Palios

26 mayo 2020

SANTA EULALIA. PALMA DE MALLORCA

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Una de las más antigua iglesias de Palma, de un gótico puro y diáfano (con bastantes conexiones con la propia catedral).

En su púlpito predicó San Vicente Ferrer en la campaña antisemita que asoló la isla en el siglo XIV, pues no en vano se encontraba aneja a la judería (call Maior) que se extendía desde aquí y hasta San Francisco.

Retablo Barroco

Dormición de la Virgen. Siglo XV

 

DE TURISMO POR PALMA DE MALLORCA

 

 

30 abril 2020

PÚLPITO DE SIENA. NICOLÁ PISANO

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Pocos años después de realizar el púlpito de Pisa, el Duomo de Siena le encargaría esta obra a Nicolás Pisano y su taller (en los que ya se encontraban Arnolfo di Cambio y su hijo, Giovanni Pisano)

La estructura arquitectónica es muy similar, aunque eliminando las columnas dobles del piso superior (que dan mayor protagonismo a la escultura que genera un friso casi continuo separado por figuras angulares) y la aparición de un cierre arquitectónico por medio de un arquitrabe ricamente decorado.

Las figuras se vuelven más menudas (aunque de gran bulto) y se pierde una parte del clasicismo compositivo de Pisa en favor de una idea más rica en sus volúmenes (posiblemente este tipo de relieve se encuentre influenciado por los relieves de batallas del clasicismo)

Sin perder el clasicismo típico, Niccolá introduce un espíritu más francés (White asegura su estancia en la Isla de Francia) que dota de mayor realismo a las figuras que está avanzando las maneras de su hijo, Giovanni

Imágenes tomadas de Wikipedia

23 abril 2020

TUMBA RAMÓN LLUL. SAN FRANCISCO. PALMA DE MALLORCA

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El sepulcro de Ramon Llullse encuentra en la iglesia de San Francisco de Palma de Mallorca.

Realizado por Francesc Sagrera y Joan Llobet en 1487, aunque quedando inacabado.

En la parte superior encontramos la figura yacente del beato, colocado de forma abatida, en medio relieve, colocándose en su parte superior dos ángeles que portan su alma.

La parte baja fue la que quedó inacabada, con una serie de nichos sobre los que colocar las esculturas de las artes liberales que todavía podemos reconstruir mentalmente gracias a las ménsulas inferiores.

Realizado en alabastro, se trata de una talla fina y delicada que contrapone los excesos flamígeros de la hojarasca con formas de un realismo extremo y minucioso en la escultura del protagonista.

 

24 marzo 2020

NUESTRA SEÑORA DE LA CONCEPCIÓN. LISBOA

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Muy cerca de la plaza del Comercio queda en pie esta fachada que perteneció a la primera Casa de la Misericordia del país.

Esfera armilar

Cruz de la Orden de Cristo

Fue mecenada por la propia hermana de Don Manuel, doña Leonor, en 1517, y tras el terremoto sólo quedó en pie su imponente fachada manuelina realizada por los mismos autores de los Jerónimos: Boitaca y Juan del Castillo

Su interior, reconstruido en el XVIII, es un perfecto representante del neoclasicismo luso

 

DE TURISMO POR LISBOA

11 enero 2020

Análisis y comentario del MATRIMONIO ARNOLFINI

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Esta obra se titula el Matrimonio Arnolfini y está realizada por el gran pintor Jan Van Eyck. Este autor es perteneciente a la pintura primitiva flamenca, desarrollada durante el siglo XV y XVI

La obra no tiene un tema en concreto, sino que se van descubriendo diferentes según las distintas iconografías.

Es un retrato de Giovanni Arnolfini, quien fue un mercader, junto a su esposa. En la pintura se representa el momento en el que están contrayendo matrimonio. Como podemos observar por sus ropajes y el detalle, bastante indiferente pero importante, de las naranjas localizadas bajo la ventana, la pareja goza de una buena economía. Lo que hacen que esto se perciba es la minuciosidad con la que están tratados los objetos.

El Matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla.

En esta época se comenzara a utilizar esta técnica, que utiliza como aglutinante el aceite, que hace que la obra tenga un acabado brillante. Además, esta permite corregir lo ya pintado y crear transparencias añadiendo una mayor cantidad de aceite al pigmento. La gran ventaja de esta técnica es su acabado suelto y fino, además de poder trabajar con lentitud, cosa que el fresco no permitía.

Su composición es simétrica, algo bastante característico del pintor. La obra da una sensación de estaticidad a pesar de las manos juntas del matrimonio, a como la esposa se toca la barriga o como el propio Arnolfini levanta la mano. La línea que predomina es la vertical, y se crea una especie de gran óvalo central en torno al espejo.

