Palios

21 mayo 2018

EL RETABLO DE LA CATEDRAL VIEJA DE SALAMANCA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:12

Realizado entre 1430 y 1450 es uno de los elementos más tempranos del pre-renacimiento en España.

Jesús entre los doctores / Bautismo de Cristo

Se encuentra realizado por Dello Delli y sus dos hermanos: Sansón Delli y Nicolás Florentino.

Incredulidad de Santo Tomás

La historia de la familia es verdaderamente apasionante. Nacidos en Florencia, tras la condena a muerte de su padre por traición a la república, se moverán por Siena o Venecia hasta recalar en España, primero trabajando en Barcelona y más tarde en Salamanca (bajo el patrocinio del propio rey Juan II). Su vida (la de Dello Delli) terminará en Nápoles, bajo el patronazgo de Alfonso el Magnánimo (para el que, posiblemente, también practicaría la arquitectura, como menciona Filarete) mientras que Nicolás Florentino seguirá trabajando en España

Bautismo de Cristo

Marías ante el sepulcro

En el retablo se nos presentan los ciclos de María y Jesucristo, coronándolo (al fresco) un magnífico Juicio Final (obra de Nicolás)

 

Noli me tangere

Su estilo es una curiosa mezcla de elementos trecentistas (especialmente sieneses en sus colores pálidos y anatomías de canon esbelto), del gótico internacional ( formas incurvadas, preciosismo en los detalles… ) e incluso soluciones arquitectónicas ya quattrocentistas (en sus logias y cubiertas), aunque nada del mundo generado por Masaccio (realizadas ya cuando los Delli habían ido de Florencia)

Magdalena y el tarro de ungüentos

Prendimiento

Jesús como peregrino

Cristo en el Monte de los Olivos

El Juicio Final del cascarón del ábside (obra de su hermano menor, cuando Dello había partido hacia Italia) evoluciona hacia modelos más expresivos (¿por la proximidad de autores locales, como el propio Gállego?)

Su esquema de Cristo en el centro responde al mismo modelo que un siglo después utilizará Miguelñ Ángel en la Sixtina

 

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11 mayo 2018

EL ARCA DE SAN ISIDRO. UN MAGNÍFICO EJEMPLO DE PINTURA GÓTICA

Filed under: Madrid — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:03

La llamada Arca de San Isidro, construida a finales del siglo XIII, o comienzos del XIV, contiene uno de los grupos de gótico lineal más importantes de Castilla .

El Arca en su actual localización, en la girola de la Almudena

Tomado de wikipedia

Su decoración desarrolla las escenas detalladas en el Códice de Juan Diácono, escrito realizado en el siglo XIII. Esta primera hagiografía del santo se encontró en la propia Arca, que según sabemos en la actualidad era la segunda que se realizaba al santo (la primera había sido de tiempos de Alfonso VIII, tras su conquista de Madrid)

Cristo como Ecce Homo entre María y María Magdalena

Milagro de los bueyes que ya explicamos aquí

Anunciación

Milagro del trigo que nunca acaba por vaciar su bolsa.

Estilísticamente la obra parte de las ideas del gótico lineal que, aun con rasgos románicos en su falta de perspectiva o dibujo, intenta una mayor relación por los personajes, con un gusto por lo narrativo y anecdótico que cargan de humanidad las figuras hieráticas del románico (aquí las explicamos con mayor profusión)

 

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16 abril 2018

CRUCIFICADO. TALLER DE GIL DE SILOÉ. SANTO TOMÁS DE ÁVILA

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:04

Como ya veíamos en el Ecce Homo de la Catedral de Palencia, Gil de Siloé y su taller planteó su trabajo en madera con unos presupuestos sumamente distintos al gusto de gótico internacional y florido de sus obras en alabastro.

 

La madera es el mundo de un gótico final mucho más vinculado con la devotio moderna y los modelos germánicos de talla dura y exceso de dolor en sus múltiples heridas, muy semejante al realizado en el Retablo de la Cartuja de Miraflores

Tan sólo el paño de pureza permite un mayor decorativismo (presente en sus retablos completos, como el de Santa Ana en la Catedral de Burgos)

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GIL DE SILOÉ

11 abril 2018

LA ICONOGRAFÍA DE LA PIEDAD (1). EL MUNDO GÓTICO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:01

Tomado de wikipedia

A finales de la Edad Media se desarrolló un tema que tendría una amplia repercusión posterior: la Piedad.

