Palios

17 junio 2019

ARNOLFO DI CAMBIO. Tumba del cardenal De Braye

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:17

En la iglesia de Santo Domingo de Orvieto se encuentra esta magnífica obra de Arnolfo di Cambio que ha sido objeto de múltiples restauraciones (e incluso reconstrucciones) que muy probablemente ha afectado a la estructura arquitectónica, bastante confusa y desarticulada (sólo bastaría imaginar cómo se continuaría la parte inferior hasta el yacente para ver las cualidades arquitectónicas que debió tener el proyecto).

Lo que no ha disminuido en absoluto es la potencia expresiva de sus esculturas (aunque con trabajo de taller), desde la poderosa cabeza del cardenal, el gusto clásico de su matrona o la figura de Santo Domingo, de expresivos paños.

Pero si algo destaca la calidad de su trabajo son los dos acólitos que abren los cortinajes. Su suave y elegante movimiento se combina con los plegados de los cortinajes , con una delicadeza extrema en sus remates que da a todo el conjunto una belleza exquisita a la par que atrevida (por su fuertes diagonales que se compensan con las verticales de los cortinajes)

 

Imágenes tomadas de wikipedia

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20 marzo 2019

ECCE HOMO DE GIL DE SILOÉ

Filed under: castilla león, Gótico — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:06

 

Una de las piezas estelares de las Edades de Hombre (Aranda de Duero 2014, Eucharistia) fue este famoso Ecce Homo de la Catedral de Palencia atribuido a Gil de Siloé o su taller.

Es una magnífica talla en madera de tamaño natural que representa a Cristo tras su primer martirio, azotado sin piedad y con la corona de espinas y en manto puesto como forma de sarcasmo al rey de los judíos.

Nos encontramos con el Gil de Siloé más trágico y expresionista que abandona las exquisiteces del alabastro y las formas flamígeras (estilo del que también se pueden encontrar algún ejemplo en las Edades) para centrarse en una talla y policromía verdaderamente expresionista que le acercan al retablo de la Cartuja de Miraflores.

Frente a lo aristocrático del Siloé de alabastro, esta corriente se funde con una mentalidad mucho más popular que recorrió el fin de la Edad Media, aquella que se basa en una expresión terrible de lo corporal, siempre cercano a los extremos que aviven la piedad a través de la morbosidad y el mundo de las emociones más espectaculares que es necesario vincular con la extensión de la Devotio moderna y búsqueda de la meditación sobre la Pasión de Cristo que ya vimos aquí

Cristo de Santa María del Capitolio. Colonia

Gil de Siloé o taller. Santo Domingo de Ávila

Esta fórmula de dolor extremo a través de la verdadera destrucción del cuerpo humano (como siglos después hará algunos artistas, comenzando por Goya y siguiéndose por el surrealismo, el body art o posmodernos) es sumamente adecuada al tema del Ecce Homo, y tiene fuertes lazos con la Europa septentrional de Cristos verdaderamente masacrados, con su piel cubierta por las llagas y la sangre abundante corriendo entre ellas (Retablo de Isenheim o este Ecce Homo que ya analizamos).

Cristo de Isenheim

Tomado de potiphar.jongarvey.co.uk/

Una expresión de un mundo en crisis tras las pestes, hambrunas y guerras que se instalan a partir de la crisis del siglo XIV, conectando con el espectador a través del dolor (ya casi imposible de narrar en su exageración)

 

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GIL DE SILOÉ

11 marzo 2019

JINETE DE BAMBERG

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:47

Situada en la catedral de Bamberg, se suele fechar en torno a 1237, siendo considerada la primera escultura ecuestre de la Edad Media que recupera la tipología romana (Marco Aurelio) (Aquí vimos una escultura coetánea en Italia)

Los autores no se ponen de acuerdo con el personaje retratado: ¿ emperador Conrado III de Suabia, otros apuestan porque la escultura represente al monarca San Esteban de Hungría o a Enrique II, representación de uno de los Reyes Magos?

Estéticamente resulta una obra de gótico bastante evolucionado, y mientras el caballo recuerda las formas del naturalismo idealizado de la fase clásica, la suave melancolía del caballero y su postura lánguida, un tanto sinuosa, nos hablan ya de ciertas formas manieristas del estilo.

Esto ha hecho pensar en talleres franceses (Reims), ya de forma directa, ya como alumnos germanos formados en ellos

Imágenes: Berthold Volberg

30 enero 2019

CRISTO DE LAS BATALLAS. CATEDRAL DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:13

La imagen fue especialmente venerada por los militares que se encomendaban a ella antes de la batallas (de ahí su nombre).

