Palios

11 enero 2020

Análisis y comentario del MATRIMONIO ARNOLFINI

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 9:29

Esta obra se titula el Matrimonio Arnolfini y está realizada por el gran pintor Jan Van Eyck. Este autor es perteneciente a la pintura primitiva flamenca, desarrollada durante el siglo XV y XVI

La obra no tiene un tema en concreto, sino que se van descubriendo diferentes según las distintas iconografías.

Es un retrato de Giovanni Arnolfini, quien fue un mercader, junto a su esposa. En la pintura se representa el momento en el que están contrayendo matrimonio. Como podemos observar por sus ropajes y el detalle, bastante indiferente pero importante, de las naranjas localizadas bajo la ventana, la pareja goza de una buena economía. Lo que hacen que esto se perciba es la minuciosidad con la que están tratados los objetos.

El Matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla.

En esta época se comenzara a utilizar esta técnica, que utiliza como aglutinante el aceite, que hace que la obra tenga un acabado brillante. Además, esta permite corregir lo ya pintado y crear transparencias añadiendo una mayor cantidad de aceite al pigmento. La gran ventaja de esta técnica es su acabado suelto y fino, además de poder trabajar con lentitud, cosa que el fresco no permitía.

Su composición es simétrica, algo bastante característico del pintor. La obra da una sensación de estaticidad a pesar de las manos juntas del matrimonio, a como la esposa se toca la barriga o como el propio Arnolfini levanta la mano. La línea que predomina es la vertical, y se crea una especie de gran óvalo central en torno al espejo.

Se trata de una composición tectónica.

Hay un predominio de la línea sobre el color.

La línea es fina y curva, creando un dibujo nervioso y detallista. Los colores son tanto fríos (verde del vestido de la dama) como cálidos (rojo de la cama, pardos), saturados, realistas y volumétricos gracias al claroscuro

Hay un interés claro por la luz con la representación de la ventana y un predominio de claroscuros, lo que busca un mayor realismo, reflejado en las sombras que se crean en el suelo por las figuras como las patas traseras del perro o la esquina del mueble en el que se encuentran las naranjas.

Con esta luz y su forma de incidir en los distintos objetos también se crean texturas, dando más realismo a la pintura.

El espacio interesa, aunque resulta aún un poco alzado.

Es muy importante para su creación la aparición del espejo que multiplica la estancia e, incluso, entraría en el lugar físico en donde se encontraría el espectador.

Las figuras son realistas, tanto que en el espejo del fondo podemos ver reflejados al propio pintor y a la persona que oficia el matrimonio. El canon de estas es realista, pues no quieren deformar la realidad, sino mostrar lo que aparece. Sus posiciones son totalmente estáticas y poco expresivas.

COMENTARIO.

Como es evidente por todas las características vistas esta obra pertenece a los primitivos flamencos, en concreto a Van Eyck.

En estos pintores (Flandes siglos XV y XVI) es sumamente importante la aparición de nuevos comitentes, especialmente burgueses muy acomodados que buscan en sus retratos una representación de su poder económico. Por ello, trata los objetos con minuciosidad, intentando representar con ellos el alto status social de los retratados. Sin embargo, el pintor da otros mensajes con los diferentes objetos, creando iconografía a través de ellos.

En primer lugar los atuendos que llevan puestos los personajes es otra de las fuentes para conocer el estilo de vida del matrimonio. La mujer lleva un vestido largo que en la época requería de una manipulación bastante costosa.

El espejo al fondo de la imagen es muy relevante, pues es uno de los objetos más complejos y detallistas de la obra. En él podemos ver el espacio desde atrás, además de estar reflejado el mismo pintor (lo cual será adoptado por Velázquez mas tarde en Las Meninas), según unas fuentes, y el hombre que oficiaba la unión matrimonial. Además, el espejo consta de diez circunferencias más pequeñas que el propio espejo en el que se representa la vida de Cristo: las cuatro de vida, las cuatro de la muerte y la resurrección, siendo el punto medio la crucifixión. Esto dota a la pintura de un carácter religioso. Sobre el espejo, algo realmente innovador, está la firma del propio pintor.

El candelabro con una sola vela encendida simboliza también a Dios. El perro entre el matrimonio indica bienestar y fidelidad.

Aunque parezca que la mujer está embarazada, lo que en realidad hace es recogerse el vestido. Sin embargo, la pose y como el vestido está arrugado quiere crear la sensación de fertilidad. Los zuecos, junto a Arnolfini y al fondo de la pintura, simbolizan la casa y la vida familiar. Las naranjas son símbolo de riqueza, ya que esta fruta era importada desde el sur y resultaba muy cara. La figura monstruosa tallada en la silla tras las manos cruzadas de ellos simboliza un mal augurio. La imagen de santa Margarita de Antioquia, patrona de las embarazadas y de los alumbramientos.

 

Realizado por

Bogdana Iskrenova (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

7 enero 2020

LORENZO VENEZIANO. De la maniera greca al gótico internacional

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:46

Santiago. Academia. Venecia

Activo en la segunda mitad del siglo XIV en Venecia representa el paso de la pintura bizantinante a los postulados del gótico internacional, demostrando el retardo de la laguna respecto a otras zonas italianas del centro de la Península en donde este tránsito se había operado a finales del duecento y primera mitad del Trecento.