En él aparece la Virgen recogiendo sobre sus piernas el cuerpo de Cristo muerto.

Sin referencia directa a los evangelios canónicos su origen habría que rastrearlo en los conventos femeninos de a zona del Rin en torno al siglo XIV.

Piedad. Van der Weyden

Muy probablemente se vincula con escritos místicos como el de Santa Brígida,  el Satabat Mater de Jacopone de Todi (1236-1306) , utilizado como brevario de Pasión en los conventos o las Meditationes Vitae Christi, atribuida a san Buenaventura o al PseudoBuenaventura

Vi a mi hijo, con un aspecto peor que un leproso, le entregué toda mi voluntad,sabiendo que todo había ocurrido según su voluntad y no habría sucedido si Él no lo hubiese permitido. Le di las gracias por todo y cierto júbilo se entremezcló con mi tristeza, porque vi que Él, quien nunca había pecado, por su grandísimo amor, quiso
sufrirlo todo por los pecadores. ¡Que esos que están en el mundo contemplen lo que pasé cuando murió mi Hijo, y que siempre lo tengan en su memoria!” (…) “Lo recibí sobre mis rodillas como un leproso, lívido y magullado, porque sus ojos estaban muertos y llenos de sangre, su boca fría como la nieve, su barba rígida como una cuerda

Santa Brígida de Suecia, Profecías y Revelaciones

Se crearon así pequeñas esculturas en terracota de fuerte expresividad denominadas Vesperbild (en alusión a las Vísperas del Viernes Santo, hora canónica en la que Cristo fue desclavado de la cruz y puesto en brazos de su Madre).

Piedad germánica siglo XV. Vesperbild

Tomada de wikipedia

A partir de este origen el tema se extendió por el resto de Europa pues conectaba perfectamente con el espíritu de la Devotio Moderna que dominó el siglo XV y fue adoptado por las cofradías pasionarias que florecieron a final de la Edad Media, convirtiéndose después en una imagen frecuentemente utilizada para las capillas funerarias.

Museo Marés

En realidad, su éxito se basaba en la perfecta relación con el momento histórico  y la  visión intrínseca del sentido escatológico de la muerte, resultado además de las calamidades que las distintas sociedades europeas padecieron en los siglos finales del Medievo, con la transición
del final del feudalismo a la modernidad (Gabardón de la Banda)

Bartolomé Bermejo. Piedad del canónigo Desplá

Tomado de wikipedia

Se unía en ella la idea de maternidad (tan básica en el mundo gótico, como ya vimos aquí), con la de la muerte, refiriéndose, además, al carácter protector de María (y por ello, vinculada a la Virgen de la Misericordia) que actuaba como intercesora entre los hombres y la divinidad.

Gállego. Piedad

Tomado de wikipedia

Esta iconografía será retomada de forma obsesiva por Miguel Ángel que le dará nuevos sentidos a su representación, como pronto veremos aquí

 

ICONOGRAFÍA MARIANA EN EL GÓTICO

 

Para saber más:

https://www.ucm.es/data/cont/docs/621-2015-06-03-Dolor_y_lamento_muerte_de_Cristo.pdf

16 marzo 2018

SAN CARLOMAGNO. GIRONA

Filed under: CATALUÑA, Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:40

Una de las piezas claves para comprender la valía como escultor de Cascals es esta estatuas de bulto redondo de San Carlomagno que que objeto de culto en la catedral de Gerona a mitad del siglo XIV

Realizado en alabastro policromado , nos muestra el estilo personal del escultor que combina los cánones e incurvaciones del gótico manierista con un modelado seco, de paños cortantes en sus pliegues.

Como es habitual, bajo sus pies, domina demonios, como perfecto ejemplo del guerrero que era que, en la zona norte de Cataluña, se tenía como el gran liberador de los musulmanes (lo que, históricamente, era poco cierto).

