Otra de sus obras cumbres es el gran crucificado de la Expiración.
Su autor (vinculado a Vázquez el Viejo y Jerónimo Hernánez) hace un verdadero alarde de manierismo en la forma serpentinata de la figura, como si la muerte ascendiera torrencialmente por ella para exhalar el último suspiro por su cabeza en escorzo, que mira hacia el cielo.
Realizado en pasta de madera (y con un posterior y barroco paño de pureza que sustituyó al faldellín de tela real), se ha puesto en relación con el famoso crucifijo que diseñara Miguel Ángel para Vitoria Colonna (con una semejanza casi absoluta en la composición).
Algunas copias de él debieron circular por la Sevilla del momento (acaso Torrigiani, su compañero y adversario las trajera?)
Se trata de la primera vez que se trata el tema de la Expiración en el contexto sevillano que seguirá desarrollándose hasta su culminación en el Cristo del Cachorro (Ruíz Gijón), comenzándose en este punto la investigación (aún demasiado decantada por el diseño frente a la expresión interna) de la agonía como punto culminante de las emociones.
Vicente Camarasa
Pocas veces se puede encontrar en grado tan exaltado las características del manierismo exaltado de Juan de Juni como en este retablo que se encuentra ahora en el presbiterio de la Catedral de Valladolid (aunque antes perteneció a Santa María la Antigua)
Santa Bárbara
La propia arquitectura, aunque aún con notas platerescas, se desenvuelve en un verdadero horror vacuii que se potencia por sus “extravagancias” arquitectónicas (ruptura múltiple de las calles, extraña composición del ático, adición de edículos y formas arquitectónicas en el interior de las formas generales…) y plásticas (como la multiplicación de diminutas escenas en torno a los personajes centrales que “distraen” al espectador y le impiden concentrarse, creando un verdadero remolino de sensaciones, formas y colores imposible de descifrar tranquilamente)
A ello se une la multiplicación de perspectivas, la tremenda gestualidad (rostros pero sobre todo cuerpos) y las angustiosas arquitecturas que oprimen a las figuras obligándolas a salir del marco (como ya vimos en sus santos entierros)
Santa Lucía
Bajo kilos de polvo se puede uno maravillar ante este Cristo que se expone actualmente en Sevilla (Santo Ángel), en espera de su limpieza y restauración (de la que, si nos es posible, daremos buena cuenta con fotografías).
Hasta entonces nos hemos de conformar con estas imágenes y concluir que se trata de una de las mejores obras del imaginero, que tantas veces cultivo la figura del Crucificado, tanto vivo (Montserrat) como muerto (Estudiantes, Amor, catedral de San Isidro).
Llamado de la Agonía, nos lo muestra en sus últimas palabras, un instante anterior al espasmo que se producirá en el Cachorro.
Los rasgos estilísticos nos hablan de un maestro en la plenitud de su arte, y si la anatomía resulta asombrosa, aún más lo es su cabeza que avanza hacia nosotros con un escorzo magistral del cuello y nos mira por última vez, estableciendo una verdadera corriente eléctrica con el espectador.
Como es habitual en el autor, el paño de pureza se mueve y crispa en múltiples pliegues
Poco más se puede hablar de este verdadero gigante (más de dos metros) que fue un encargo directo, en 1626, de Juan Pérez de Irazábal, contador de Su Majestad, para una capilla de la parroquia de San Pedro de Vergara, el lugar de su enterramiento.
El retablo mayor de la iglesia de San Lorenzo es uno de los más espectaculares de la ciudad y con una rocambolesca historia.
La estructura corresponde a modelos suavemente manieristas, con cuerpos y calles perfectamente delimitados por columnas adosadas, frontones (en el piso superior) y falsos frontones compuestos por volutas (en el inferior)
Sin embargo, la altísima tasación que se hizo de él construida la arquitectura hizo que el retablo fuera interrumpido durante casi siete años, retomando su parte escultórica por Felipe de Ribas, realizando las esculturas superiores su hermano, Francisco Dionisio, mucho más secas y estáticas que las de la parte baja.
Ambos continuaron las maneras que el maestro había utilizado en Santiponce (aunque dándole un mayor bulto a las figuras principales, que se salen por completo del marco, como el San Lorenzo en la parrilla), así como la iconografía del santo (que ya explicamos aquí)
En la parte alta se sitúa un Cristo de bulto redondo, mientras que el piso intermedio se dedica ala vida de San Lorenzo, relacionándose con el Papa Sixto II y, en la siguiente, con los pobres.
Las inferiores (las mejores de todo el conjunto) se dedican a los suplicios del santo, azotado y más tarde puesto en la parrilla, dejando la zona central a una obra anterior, dedicada a la Virgen, ideada por Pacheco
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La figura de Sánchez Barba ha quedado un tanto desvirtuada por la desaparición de muchas de sus obras (San Isidro, Carmen Calzado…) quedando muy pocas obras autógrafas propias.
Tras su reciente restauración, hoy queremos alabar esta magnífica talla que se realizara para la iglesia de San José que, según contrato, debía vincularse formalmente a la que ya poseía la Compañía de Jesús de Gregorio Fernández en la sede de los Jesuitas.
Precisamente encontramos en ella claros ecos del maestro, aunque realmente, si nos fijamos un poco, podremos ver cuánto se acerca su estilo al de Pereira, también activo en Madrid.
El canon alargado y clásico o un gusto bastante menor por lo macabro nos hablan del portugués con el que tantas veces compitió en encargos completos (habría que recordar que Sánchez Barba se había criado en una familia muy vinculada con la corte, con Herrera Barnuevo como principal ejemplo, trabajando para el Buen Retiro o San Isidro)
Esta magnífica escultura procedente de la iglesia de San José de Madrid, encargada por el duque de Frías, resulta perfecta para ver cómo la devoción a San José que iniciara Santa Teresa de Jesús va mutando en el mundo rococó y, al igual que sucede en Murillo, se pierde la dignidad y terribilitá del siglo anterior para incidir en la dulzura y el acercamiento sentimental a un espectador que quiere ver una realidad más embellecida.
Esto es bien visible tanto en la anatomía del Niño Jesús (comprárese con el de Martínez Montañés) como en el dulce enlace que establece San José con él a través de una suave mirada al que el Niño responde con el gesto de su mano
La delicadeza se continúa en el policromado de la obra (especialmente los mantos, de suaves colores pastel) y la forma en huso de toda la composición que bien podrían estar inspiradas en las obras de un autor que, un siglo antes, anticipó este mundo ideal, Alonso Cano.