Se trata de una composición tectónica.

Hay un predominio de la línea sobre el color.

La línea es fina y curva, creando un dibujo nervioso y detallista. Los colores son tanto fríos (verde del vestido de la dama) como cálidos (rojo de la cama, pardos), saturados, realistas y volumétricos gracias al claroscuro

Hay un interés claro por la luz con la representación de la ventana y un predominio de claroscuros, lo que busca un mayor realismo, reflejado en las sombras que se crean en el suelo por las figuras como las patas traseras del perro o la esquina del mueble en el que se encuentran las naranjas.

Con esta luz y su forma de incidir en los distintos objetos también se crean texturas, dando más realismo a la pintura.

El espacio interesa, aunque resulta aún un poco alzado.

Es muy importante para su creación la aparición del espejo que multiplica la estancia e, incluso, entraría en el lugar físico en donde se encontraría el espectador.

Las figuras son realistas, tanto que en el espejo del fondo podemos ver reflejados al propio pintor y a la persona que oficia el matrimonio. El canon de estas es realista, pues no quieren deformar la realidad, sino mostrar lo que aparece. Sus posiciones son totalmente estáticas y poco expresivas.

COMENTARIO.

Como es evidente por todas las características vistas esta obra pertenece a los primitivos flamencos, en concreto a Van Eyck.

En estos pintores (Flandes siglos XV y XVI) es sumamente importante la aparición de nuevos comitentes, especialmente burgueses muy acomodados que buscan en sus retratos una representación de su poder económico. Por ello, trata los objetos con minuciosidad, intentando representar con ellos el alto status social de los retratados. Sin embargo, el pintor da otros mensajes con los diferentes objetos, creando iconografía a través de ellos.

En primer lugar los atuendos que llevan puestos los personajes es otra de las fuentes para conocer el estilo de vida del matrimonio. La mujer lleva un vestido largo que en la época requería de una manipulación bastante costosa.

El espejo al fondo de la imagen es muy relevante, pues es uno de los objetos más complejos y detallistas de la obra. En él podemos ver el espacio desde atrás, además de estar reflejado el mismo pintor (lo cual será adoptado por Velázquez mas tarde en Las Meninas), según unas fuentes, y el hombre que oficiaba la unión matrimonial. Además, el espejo consta de diez circunferencias más pequeñas que el propio espejo en el que se representa la vida de Cristo: las cuatro de vida, las cuatro de la muerte y la resurrección, siendo el punto medio la crucifixión. Esto dota a la pintura de un carácter religioso. Sobre el espejo, algo realmente innovador, está la firma del propio pintor.

El candelabro con una sola vela encendida simboliza también a Dios. El perro entre el matrimonio indica bienestar y fidelidad.

Aunque parezca que la mujer está embarazada, lo que en realidad hace es recogerse el vestido. Sin embargo, la pose y como el vestido está arrugado quiere crear la sensación de fertilidad. Los zuecos, junto a Arnolfini y al fondo de la pintura, simbolizan la casa y la vida familiar. Las naranjas son símbolo de riqueza, ya que esta fruta era importada desde el sur y resultaba muy cara. La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos simboliza un mal augurio. La imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de las embarazadas y de los alumbramientos.

 

Realizado por

Bogdana Iskrenova (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

7 enero 2020

LORENZO VENEZIANO. De la maniera greca al gótico internacional

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:46

Santiago. Academia. Venecia

Activo en la segunda mitad del siglo XIV en Venecia representa el paso de la pintura bizantinante a los postulados del gótico internacional, demostrando el retardo de la laguna respecto a otras zonas italianas del centro de la Península en donde este tránsito se había operado a finales del duecento y primera mitad del Trecento.

De la herencia bizantina (heredada de su maestro, Paolo Veneziano) se destacan los fondos dorados y numerosas iconografías, como pueden observarse en el tríptico del Thyssen.

Frente a este aprendizaje su pintura evoluciona rápidamente hacia la sinuosidad y elegancia del Gótico internacional, quemando etapas, al saltar por completos las manieras giottescas y de Simone Martini

Anunciación. Academia. Venecia

San Pedro. Academia. Venecia

Sus figuras alargan el canon y rápidamente se incurvan.

Anunciación. Academia. Venecia

El claroscuro gana importancia para dar volumen a caras y manos mientras que fondos y vestuario se estetizan, multiplicándose las formas ornamentales en las figuras principales, mientras las secundarias hacen un estudio muy elaborado de las formas tridimensionales.

