; la vida sin más.

 Blake. El Anciano de los días

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/William_Blake

  La maldad, el miedo y el destino trágico

  Sobre el héroe y el amor

Rocío Romero y Vicente Camarasa

28 febrero 2021

ALGUNAS IDEAS PARA EMPEZAR A SENTIR EL MODERNISMO

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SDELBIOMBO – 28 DE ENERO DE 2011 – 15:14 – MODERNISMO

Alfonso Mucha

El modernismo (o Art Nouveau) es un arte tan evidente como difícil de definir, pues más que un estilo fue una corriente que incluyó arquitectura, pintura, escultura y, sobre todo, artes menores (de las joyas al mobiliario), con una importante presencia en el cartel. Su desarrollo incluye las dos últimas décadas del siglo XIX, continuándose luego en los primeros años del XX.

Pero, ¿qué es realmente el modernismo?

Es, ante todo, una huida de la vida cotidiana, de su terrible cotidianeidad, del color gris, de sus miserias…

Mucha. Anuncio de Noet Cahnadon

Para ello el modernista recurrirá a la música (tanto la literal como la del propio ritmo de las palabras, que casi vuelan solas, sin necesidad de decir nada más que bellos sonidos, como podéis ver en este poema de Rubén Darío

.Era un aire suave, de pausados giros;

El hada Harmonía ritmaba sus vuelos;

É iban frases vagas y tenues suspiros

Entre los sollozos de los violoncelos.

Al mundo lleno de colores y formas caprichosas, como el de Gaudí

Al de un pasado convenientemente idealizado en donde todo es terriblemente hermoso, melancólicamentete bello

La princesa está triste… ¿qué tendrá la princesa?

Los suspiros se escapan de su boca de fresa,

Que ha perdido la risa, que ha perdido el color.

La princesa está pálida en su silla de oro,

Está mudo el teclado de su clave sonoro;

Y en un vaso olvidada se desmaya una flor.

El jardín puebla el triunfo de los pavos-reales.

Parlanchina, la dueña dice cosas banales,

Y, vestido de rojo piruetea el bufón.

La princesa no ríe, la princesa no siente;

 La princesa persigue por el cielo de Oriente

 La libélula vaga de una vaga ilusión.

Mucha

El modernismo es un mundo lleno de pavos reales o libélulas, frágil y exquisito como sus famosas piezas decorativas

Una sensación de mundo sin peso hecho a base de versos sonoros o líneas onduladas.

Mucha

Algo muy parecido al sueño sin pesadillas (tal vez)

Un lugar de sofisticación, de belleza que termina por ser excesiva y nos acerca (paradójicamente) …. A la muerte

Franz_von_Stuck

DICHOSO el árbol, que es apenas sensitivo,
y más la piedra dura porque ésa ya no siente,
pues no hay dolor más grande que el dolor de ser vivo
ni mayor pesadumbre que la vida consciente.

Ser, y no saber nada, y ser sin rumbo cierto,
y el temor de haber sido y un futuro terror…
¡Y el espanto seguro de estar mañana muerto,
y sufrir por la vida y por la sombra y por

lo que no conocemos y apenas sospechamos,
y la carne que tienta con sus frescos racimos,
y la tumba que aguarda con sus fúnebres ramos
y no saber adónde vamos,
ni de dónde venimos!…

Un lugar lleno de sensualidad pero también de tragedia que muy pronto sucederá

GUSTAV kLIMT

Como veis un mundo paradójico, tan fácil de distinguir como difícil de definir

Yo persigo una forma que no encuentra mi estilo,

botón de pensamiento que busca ser la rosa;

se anuncia con un beso que en mis labios se posa

al abrazo imposible de la Venus de Milo.

Adornan verdes palmas el blanco peristilo;

los astros me han predicho la visión de la Diosa;

y en mi alma reposa la luz, como reposa

el ave de la luna sobre un lago tranquilo.

Y no hallo sino la palabra que huye,

la iniciación melódica que de la flauta fluye

y la barca del sueño que en el espacio boga;

y bajo la ventana de mi Bella-Durmiente,

el sollozo continuo del chorro de la fuente

y el cuello del gran cisne blanco que me interroga.

Todas las imágenes tomadas de WIKIPEDIA

Todos los poemas son de Rubén Darío

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