Pieza tardo gótica, aunque algunos autores hablan de una pieza engarzada, con la parte de las piernas más antigua (siglo XIV, con su escorzo excesivo en el cruce de las piernas) y el cuerpo y cabeza más moderno (siglo XV), aunque tal vez simplemente obra de otra mano mucho más hábil para los detalles (véanse las venas y músculos de las manos) , un mayor conocimiento de la anatomía y más cercano a la sensibilidad renacentista en la bella cabeza.

La insistencia en los signos del martirio (como los latigazos) y la anatomía estilizada (que insisten en la idea gótica del dolor extremo como forma de empatía con el espectador) se contraponen a dicha cabeza, de un dolor mucho más menguado, con gran dignidad y espléndido perfil

 

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14 enero 2019

Cacerías en el castillo de Torgau. CRANACH EL VIEJO

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:48

Tomado de wikipedia

Paisaje, castillo y caza como símbolos de poder y prestigio. Este el verdadero argumento de la serie de cuadros que Cranach el Viejo pintó para el Juan Federico, elector de Sajonia.

En el fondo hablamos de territorio controlado (paisaje), lugar de gobernanza (castillo) y ejercicio de la violencia (caza) como formas de dominación y control, ergo, de poder.

Las múltiples escenas se suceden como una gran coreografía , como si los ciervos fueran sus siervos (en realidad nos encontramos más con una ideología feudal que con verdadero estado moderno). Un engranaje hecho de soldados que obedecen a un señor y transmiten algo más que una pura cacería: un control sobre el territorio, sobre los propios habitantes de él.

Entre medias el paisaje como un signo de riqueza, la que proporcionan sus bosques y arterías fluviales para el comercio, los puentes para las comunicaciones pero también para la defensa, la caza, el ejército depredador.

Para unificar todos estos significantes Cranach utiliza una técnica que se se hará habitual en los cuadros de batalla. Un doble punto de vista que permite la visión caballera para el primer término (con un punto de vista alto que permite alarga el horizonte para así poder llenarlo de múltiples escenas, tal y como había desarrollado el Bosco o Patinir en muchos de sus cuadros), que se combina con otro punto de vista (más bajo que el horizonte) para representar el castillo, que centra toda la escena y adquiere una mayor monumentalidad gracias al punto bajo. En él se cierra la perspectiva, haciendo un eco del primer plano, en donde ballesteros (en el mismo punto de vista bajo) abren la narración.

Cacería en honor de Carlos V

Para combinar tal mezcolanza Cranach acude a trucos ya experimentados en la Italia Renacentista, creando franjas oscuras y claras que se alternan, como propugnada el propio Leonardo da Vinci, pantallas como los setos sobre los que se recortan los personajes del primer término o grandes manchas blancas del agua que sirven de fondo a las luchas de perros y venados. De esta manera, la obra se convierte así en un constante juego entre luces que se continúa en la parte superior (ya de forma más calmada) hasta parar en la mayestética inmovilidad del castillo.

Y junto a esta luz, el poder de la línea, una característica de lo septentrional que se complace en cada uno de los detalles como si estuvieran vistos por separado y luego unidos (frente a la verdadera unificación italiana que, en vez de los sentidos, parte de la idea y olvida a Aristóteles en favor de Platón, como podemos ver en Rafael, Miguel Ángel o cualquier otro italiano del Renacimiento).

Rafael. Escuela de Atenas

Una línea que aún debe mucho al gótico internacional con sus arabescos que ahora se convierten en pequeñas zonas de dramatismo (como los ciervos en el agua, sus cornamentas como árboles secos).

Se produce así (en la unión de ambos efectos de luz y línea) una imagen decenas de veces multiplicada en pequeñas escenas que se estabiliza, se vuelve hierática, en el rigor compositivo del paisaje. Algo que nos permite ir de lo anecdótico a lo múltiple, de lo estático al profundo dinamismo del detalle.

Compárese esta obra con dos del Renacimiento (la primera del Quatrocento, la segunda del Cinquecento) en donde se desarrolla el mismo simbolismo del poder sobre el territorio y se verán claramente todas estas diferencias ya ya apuntadas.

