Palios

25 noviembre 2017

ALEJO DE VAHÍA (1) IMAGINERO DEVOCIONAL

Filed under: castilla león, CATALUÑA, Gótico, Imagineros — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 1:01

Apenas si tenemos documentos de él, y conocemos mucho mejor su obra (sumamente característica) que su vida.

Su origen (por sus características estilísticas) habría que situarlo hacia mediados del XV en la zona germana, y como otros tantos artistas septentrionales (pienso en Gil de Siloé) llega a España (tal vez primero a la corona de Aragón, Valencia, lo que podría hablar más de un origen flamenco) para establecerse definitivamente en Tierra de Campos (posiblemente Becerril de Campos) en donde mantendría un amplio taller que le permitiría una obra sumamente amplia.

Como decíamos, la llegada de estos artistas (flamencos y germanos) a Castilla fue sumamente habitual durante el siglo XV, y habla tanto de las relaciones políticas y económicas que tiene esta Castilla con el norte de Europa (vinculada por caminos de peregrinación pero también por la lana de la Mesta y los grandes centros de ferias comerciales como Medina del Campo), como por el gusto por este arte tardogótico (frente a los modelos clasicistas de lo italiano, más bellos pero menos oportunos para los fines devocionales).

Precisamente, este gusto estético será la clave para el inmenso éxito que tendría este autor.

Al observar sus obras nos encontramos con una visión tan patética como expresionista del hecho religioso que resultaba perfecta para las imágenes de devoción, vinculadas a las fórmulas religiosas desarrolladas en Centroeuropa bajo la denominación de Devotio Moderna.

San Onofre eremita

Como ya vimos, los defensores de esta renovación pretendían una relación directa entre fiel y divinidad en donde la imagen debería servir como motivo de meditación (profundamente emocional) de la Pasión de Cristo (entre otros temas) o de su Infancia.

La imagen se convierte así en un indicio de lo divino emocional, alejada por completo de la realidad y que, en el caso del escultor, se resuelve en una serie de fórmulas una y mil veces repetidas que han servido a los especialistas para identificar su obra.

Retablo mayor catedral de Palencia

Una especie de cápsula de intensificación de sentimientos que tan bien aceptada será por el pueblo llano para el que trabaja (curiosamente, el propio Gil de Siloé recurrirá a muchas de estas fórmulas como el esquematismo, el envaramiento de las figuras o los esquemas geométricos cuando trabaja en madera con fines devocionales, como se puede observar en el retablo de la Cartuja de Miraflores o la reconversión que realiza Pedro de Berruguete a su vuelta de la clásica Urbino)

Existe, además, en la obra de Alejo de Vahía una fuerte tensión entre las maneras más geométricas (incluso podríamos decir que puramente protocolarias de sus ojos rasgados, formas del cabello, anatomías reducidas a pura linealidad) con la sonrisa bondadosa de muchas de sus obras y las miradas ¿suplicantes?, unas veces, ¿perdidas? en otras ocasiones, que generan enigmáticas sensaciones que no dejan indiferente al espectador y le hacen olvidar las citadas reiteraciones.

Es muy probable que estos rasgos (que no son comunes en todas sus obras) sean una evolución de su arte, su “castellanización” sobre los modelos septentrionales, aunque es sumamente complejo demostrar esta idea, pues no existe (por la falta de documentación y la escasa evolución de su estilo) una verdadera cronología de su obra 

Para saber más

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Para mi amigo Juan, que de seguro tantas ideas puede aportar a este simple bosquejo

 

 

 

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15 noviembre 2017

LAMENTACIÓN SOBRE EL CRISTO MUERTO. GIOTTO. Capilla Scrovegni. Padua.

Filed under: Gótico, General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:26

Capilla Scrovegni

El tema nos muestra una de las secuencias finales del ciclo de la Pasión, el Descendimiento  y la Piedad en donde la Virgen recoge el cuerpo de su hijo muerto, mientras Magdalena le sostiene los pies. El resto de personajes son los ofrecidos en el relato evangélico (María Salomé, San Juan, Nicodemo…) mientras que en el cielo una legión de pequeños ángeles lloran y se desgarran en gestos de dolor.

Tanto el acabado mate como la escasa saturación de los colores nos hacen ver la técnica de fresco sobre pared, preparada esta con una última capa de yeso fresco (enlucido), utilizando como aglutinante el huevo, y el temple en seco para los detalles. Esta técnica es tan antigua como la pintura misma, empleada ya en Egipto

La composición refleja una cierta simetría tanto en el vector horizontal como el vertical aunque no demasiado estricta, intentando animar la escena con ciertas descompensaciones (aunque armónicas), con el centro de interés de Cristo y la Virgen  que da mayor peso al lado izquierdo que se compensa con la diagonal ascendente hacia el derecho.