Tampoco hoy lo reconocemos oficialmente como santo, pues el antipapa Pascual III en 1116 fue el que lo canonizó, no reconociéndose en la actualidad

 

11 febrero 2018

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS (2) EL INFIERNO

Filed under: Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:37

En el post anterior analizábamos la posible simbología de las otras dos tablas (izquierda y central)

Esta (la derecha) es la conclusión lógica de una lectura lineal (la más clásica) que nos llevaría de la creación al infierno pasando por el pecado (algo que se repetiría en otras obras suyas, como el Carro de Heno).

Su propia composición es ya un indicio de los malestares que nos vamos a encontrar, sin el apoyo de una trama geométrica para el reparto de las distintas figuras, como ocurría en las otras dos tablas.

De esta manera los personajes y las acciones se apelmazan e, incluso, se interrumpen en los variadísimos castigos que sufren.

Curiosamente, el más tradicional, el fuego, no es el más representado, y sólo aparece como un incendio lejano (más un estado de ánimo que un verdadero castigo) en la zona más alta, creando un intenso contraluz que domina la escena.

Frente a ello, el Bosco (como ya era habitual desde mediados de la Edad Media) va creando un catálogo de diversos castigos, vinculándolos a los diferentes pecados.

Algunos de ellos son una revisión de la famosa visión de Tungdal (mediados del XII) como el monstruo de pico de hierro (convertido en un pájaro por el Bosco) que come a los condenados y los expulsa en forma de excrementos (acaso el castigo de los glotones).

En otros casos juega con estas referencias medievales y convierte el lago helado en un lugar un tanto irónico, en donde algunos condenados patinan y otros caen en el hielo roto (¿o acaso es el mismo dos veces representado?)

Existen también admoniciones a los pecados de la soberbia (una mujer que se mira en el espejo mientras que unas finas garras la sujetan)

 , el juego (que produce peleas y asesinatos),

o la crítica al clero que no mantiene sus votos (especialmente la castidad)

Junto a estos episodios, existen dos escenas que siempre han llamado particularmente la atención y que hasta hoy no tienen una explicación satisfactoria.

El primero es el famoso árbol-hombre, una extraña construcción que representa a un hombre (acaso el autorretrato del pintor) cuyo viente se abre para mostrarnos una escena de taberna.

Sus piernas arbóreas se apoyan en barcas sobre el lago, lo que ha hecho pensar a Yarza “Este personaje singular es el engañador por excelencia, el inestable en la forma y el equilibrio, el Diablo”.

Se ha hablado también de la sífilis por la úlcera mal tapada bajo su rodilla.

Sobre él se encuentran las famosas orejas que llevan un cuchillo entre ellas, un claro símbolo fálico

El segundo conjunto es el llamado “infierno musical”, un alucinante conjunto de condenados que sufren las más terribles torturas proporcionadas por instrumentos musicales.

La música en la obra del Bosco siempre tiene connotaciones negativas, relacionándola con el pecado de la Lujuria (Carro de Heno). Según Brant existen numerosos refranes que aluden a ella, como la gaita como órgano sexual masculino o la idea de tocar el laúd para hablar del acto sexual.

(Una hipótesis distinta, su relación con lo órfico)

Llama la atención el pentagrama de la parte inferior que se continúa en el trasero de uno de los personajes aplastado por un laúd.

Es una música inquietante, extrañamente monótona, que pone la banda sonora a la escena (aquí podéis oirla)

Una melodía que nos vuelve a hablar de un Bosco medieval cuando en Italia llegaba a su cénit el Renacimiento (Resulta interesante comparar esta música, y toda la estética de la obra, con otra contemporánea, unos cientos de kilómetros hacia el sur, la Bacanal de Tiziano que ya analizamos hace pocas semanas en este blog)

 

Imágenes tomadas de wikipedia

 

 

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10 febrero 2018

EN TORNO A LAS INTERPRETACIONES DEL JARDÍN DE LAS DELICIAS (1)

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:09

Pocos cuadros son tan enigmáticos (y precisamente por ello) sometidos a tantísimas interpretaciones, como este Jardín de las Delicias del Bosco.