Matrimonio Místico. Santa Catalina. Academia. Venecia

Del primer hieratismo se pasa entonces a una suave melancolía, tan típica del estilo y el gusto por las relaciones suaves de los personajes.

San Esteban. Academia. Venecia

Tal evolución, le pone en las mismas puertas del Gótico Internacional e, incluso, está avanzando rasgos que serán básicos en el Renacimiento

San Juan Bautista. Academia. Venecia

Academia. Venecia

30 diciembre 2019

Maestá. Simone Martini

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:42

Pintada al fresco, gran parte a secco, en uno de los lados cortos de la sala del Mapamundi del Palazzo Pubblico de Siena (1315), constituye la primera obra segura de Simone Martini que sigue la tradición iniciada por Duccio en su Maestá de la catedral

La escena se enmarca en un marco pintado de mármoles (zona baja) y una gran cenefa con medallones en donde aparece Cristo, los evangelistas y los profetas.

En el centro encontramos la tradicional representación de la Virgen en su trono con el Niño (evolución de las vírgenes hodigitrias bizantinas) rodeadas de santos y ángeles.

Aunque el contenido parezca religioso tiene un fuerte contenido político, tanto por el lugar elegido (sala de consejo del ayuntamiento medieval) como por su inscripción (Las angelicales flores, las rosas y azucenas / que cubren los campos celestiales / no me deleitan más que un recto consejo. / Más a algunos veo que en su propio beneficio / me desprecian y engañan a mi patria / siendo tanto más celebrados cuanto más maledicentes).

En el fondo, esta inscripción es toda una advertencia a las disputas internas de la ciudad entre los Salimbeni y los Tolomei, teniendo incluso que pedir la mediación del rey de Nápoles.

Estéticamente, la pintura es todo un compendio del estilo de Simone que hace evolucionar los esquemas rígidos de Duccio tanto por la composición (la estructura en filas se vuelve más fluida, crea una especie de ábside en torno a la Virgen, dando profundidad a la escena que es reafirmada por el palio superior) como en el propio dibujo, mucho más exquisito en sus formas curvilíneas (influidas por la pintura francesa de miniaturas) y la suavidad del color (con abundante pan de oro que haría recordar a los grandes tapices.

Todo emana una suave poesía que se culmina con el palio de exquisito movimiento y suavidad, movido por una invisible brisa, que cobija una belleza delicada y serena, muy lejana del realismo giottesco.

 

Imagen tomada de wikipedia

 

23 diciembre 2019

ARNOLFO DI CAMBIO. EL PRIMER BELÉN MONUMENTAL

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:44

Aunque su invención se atribuye a San Francisco (el famoso belén viviente de Greccio), la prueba material más antigua que conservamos los las pocas figuras que han sobrevivido del nacimiento que hiciera Arnolfo di Cambio en 1289, encargadas por el Papa Nicolás IV, y en la actualidad visitable en Santa María Maggiore(Roma)

Este escultor se había educado en el taller de los Pisano, convirtiéndose más tarde en arquitecto (Santa María de las Flores). Al igual que Giotto es un típico representante del prerrenacimiento que surgió en la Italia del Trecento.

ARNOLFO DI CAMBIO. FOTOGALERÍA

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TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

19 noviembre 2019

LORENZO DE MERCADANTE. SEPULCRO DEL CARDENAL CERVANTES

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:14

Como ya vimos aquí, esta es la obra inaugural del autor en Sevilla, situada en la capilla de San Hermenegildo de la Catedral.

En ella vemos un difícil equilibrio entre las formas góticas borgoñonas y los influjos renacentistas italianos.

Concebida como un túmulo exento con la figura yacente apoyada en tres cojines (sus tres dignidades), de ampulosos paños y realismo en su rostro y con los laterales ocupados por ángeles que portan sus escudos, con plegados mucho más cortantes (¿obra de colaboradores?)

 

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7 noviembre 2019

Estandarte procesional de disciplinantes. Asís

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:06

Excepcional muestra de lo que serían los estandartes procesionales del Trecento (1301)

Creado por un pintor anónimo nos muestra en el centro a San Francisco (pertenecía a la hermandad disciplinante de San Francisco de Asís) bajo palio y rodeado de ángeles (una clara transposición de las habituales Maestades)

Bajo él se encuentran los disciplinantes como donantes, en torno a un esqueleto (característico de la mentalidad trecentista sobre la muerte, uno de los objetivos centrales de estas hermandades que se disciplinaban por las calles para purgar sus pecados mientras reflexionan sobre la brevedad de la vida y que conocerán un extraordinario crecimiento con la llegada de la Peste Negra)

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