Predomina la línea sobre el color que remarca claramente los perfiles que se trabajan de una forma bastante simplificada. En cuanto al color, el pintor gusta de oponer armonías cálidas con otras frías con fin de equilibrar de nuevo la escena. Sus colores son puros y volumétricos.

La luz, natural y representativa, tiene un claro componente constructivo, dando un aspecto volumétrico a las figuras.

El espacio está sorprendentemente tratado (por su novedad y alejamiento de las fórmulas al uso del XIV). Por una parte hace desaparecer los típicos fondos dorados por otros azules, mucho más naturalistas. La propia colocación de los personajes incide también en el aspecto espacial, creando un círculo en torno a Cristo, poniendo incluso personajes de espaldas al espectador que crean un plano intermedio entre el mismo y Cristo. En la zona superior se observan atrevidas posturas en escorzo de los ángeles que se sobredestacan sobre el cielo y se acercan al plano del espectador.

Por último, existe una intención de tratamiento del paisaje, aunque acaso sea éste el recurso menos afortunado, pues aún aparece un tanto lineal y acartonado.

En cuanto a las figuras observamos un gran interés por el tratamiento psicológico, intentando plasmar los distintos de estados de ánimo ante el hecho luctuoso (desde la melancolía meditabunda de la Magdalena, el dolor sereno de la virgen hasta la explosión de llanto de las marías o los ángeles que ya no sólo utilizan el rostro para comunicarse sino que intentan hacerlo a través de todo un fuerte lenguaje corporal que tardará varios siglos en volver a aparecer. En general podemos hablar de un canon correcto aunque un tanto ancho, con un gran interés por la relación entre los personajes para formar una escena conjunta.

Evidentemente nos encontramos con una obra madura de Giotto, especialmente visible por su interés por la perspectiva, el tratamiento volumétrico de la luz o la expresión de las emociones.

 Capilla Scrovegni en Padua a la que pertenece la obra

Esta pintor es la cima del Trecento florentino que, desde el magisterio de Cimabue, llega a crear toda una estética pre-renacentista que será clave para el desarrollo del Quattrocento en su vertiente más experimental (Masaccio, Ucello, Castagno, Piero della Francesca, hasta culminar en Leonardo y Miguel Ángel, tal y como establece Vasari en sus Vite).

Todos estos autores se encuentran en deuda con él en su intento de romper con los convencionalismos del gótico bizantino del Duecento y crear una imagen visual verosímil a través de la luz y el espacio que intenta representar la tercera dimensión.

En su obra se advierten estas características cada vez más depuradas (desde el ciclo de San Francisco en Asís y Santa Croce hasta la capilla Scrovegni que observamos, sita en Padua). En ese camino su arte profundiza en estos temas, alejándose cada vez más de la pintura de su contemporáneo, Simone Martíni de la escuela Sienesa. Frente a él, vemos a un Giotto que renuncia a la línea expresiva y curvilinea del sienés, del color mesurado y las posturas aristocráticas que tanto influirán luego en Fra Angelico o Botticelli, para centrarse en figuras cada vez más volumétricas (casi escultóricas) en las que se han eliminado los detalles superfluos a favor de la concentración expresiva y la sensación de corporeidad. En resumen, una apuesta a favor de la realidad frente al gusto sienés y luego del gótico internacional por el lujo y la grazia, que (aunque tenga discípulos menores, como Tadeo Gaddi) sólo será redescubierto casi medio siglo después en la capilla Brancacci de Masaccio, que en el fondo es un gran homenaje al maestro florentino.

Tributo de la moneda. Masaccio

 

FOTOGALERÍA ENLAZAD DEL GIOTTO

19 octubre 2017

VIRGEN DE LA LECHE O GALACTOTROFUSA

Filed under: advocaciones marianas, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:54

Bouts

En la baja Edad Media (y especialmente a partir del siglo XIII) se extiende la imagen de la Virgen amamantando al Niño.

Esto hay que entenderlo dentro de la revolución del pensamiento religioso vinculado a las nuevas órdenes mendicantes y el mundo gótico que pretende un acercamiento del hecho religioso al fiel (contrario a la majestuosidad y lejanía románica) como ya analizamos a propósito de la figura del Giotto.

Museo Marés

Bartolomé Bermejo

Para ello, nada más adecuado que este acto tan íntimo y amoroso entre madre e hijo que refuerza la idea de María como intercesora.