Federico de Montefeltro. Piero della Francesca

Tiziano. Carlos V

 

 

7 enero 2019

Patinir. El paso de la laguna Estigia

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 9:16

Poco sabemos de este pintor hasta su llegada a Amberes en donde se afiliara a la gilda de pintores.
Lo hizo junto a Gerard David que suponemos su maestro y del que tomará tanto la delicadeza de la luz como la importancia creciente del paisaje en el se insertan las figuras convirtiéndole en el primer gran paisajista moderno.
Pues ya no se trata de ventanas abiertas que por las que entra el Mundo mundo sino la propia naturaleza en todo su esplendor que se puebla de diminutas figuras, muchas de ellas realizadas por sus ayudantes
En estas composiciones es posible ver la huella del Bosco que ya había planteado inmensos espacios naturales con horizonte muy alto lo que permitía mayor espacio.
Pero lo que para el Bosco era un simple medio, la recreación de un gran escenario que llenar con sus cientos de personajes inquietantes, para Patinir es el fin, convirtiendo a la naturaleza en la gran protagonista.

Este paisaje se elabora por medio de una luz extrordinariamente cristalina que le emparenta con David, Weyden y Eyck.

Una luz que matiza los colores en función de la lejanía que alcanza su grado mas alto en el borde del cielo, allí donde se une con la Tierra, lleno de tonos blanquecinos que a muchos críticos les han hecho pensar en la esfericidad de la tierra, con un paisaje escondido tras él que la curva de la tierra oculta al espectador
.
Todas estas novedades no nos pueden hacer olvidar el fuerte carácter moralizante del cuadro, tan habitual en la época, aunque de nuevo con sus propias peculiaridades, como la entremezclar la mitología clásica (extraída de la Eneida de Virgilio y el Infierno de Dante) con la religión.

Nos aparece así Caronte en su barca y el propio cancerbero en la laguna Estigia tal y como imaginaban los clásicos que enterraban a sus muertos con una moneda en la boca como óbolo para el barquero.


Sin embargo el Hades o los Campos Elisios han desaparecido y en vez de ellos se encuentran el tradicional infierno (tan del Bosco) y el Cielo, como si aquel concordatio clasico que Rafael estaba realizando en las Stanze se trasplantara en el mismo norte de Europa.


Pero aun mas. La propia localización de la barca de Caronte nos habla del libre albedrio un tema central en todo el debate teológico abierto por la reforma protestante.
¿Qué camino elegir? ¿El amplio y venturoso que sin embargo nos lleva a los castigos del infierno? O por el contrario, ¿ese río estrecho y tortuoso como la vida de Cristo que a la postre nos llevara a la fuente de la vida y la salvación?
La decisión está en el propio hombre, como argumenta el protestantismo quedando la iglesia (tan importante en el catolicismo) relegada a ese pequeño ángel sobre el promontorio que nos avisa del peligro.


Se trata de una visión contraria a la que nos propone el papado en esos mismos momentos a través de Rafael en sus Stanze en donde la iglesia es el único camino frente a la libertad humana de este cuadro.

La Disputa del Sacramento. Estancias Vaticanas

Por cierto, ¿veis las rocas del lado izquierdo? Casi funcionan como una firma privada del autor que las repetirá incansablemente en sus cuadros. Posiblemente se trata de una síntesis de algunos de los paisajes infantiles del pintor: «rocher Bayard» en las orillas del Mosa, en Dinant; la «roche-a-Chandelle» en las proximidades de Furfooz.

Sodoma y Gomorra. Patinir

 

Imágenes tomadas de wikipedia

3 diciembre 2018

Análisis y comentario. PORTICO DE LA GLORIA. MAESTRO MATEO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 16:33

Tomado de  http://baulitoadelrte.blogspot.com/2016/12/atrios-porticos-y-nartex-protectores.html

TEMA

Cumple una función religiosa, puesto que está situado en un templo de culto y muestra una escena bíblica (carácter narrativo).

En el arco central a Santiago (parteluz) sedente sobre el Árbol de Jesé (genealogía de Cristo) con un tímpano presidido por un Cristo como Varón de Dolores (enseñando sus llagas, eliminando al tradicional Pantocrátor románico) rodeado por los bienaventurados y ángeles que portan los instrumentos de la Pasión (Cruz, corona de espinas, columna donde se le flageló…). Las arquivoltas las ocupan los 24 ancianos del Apocalipsis que tañen instrumentos musicales, mientras que las jambas se decoran con figuras de profetas y apóstoles.

Los arcos laterales  se decoran con temas bíblicos (Adán y Eva) y apocalípticos (Juicio Final).

En la parte interior del parteluz  se encuentra el conocido como Santo dos Croques, personaje arrodillado que representa al maestro Mateo como penitente.

LO PUEDES VER TODO MUCHO MEJOR EN ESTE VÍDEO

En relación con la tipología, decimos que se tratan de figuras adosadas en medio y alto relieve pertenecientes a un grupo escultórico y se localiza en la entrada de un templo (pies).