De la herencia bizantina (heredada de su maestro, Paolo Veneziano) se destacan los fondos dorados y numerosas iconografías, como pueden observarse en el tríptico del Thyssen.

Frente a este aprendizaje su pintura evoluciona rápidamente hacia la sinuosidad y elegancia del Gótico internacional, quemando etapas, al saltar por completos las manieras giottescas y de Simone Martini

Anunciación. Academia. Venecia

San Pedro. Academia. Venecia

Sus figuras alargan el canon y rápidamente se incurvan.

Anunciación. Academia. Venecia

El claroscuro gana importancia para dar volumen a caras y manos mientras que fondos y vestuario se estetizan, multiplicándose las formas ornamentales en las figuras principales, mientras las secundarias hacen un estudio muy elaborado de las formas tridimensionales.

Matrimonio Místico. Santa Catalina. Academia. Venecia

Del primer hieratismo se pasa entonces a una suave melancolía, tan típica del estilo y el gusto por las relaciones suaves de los personajes.

San Esteban. Academia. Venecia

Tal evolución, le pone en las mismas puertas del Gótico Internacional e, incluso, está avanzando rasgos que serán básicos en el Renacimiento

San Juan Bautista. Academia. Venecia

Academia. Venecia

30 diciembre 2019

Maestá. Simone Martini

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:42

Pintada al fresco, gran parte a secco, en uno de los lados cortos de la sala del Mapamundi del Palazzo Pubblico de Siena (1315), constituye la primera obra segura de Simone Martini que sigue la tradición iniciada por Duccio en su Maestá de la catedral

La escena se enmarca en un marco pintado de mármoles (zona baja) y una gran cenefa con medallones en donde aparece Cristo, los evangelistas y los profetas.

En el centro encontramos la tradicional representación de la Virgen en su trono con el Niño (evolución de las vírgenes hodigitrias bizantinas) rodeadas de santos y ángeles.

Aunque el contenido parezca religioso tiene un fuerte contenido político, tanto por el lugar elegido (sala de consejo del ayuntamiento medieval) como por su inscripción (Las angelicales flores, las rosas y azucenas / que cubren los campos celestiales / no me deleitan más que un recto consejo. / Más a algunos veo que en su propio beneficio / me desprecian y engañan a mi patria / siendo tanto más celebrados cuanto más maledicentes).

En el fondo, esta inscripción es toda una advertencia a las disputas internas de la ciudad entre los Salimbeni y los Tolomei, teniendo incluso que pedir la mediación del rey de Nápoles.

Estéticamente, la pintura es todo un compendio del estilo de Simone que hace evolucionar los esquemas rígidos de Duccio tanto por la composición (la estructura en filas se vuelve más fluida, crea una especie de ábside en torno a la Virgen, dando profundidad a la escena que es reafirmada por el palio superior) como en el propio dibujo, mucho más exquisito en sus formas curvilíneas (influidas por la pintura francesa de miniaturas) y la suavidad del color (con abundante pan de oro que haría recordar a los grandes tapices.

Todo emana una suave poesía que se culmina con el palio de exquisito movimiento y suavidad, movido por una invisible brisa, que cobija una belleza delicada y serena, muy lejana del realismo giottesco.

 

Imagen tomada de wikipedia

 

23 diciembre 2019

ARNOLFO DI CAMBIO. EL PRIMER BELÉN MONUMENTAL

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:44

Aunque su invención se atribuye a San Francisco (el famoso belén viviente de Greccio), la prueba material más antigua que conservamos los las pocas figuras que han sobrevivido del nacimiento que hiciera Arnolfo di Cambio en 1289, encargadas por el Papa Nicolás IV, y en la actualidad visitable en Santa María Maggiore(Roma)

Este escultor se había educado en el taller de los Pisano, convirtiéndose más tarde en arquitecto (Santa María de las Flores). Al igual que Giotto es un típico representante del prerrenacimiento que surgió en la Italia del Trecento.

ARNOLFO DI CAMBIO. FOTOGALERÍA

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TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

19 noviembre 2019

LORENZO DE MERCADANTE. SEPULCRO DEL CARDENAL CERVANTES

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:14

Como ya vimos aquí, esta es la obra inaugural del autor en Sevilla, situada en la capilla de San Hermenegildo de la Catedral.

En ella vemos un difícil equilibrio entre las formas góticas borgoñonas y los influjos renacentistas italianos.

Concebida como un túmulo exento con la figura yacente apoyada en tres cojines (sus tres dignidades), de ampulosos paños y realismo en su rostro y con los laterales ocupados por ángeles que portan sus escudos, con plegados mucho más cortantes (¿obra de colaboradores?)