Santa María de los Ángeles. San Vicente de la Barquera

Su origen (como el de tantas iconografías) habrá que buscarlo en Bizancio (de ahí su complicado nombre) y las tradiciones piadosas sobre la Gruta de Belén (blanca por el carbonato cálcico que la mentalidad de la época atribuía a una gota de leche que se había derramado)

Pese a ello, la representación es muchísimo más antigua y ya aparece reiteradamente en las representaciones de Isis y Horus

Isis y Horus

Ya sea solo o vinculado a la Huida de Egipto, la imagen se multiplicará (se ha hablado de los Templarios como una de sus grandes vías de penetración) hasta que el Concilio de Trento la elimina por considerarla poco decorosa.

Alonso Cano

Curiosamente (y muy utilizada en el mundo barroco) de ella derivará un tema bien querido por los cistercienses, la lactatio de San Bernardo, en donde la Virgen se le aparece en sueños al santo, dándole de mamar un gran chorro de leche.

Lactatio. Alonso Cano

Tomado de wikipedia

4 octubre 2017

PERE JOHAN EN LA CATEDRAL DE TARRAGONA

Filed under: CATALUÑA, Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:49

Seguidor de Cascals a través de su esclavo colaborador Jordi de Deu, Pere Johans es un escultor sumamente irregular cuya obra cumbre son estas escenas del banco del retablo de la Catedral de Tarragona.

Dedicadas a Santa Tecla y realizadas en alabastro fueron encargadas por Dalmau de mur, siendo terminadas a en final del tercer cuarto del XV.

Todo nos remite a una interpretación sumamente personal del estilo internacional al que llega a un altísimo grado de abstracción gracias a sus composiciones abigarradas y curvilíneas en donde la santa se somete a todo tipo de castigos sin que ellos descompongan la composición de elegantes fórmulas en donde los cuerpos son tratados como si de ondas fueran.

El resto del retablo pasó en gran parte a manos de su taller, debido al llamamiento de su comitente (el citado Mur) para trabajar en la Seo de Zaragoza, resistiéndose de ello

 

11 septiembre 2017

SANTA MARÍA DELL’ ANIMA. ROMA

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:22

La iglesia fue fundada para los peregrinos alemanes en Roma, convirtiéndose después en la iglesia nacional.

Precisamente esta dedicación fue la que permitió que tras la insulsa fachada de Andrea Sansovino, nos encontremos con uno de los pocos templos góticos de la ciudad tipo salón (naves de igual altura)

La decoración, como siempre ocurre en Roma, resulta rica y abundante, con algunas piezas especialmente destacadas.

En el altar nos encontramos con una pala realizada por Gulio Romano dedicada a la Sagrada Familia que fue encargada por la familia Fugger (y posteriormente traslada al Altar mayor).

Se trata de una obra temprana del pintor en la que se libera de a tutela de su maestro, Rafael (con el que colaboró en las Stanze vaticanas, terminando la de Constatino que ya vimos aquí), experimentando con la vanguardia más manierista de colores metalizados y fuerte estilización de las figuras que se alejan de lo real para buscar mundo ideales, profundamente intelectualizados, en donde el espacio se contrae (derecha arriba), se expande (izquierda arriba) o expulsa hacia el exterior (abajo derecha) en una pulsación controlada por una composición rigurosa, centrada por la Virgen, en donde se cruzan las diagonales.

Otras obras de interés son la tumba de Adriano VI, diseñado por Peruzzi.

Y un magnífico descendimiento de Salviati que sigue la línea romanista (el propio Gulio Romano, Volterra) entremezclada por el diseño florentino del manierismo pleno

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

7 septiembre 2017

JUAN DE SEVILLA, O HISPALENSE O MAESTRO DE SIGÜENZA O JUAN PERALTA

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:20

Retablo Catedral de Sigüenza

Todas estas denominaciones responden (según Gudiol) a este pintor del gótico internacional (siglo XV) del que se conservan obras en Sevilla, Museo del Prado, Lázaro Galdiano o Catedral de Sigüenza.

Tríptico de la Virgen con el Niño. Museo Lázaro Galdiano

Tomado de wikipedia

Nos encontramos con un autor (posiblemente sevillano pero trabajando fundamentalmente en Castilla, en especial en torno a Guadalajara) que, aún en la tradición del gótico internacional, se nos muestra lleno de recuerdos tradicionales.

 Retablo Catedral de Sigüenza

 

Su filiación internacional la encontramos en el uso del colorido, brillante, saturado y muy variado que dan a sus obras una riqueza cromática extraordinaria que se completa con el uso del pan de oro.