El material es piedra tallada (granito)

En cuanto a su composición es cerrada y tiene una acusada frontalidad (pensada para su visión desde un único punto de vista). Presenta simetría y estatismo, colocando a los personajes según la “ley del marco” (tratar de introducir las figuras ocupando todo el espacio o “marco” disponible) y utiliza la perspectiva jerárquica.

Las figuras se encuentran idealizadas, con un canon bastante esbelto, son estáticas, expresivas, están individualizadas y tienen relación entre ellas.

Los paños están realizando de forma más naturalista aunque todavía aparecen fórmulas anteriores (como los pies danzantes de las figuras de las jambas)

Daniel. Tomado de decuncaencunca.wordpress.com

El conjunto estaría policromada y el color se perdió con el paso de los siglos, aunque en la actualidad se está recuperando parte de su policromía original

Tomado de cristinajuarezhistoriadelarte.blogspot.com.es/

COMENTARIO

Esta escultura pertenece al periodo gótico (cuyos rasgos más notables son: la idealización de la belleza, utilización de un canon más esbelto, expresión de sentimientos, etc), concretamente al protogótico (finales del siglo XII) que se caracteriza por la gradual desaparición de la rigidez y antinaturalismo anterior.

A lo largo de esta época estaba cambiando la sociedad (la burguesía financiará el arte gótico) y el concepto de religión, entendida ahora como luz en lugar de oscuridad (los templos pretendían asemejarse al concepto bíblico de la Jerusalén Celeste) que acercaba  la divinidad a los hombres.

También se aplica el uso de la razón (canon, relación entre personajes…), puesto que en aquella época comenzó el desarrollo de las universidades, y los sentimientos (en parte gracias a la nueva visión de la realidad que está dando San Francisco) que empiezan a aparecer en las esculturas.

Los orígenes de este estilo en España se remontan en el maestro Fruchel que elabora en la fachada de los pies de San Vicente de Ávila. De origen borgoñón (una de las vanguardias artísticas de Europa), su alargamiento del canon, la relación entre personajes o el interés por dotar de mayor movimiento a los paños serán básicos para Mateo (probablemente discípulo suyo).

Maestro Fruchel. Fachada de los pies de San Vicente de Ávila

Posteriormente, surge el gótico clásico (siglo XIII) con esculturas mucho mejor relacionadas (se liberan en gran parte de la arquitectura) y llegan a un mayor grado de idealización y belleza (Catedral de Burgos o León).

Más tarde, llegará el manierismo con mayor expresividad, tendencia a la incurvación y canon más alargado.

Obra del gótico clásico y manierista. Anunciación y Visitación de Reims

Por último, no debemos olvidar que este pórtico se coloca en el punto final del famoso Camino de Santiago, lugar de peregrinación desde tiempos ya muy anteriores. Una verdadera vía de entrada de las influencias europeas en España en donde se crean algunas de las mejores obras del románico y el gótico.

 

 

UN VÍDEO PARA SABER Y VER MÁS

 

Imágenes no reseñadas tomadas de wikipedia

 

Silvia Martínez Camacho (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

28 noviembre 2018

LOS CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (3) EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS SANTOS

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:54

Decapitación del Bautista

Aunque la santidad fue una constante en la historia del catolicismo (y su plasmación artística) existirán dos periodos especialmente importantes en el desarrollo de su iconografía y su expansión: el mundo gótico y el de la Contrarreforma.

Santa Catalina. 1480

A partir de mediados del siglo XII asistimos a una verdadera inflación del santoral que invadirá los ámbitos religiosos, tanto públicos como el de las capillas privadas.

Las causas de este crecimiento hay que buscarlas en la progresiva importancia que va teniendo el individuo en la sociedad bajo medieval y la creación y expansión de órdenes que utilizan a sus fundadores y miembros santificados como verdaderos emblemas publicitarios.

Giotto, Muerte de San Francisco, uno de los nuevos santos que rápidamente alcanza una inusitada popularidad

Pues a través de los santos se potencia al hombre común que puede ver en ellos modelos (humanos como él) de comportamiento y salvación, acercándose a la religión (como ocurría en el caso de la Virgen) a través de la empatía y los sentimientos.

Dalmau, Virgen dels Consellers

Los donantes se acompañan por sus distintos santos como intercesores ante la divinidad (siendo la Virgen una intercesora superior) que representa perfectamente esta búsqueda de acercamiento de la divinidad (en este caso por personas interpuestas), recordando los modelos tomistas de conocimiento de lo divino

De la misma manera, las cada vez mayores corporaciones, gremios, hermandades…. utilizaban a la figura del santo como una forma de individualización, tal como más tarde harán las distintas monarquías (como vimos en el caso de San Jorge).