Por ello, no podemos pretender dar una explicación total del mismo. Más bien realizar una serie de aproximaciones al mismo que nos permitan intuir su increíble polisemia.

En principio, deberíamos interpretar la obra como una reflexión sobre el origen y destino de la humanidad, que comenzaría (en la grisalla de las puerta) con el Tercer Día de la Creación para pasar a la Presentación de Eva a Adán (panel izquierdo) con la Fuente la vida en su eje compositivo y multitud de animales (la mayoría nunca vistos por el Bosco que probablemente recurriera a los Bestiarios Medievales o a las descripciones literarias que se habían multiplicado desde tiempos de Marco Polo hablando de lugares exóticos)

En muchos de ellos se utiliza la combinatoria típica del artista (que volverá a explotar en el infierno) en donde se mezclan características de varios animales o se desarrollan (lógicamente) criaturas que , aunque nunca existieron, habrían sido posibles.

 

En alguno de estos seres vemos aparecer escenas de violencia que desmentirían el carácter paradisíaco de la escena.

Las formas geológicas sufren semejantes metamorfosis, convirtiéndose en la inspiración directa de Dalí

En la zona central comienzan nuestras dudas.

Se podría tratar de una explicación del pecado de la lujuria, pues si lo observamos de arriba a abajo encontramos un primer estanque poblado por criaturas fantásticas, como sirenas (el paraíso antes del hombre, aunque algunas parejas comienzan a invadirlo).

Bajo él se encuentra otro lago más reducido en donde una extraordinaria cabalgata de hombres gira en torno al agua ocupada por las mujeres (muchas de ellas rubias, siguiendo el modelo de Venus)

Estas, comienzan a salir del agua, para iniciar la desenfrenada orgía de la parte baja en donde decenas de parejas se entregan a los placeres carnales entre frutos (rojos y azules) y animales de tamaño gigantesco.

En la parte inferior izquierda aparece Adán (¿acompañado por San Juan Bautista?) que señala admonitoriamente a Eva.

Según Vandenbroeck, se trataría de un falso Paraíso, el de los sentidos (llamado Grial en la época), aunque otros autores hablan de una posible ilustración del uniros y multiplicaros bíblico, o, incluso, lo que podría haber sido el Paraíso de no haberse cometido el pecado original.

Esta última teoría (Jean Wirth) sería el planteamiento de una utopía, aquella interrumpida por la libertad humana (Uno de los destinos posibles y nunca sucedidos que Adán y Eva nos impidieron).

De ser cierta se rompería el carácter moralizante de la lectura de izquierda a derecha en donde al pecado se sucede el castigo, convirtiéndose el cuadro en un sendero borgiano de caminos de bifurcan que podría casar con los ricos e ilustrados comitentes con los que se relacionó el Bosco

En toda esta parte aparecen por doquier las frutas rojas (asimiladas en la Edad Media al Amor y, en este caso al amor carnal, siendo la expresión “coger fruta” similar a la práctica de la sexualidad, pero también claros símbolos de lo efímero que resultan estos placeres) y las aves (como el petirrojo, asociado a la lascivia, o los búhos a la maldad)

También es constante la presencia de extraños tubos transparentes en los que algunos autores han querido ver significados o contenidos alquímicos (aunque también se ha hablado de un refrán flamenco que compara la felicidad con el vidrio, tan bello pero tan frágil)

Por último, el panel derecho representa el infierno, uno de los más alucinantes que jamás se han imaginado.

A él le dedicaremos un  post

 

 

Imágenes tomadas de wikipedia

 

 

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5 febrero 2018

PINTURAS GÓTICAS EN SAN MARCOS. SALAMANCA

Filed under: castilla león, Gótico — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:31

En la curiosa iglesia románica de San Marcos (Salamanca) que ya analizamos aquí, aparecieron tras su restauración un conjunto de tres pinturas góticas que se han datado en los principios del siglo XIV.