 Retablo Catedral de Sigüenza

De la misma manera vemos la típica perspectiva alzada en donde los personajes (con un canon extremadamente delgado) se colocan como si de peldaños se tratase, volcando hacia el espectador las perspectivas en sus zonas bajas.

Mucho menos avanzado se nos muestra en la construcción de los volúmenes (frente a la exquisitez que pretende en las formas lineales) y la creación de los rostros que a veces caen en lo grotesco.

 Retablo Catedral de Sigüenza

Esto es más evidente en los personajes secundarios que contrastan con los principales, en donde busca más la elegante y la curvatura típica de la época, acaso por la intervención de taller

Hay, además, un fuerte interés por la expresividad (más hispana que internacional)

Retablo Catedral de Sigüenza

San Miguel Arcángel. Museo Bellas Artes de Sevilla

Para saber más

2 agosto 2017

LA IGLESIA DE SANTA MARÍA DE COGOLLUDO

Filed under: Gótico, General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:34

En la parte alta de la población, cercana a los restos del castillo se encuentra este templo que, pese a su exterior clasicista, pertenece al llamado estilo gótico arcaizante que, ya metidos en pleno siglo XVI mantiene las formas del flamígero.

Cuatro de sus rincones merecen la atención.

En el exterior se mantiene una puerta lateral de estilo plateresco evolucionado (cercana a los modos alcarreños de Gil de Hontañón, como las curiosas volutas de la parte alta) y una torre más cercana al mundo herreriana.

El interior es una gran nave salón de tres naves de igual altura sustentadas por pilares fasculados, coro a los pies y bellas bóvedas estrelladas.

Cercano a los pies se exponen varias lápidas funerarias realizadas en alabastro (un material abundante en la zona) de los siglos XV y XVI

26 julio 2017

CRISTO DEL OLVIDO. ORGAZ

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:30

En una de las magníficas capillas del transepto que construyó Alberto Chuttiguera para la iglesia Santo Tomás Apóstol de Orgaz se encuentra este cristo gótico (siglo XV?) de fuerte expresividad en su anatomía descoyuntada (que mucho tiene de germánica con sus brazos en Y) y sincopada (magnífico el grafismo con el que se elabora el pecho que haría pensar en fechas bastante más tempranas y que podría relacionarse con el gusto de la época de realizar las carnaciones con cuero seco)

 

6 julio 2017

Monumento ecuestre a Oldredo de Tresseno

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:11

Esta obra ecuestre se encuentra vinculada con el taller de Antelami y se dedica a Oldrado da Tresseno, comitente del Palazzo della Ragione de Milán, en donde se encuentra adosada.

Muy probablemente se debía vincular con otra estatua ecuestre de la fachada del Duomo de Lucca dedicada a San Martín que ya analizamos aquí

 

DE TURISMO POR MILÁN

 

14 junio 2017

LA DEESIS

Filed under: Gótico, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:54

Deesis protogótica. Museo Marés. Barcelona

Su origen, como el de tantas iconografías, se encuentra en el mundo bizantino.

Mosaico de Santa Sofía

La Virgen y San Juan se sitúan a ambos lados del Pantocrator en actitud de súplica (en griego la palabra significa plegaria), convirtiéndose en intercesores.

San Juan del Hospital. Valencia

Su llegada a Occidente (en torno al siglo XII) coincide con un cambio de la sensibilidad religiosa plasmado en dos grandes aspectos.

Alba de Tormes

Como vimos aquí, se comienza a pasar del Maiestas Domini (Cristo triunfante en la Cruz que no sufre) al crucificado de tres clavos en donde va adquiriendo cada vez más importancia lo humano, los sentimientos, la empatía provocada por los dolores y sufrimientos de la Pasión.

Por otra parte, y en el mismo sentido de humanizar la religión, la Virgen gana importancia en sus múltiples iconografías, convirtiéndose en intercesora entre Dios (que también es su propio hijo) y la humanidad.

Debido a esto la Deesis bizantina cambia el Pantocrator por un crucificado, manteniéndose  San Juan y la Virgen a sus pies que establecen la intercesión a la vez que señalan el sufrimiento de Cristo.

Museo Diocesano de Cuenca

La iconografía será habitual desde mediados del XII, aunque con el tiempo la función intercesora pierde fuerza para convertirse en tema narrativo (El Calvario) que incide más en lo ejemplificante del episodio que es la piedra angular de la doctrina cristiana (la muerte de Cristo y su posterior resurrección son el eje de la religión, rompiendo con el mundo antiguo y abriendo la posibilidad de Otro Mundo)

Retablo de San Román. Toledo. Siglo XVI

Derivado de esta iconografía aparecerá también en estos momentos el tema del descendimiento, como ya vimos aquí

 

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