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA CATEDRAL DE SEVILLA

7 noviembre 2019

Estandarte procesional de disciplinantes. Asís

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:06

Excepcional muestra de lo que serían los estandartes procesionales del Trecento (1301)

Creado por un pintor anónimo nos muestra en el centro a San Francisco (pertenecía a la hermandad disciplinante de San Francisco de Asís) bajo palio y rodeado de ángeles (una clara transposición de las habituales Maestades)

Bajo él se encuentran los disciplinantes como donantes, en torno a un esqueleto (característico de la mentalidad trecentista sobre la muerte, uno de los objetivos centrales de estas hermandades que se disciplinaban por las calles para purgar sus pecados mientras reflexionan sobre la brevedad de la vida y que conocerán un extraordinario crecimiento con la llegada de la Peste Negra)

5 noviembre 2019

LA IGLESIA DE SAN GIOVANNI EVANGELISTA. RÁVENA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:22

La iglesia, muy reconstruida tras la II Guerra Mundial,  fue donada por  Gala Placidia a la ciudad de Rávena como voto realizado en su azaroso viaje a Oriente para tomar el trono imperial en Constantinopla para asumir la corona oriental en nombre de su hijos Valentiniano III

Según narra la leyenda, un día antes de la consagración de la misma, el propio San Juan se le apareció a la emperatriz que se arrodilló ante él, tocando su sandalia (que quedaría como reliquia en la iglesia), tal y como narra el portal gótico (siglo XIV) que aún se conserva.

La edificación tendría las típicas características paleocristianas de la ciudad, con tres naves y una deslumbrante (pero desaparecida) decoración musivaria.

En ella se descubrieron un interesante ciclo de mosaicos del siglo XIII

 

DE TURISMO POR RÁVENA

24 octubre 2019

Gudoriccio da Fogliano. Simone Martini

Filed under: Gótico — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:01

 

 

 

 

 

Fresco realizado en Sala del Mapamundi del Palazzo Pubblico de Siena, y por tanto, enfrentado a la Maestá, se atribuye tradicionalmente a Simone Martini, aunque últimas restauraciones ponen en duda (según algunos autores) la autoría.

Se trata de la representación del condottiero Giudoriccio da Fogliano en su conquista de Montemassi y Sassoforte.

La obra es una mezcla de elementos antiguos y vanguardistas, unidos por una sutil poesía.

Novedosa es la aparición ecuestre (hasta el momento tan sólo utilizada, como en Verona, en contextos funerarios) unida a un tema político que nos habla de la preponderancia cada vez mayor que tendrán estos condottire.

También lo es la plasmación en perspectiva (aunque abatida) de ambas ciudades que anuncian las futuras obras de los hermanos Lorenzetti.

Frente a estos rasgos (cercanos a la vanguardia propugnada por el Giotto) hay un sentido poético a la hora de unir todos los elementos, dando al paisaje una indefinición perpectívica en favor de una creación de marco armónico (el del azul profundo del cielo frente a los sienas de la campiña; el de las suaves ondulaciones de la misma; la ondulación de las vestiduras de caballo y caballero; la exquisitez del dibujo de dichos paños frente al detallismo casi científico del campamento…)

Imágenes tomadas de wikipedia

15 octubre 2019

SANTO DOMINGO DE SILOS. Su segunda y tercera vida

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:58

Tras su peripecias en Cañas y Yuso, y obligado por la animadversión del rey de Navarra, Santo Domingo  huye a castilla en donde otro rey, Fernando I, le encarga la refundación del monasterio de San Sebastián de Silos (1041), arruinado tras las las razzias de Almanzor, según las normas benedictinas de Cluny

Cenotafio. Siglo XIV

Allí inició las obras de de la nueva iglesia románica y el claustro, a la vez que creó talleres de copistas (el famoso Beato de Silos), esmaltes y orfebrería.

Redención cautivos. Siglo XIII

Entre sus numerosas obras de caridad recogerá limosnas con la que rescatará cautivos del Islam (en honor suyo, muchos de ellos regresaron al monasterio dejando sus cadenas como exvoto).

La fama de sus acciones y los milagros una vez muerto hizo que múltiples peregrinos se desviaran del camino de Santiago para visitar sus restos, primero establecidos en el claustro, más tarde en la iglesia en un gran altar de esmaltes.

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE SILOS

 

ÍNDICE DE SANTOS

13 octubre 2019

Capilla del oidor y ermita del Cristo de la luz . Alcalá de Henares

Filed under: General, Madrid — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:41

Ahora el conjunto es un edificio independiente pero en su origen fue una capilla de la gran iglesia de santa María, perdida en la guerra civil.

Se trataba de una capilla que en el siglo fue comprada en el siglo XV por el Oidor del rey Juan II de Castilla, don Pedro Díaz de Toledo, decidió construir un panteón


De esta época son las yeserías que mezclan formas fornas góticas y mudéjares y la magnífica reja de Gil de Hontañon


En su centro existe una pila bautismal, reconstruida con los fragmentos que se conservaron tras el derrumbe de las naves.
En ella fue bautizado Cervantes tal y como consta en la documentación.


Anejo a ella se encuentra la ermita del Cristo de la Luz. , construcción barroca de cúpula encamonada y bóveda de cañón con lunetos.

 

DE TURISMO POR ALCALÁ

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