La primera de ellas representa al sempiterno San Cristobalón que, apoyado en una palmera, pasa el río llevando a hombros a Jesús Niño, con una multitud de pequeños personajes que, literalmente, lleva atados a su cinturón.

En los ábsides se han encontrado dos figuras que, en una lectura conjunta, representarían la Anunciación.

Por último, en el ábside contrario se desarrolla la Coronación de la Virgen con tres escenas inferiores que representan, entre otros temas, su Bajada al Limbo.

Pese a la fecha su estilo se encuadra perfectamente en el gótico lineal tanto por la vivacidad del trazo, la relación de los personajes (aún sometidos a numerosas convenciones) y el gusto por la decoración de sus fondos que habría que relacionar con la iluminación de libros miniados

3 febrero 2018

ROBERT CAMPIN. SANTA BÁRBARA Y SAN JUAN BAUTISTA. TRÍPTICO WERL

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 18:09

El Museo del Prado conserva las dos alas laterales, habiéndose perdido la tabla central.

En una de ellas encontramos al Bautista, mientras que la otra está dedicada a Santa Bárbara (advocación que conocemos gracias a la torre, su símbolo, que aparece en el paisaje).

También conocemos el nombre del donante gracias a una inscripción del propio artista:

“En el año 1438, pinté esta efigie de Maestre Enrique de Werl, doctor de Colonia”, Provincial de la Orden Franciscana, catedrático de Teología y predicador de notable fama.

Y aquí acaban nuestras certezas.

La obra resulta tardía en su producción (morirá en Tournai 6 años después), cuando su vida se había ido complicando progresivamente (con varias condenas por participar en un levantamiento de artesanos y, posteriormente, por relaciones extraconyugales).

Para entonces, su gran discípulo Van der Weyden ya se había convertido en maestro y trasladado a Bruselas y su gran rival, Van Eyck, cosecha todos los éxitos posibles.

De hecho, varios autores han querido observar en esta obra numerosos préstamos tanto de Van Eyck, como el espejo tomado del Matrimonio Arnolfini pintado cuatro años antes, la dura oposición entre el verde y el rojo en la figura de la santa o un tratamiento mucho más sutil de la luz para conseguir las distintas texturas

Se habla, incluso, de su antiguo discípulo, Van der Weyden, en el canon de las figuras más alargado o los pliegues mucho más pequeños y movidos que en el resto de su obra anterior.

Sea como fuera estas dos tablas son un verdadero compendio de la pintura de los primitivos flamencos, cuyas principales características ya comentamos aquí, y una de las mejores interpretaciones de la piedad religiosa de la época, acaso más lírica que la de Van Eyck, en donde se prescinde del lujo de las obras más oficiales de este último para conseguir una intimidad doméstica y una dulzura extraordinaria

Van Eyck. Virgen Canciller Rolin

 

PARA SABER MÁS DE ROBERT CAMPIN

 

Fotos tomadas de wikipedia

 

 

2 febrero 2018

GIOVANNI DA PONTE. LAS SIETE ARTES LIBERALES

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:21

Tomado de trecentoandquattrocento.wordpress.com

Entre el último gótico y el primer renacimiento. Esa es la posición.

 Este frontal de arcón nupcial (casone) nos habla de las múltiples maneras en las que se produjo el paso entre el último gótico y el primer renacimiento.

Del primero nos queda la caligrafía elegante del gótico internacional, su detallismo a la hora de representar las florecillas del campo o el fondo realizado en un gran campo de pan de oro.

Sin embargo, junto a estos datos retardatarios, existe una voluntad de volumetría en las figuras (que ha menudo se han relacionado con Massolino), creando un suelo (aunque algo alzado) que permite aposentar los pies de los personajes

Con una composición simétrica compuesta por figuras que contraponen su posición y movimientos, busca dar una cierta monumentalidad (renacentista) a la escena que contrapone con lo anecdótico (y gótico) de los múltiples y diminutos putti que sobrevuela las cabezas de los asistentes.

Hasta el tema nada entre dos aguas, y si este frontal habla de las siete artes liberales (una idea tan renacentista, con numerosas citas a personajes clásicos), el que hacía pareja lo hacía sobre las siete virtudes.

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