Huguet

La religión rompe su monolitismo cristológico (tan habitual en el mundo románico) y se diversifica, adecuándose a las más variadas situaciones, pues cada santo se vinculará a ciertas enfermedades o peligros concretos, oficios, ocupaciones, aspectos sociales…

San Roque (derecha), protector contra la peste

Tanto como causa como efecto, algunas recopilaciones de vidas de santos surgen en este contexto, retomando los menologios bizantinos.

San Vicente. Jaime Huguet

El “bet seller” de la época será la Leyenda Dorada de Jacopo de la Voragine, que refundirá tradiciones, leyendas y escritos anteriores para crear todo un catálogo de vidas de santos (180) que se convertirá en una obra básica para fijar la iconografía básica de los mismos que sólo tras el Concilio de Trento conocerá una cierta “limpieza” de los episodios más legendarios.

San Martín

10 septiembre 2018

ANTELAMI O EL PROTOGÓTICO ITALIANO

Filed under: Gótico, ROMÁNICO — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 16:44

Benedetto Antelami  fue un arquitecto y escultor italiano activo en la zona de Parma entre los años finales del XII y principios del XIII que firma alguna de sus obras.

Sin embargo, su vida resulta aún muy desconocida, aunque es muy probable un origen cercano a Como (en una familia de Magistri) y su trabajo en San Trofimo de Arlés (en donde se empaparía de toda la herencia clásica) y, acaso, una estancia en la isla de Francia en donde conocería las novedades del primer gótico.

 

Algunos historiadores le quieren hacer seguidor de Willigermo de Módena (con cánones parecidos al suyo, aunque mucho menos movidos).

Su primera obra conocida es este magnífico descendimiento de la catedral de Parma (posiblemente única parte conservada de todo un conjunto para el coro).

A la escena (ya típicamente protogótica como ya hemos visto aquí), el autor (en un claro efecto narrativo) une los soldados disputándose a los dados las pertenencias de Cristo y (al lado contrario), las Tres Marías ante el sepulcro vacío. (Para saber más de su iconografía)

Las figuras, frente a la calma y majestuosidad románica, se muestran mucho más nerviosas (con una peculiar caligrafía en sus paños, acaso derivada de modelos de Provenza, como Saint Gilles) y relacionadas entre sí, creando una narración sincopada (que recuerda a maneras de Williguermo) de la muerte y resurrección de Cristo.

Claramente clásicos son la representación del Sol y la Luna o la cenefa de roleos que recuadra la composición.

Tradicionalmente atribuidos a su quehacer es la arquitectura y la decoración escultórica del anejo baptisterio de Parma.

Para ellas creó los tímpanos de las tres portadas dedicados al Juicio Final (con un espléndido Varón de dolores), Virgen con Cristo y una curiosa iconografía sobre la lucha del bien y el mal en el tercero.

Todas estas iconografías ya nos hablan de una ideología protogótica que abandonan pantocrator y vírgenes Kiriotissas por ideas sobre el sacrificio y la salvación en donde la libertad humana (y el uso de los sentimientos) nos hablan de una nueva concepción del hombre que empieza a explorar sus libertades y potencias intelectivas.

Empotradas en el muro de las portadas existen parejas de personajes del antiguo testamento de bulto redondo de extraordinaria calidad, con la citada caligrafía de los paños (derivadas de la técnica de los paños mojados clásica), con canon alargado y suaves contrapostos.

 

Junto a ellos un friso recrea un magnífico bestiario

 

En el interior del baptisterio encontramos toda una colección de ¿metopas? en donde se plasma un mensario combinado con un zodiaco

 

 

Y, de nuevo, magníficas escenas en los tímpanos

Rey David

Huida a Egipto

Su influencia será muy importante en toda la Italia central, como ya vimos aquí

 

7 agosto 2018

RETABLO DE SANTIAGO. ALCÁZAR DE SEGOVIA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:23

En la actualidad en el Alcázar de Segovia, trasladado de la localidad vallisoletana de Megeces, se trata de una obra del siglo XV, aunque trabajada en estilo popular, mucho más cercano al mundo protogótico que al internacional que le correspondería

En el centro campea la figura de Santiago matamoros

A su izquierda encontramos un alucinante martirio de San Sebastián

En la parte inferior aparece Santa Ágata (acaso de otra mano más experta, como demuestra el fondo con paño de pan de oro y el intento de perspectiva del suelo que se repiten en las figuras de la zona derecha)

En el centro, rodeando la zona que podría ocupar la custodia, dos ángeles

 

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