Este año ha sido presentada presentada públicamente la última adquisición del Museo de Bellas Artes de Sevilla.
Se trata de una terracota de pequeño tamaño con el tema de la Virgen de la Leche, un tema tierno, profundamente humano y maternal, típico de las devociones privadas .
No conocemos sobre el comitente de esta obra, aunque muy posiblemente fuera una compra privada, siendo realizada durante el periodo madrileño de la imaginera (1689-1706)
La terracota se encuentra policromada por su cuñado, Tomás de los Arcos.
Se trata de una composición muy equilibrada, tanto con la simetría como por los dos triángulos (invertido uno sobre otro) siendo el vértice de ambos la cabeza de la Virgen. Sólo la amplia diagonal del manto genera algo de movimiento (y junto a él las otras pequeñas diagonales creadas por los ángeles, el Niño, el manto).
Toda la obra tiene un minucioso modelado que tiende a las formas blandas, con un profundo trabajo en los pequeños y variados pliegues de los paños.
Todo lo dicho confiere a la obra una dulzura muy habitual en esta etapa madura de la escultora, en especial en sus encargos particulares, como se puede ver aquí
TEMA:se trata de una escultura religiosa, es una iconografía sobre el sacrificio que tuvo que hacer Abraham por Dios; sacrificar a su único hijo(el prometido que poblaría la tierra de Canaán, Isaac) este sacrificio era una prueba de su fe, Abraham sin dudarlo se dirige al monte para cumplir la orden, ató a su hijo y trató de degollarlo, sin embargo Dios le detuvo, confirmando su fe.
TIPOLOGÍA: escultura exenta de bulto redondo con técnica del estofado y encarnado. Grupo escultórico (Abraham y su hijo Isaac). Originalmente estaba situado junto a otras figuras (S. Sebastián y S. Cristóbal) en el retablo de San Benito el Real de Valladolid por encargo.
MATERIAL: madera policromada y dorada cuyo procedimiento es la talla con estofado en óleo.
COMPOSICIÓN: la obra es abierta, su punto de vista es múltiple, el espectador puede verlo desde diversos ángulos. Se observa la forma serpentinata manierista (de Miguel Ángel) que consigue dar expresión dinámica al padre y movimiento. En cuanto a la anatomía, se desarrolla el desnudo y se trabajan los músculos debido a que es el momento de mayor tensión, hay desproporción como la cabeza de Isaac en comparación con el cuerpo, por medio de las deformaciones,la obra consigue drama y tensión. Debido a que el autor trabaja deprisa, hay defectos en la obra.
MODELADO: debido al dorado se consigue dar brillo a las figuras,además también se consiguen claroscuros con las posiciones, la barba, los ojos expresivos y las bocas abiertas.
COLOR: policromado, destaca el dorado en el estofado
FIGURAS: realistas, canon alargado (10 veces la cabeza) las posiciones son dinámicas puesto que el es el momento de mayor tensión. Las figuras son expresivas, denotan rabia, terror y sufrimiento, con miradas duras. Hay relación entre ambas figuras, Abraham sujeta a su hijo Isaac maniatado intentando degollarlo
COMENTARIO: la obra pertenece al renacimiento español (XV-XVI) realizada entre 1526 y 1532. Con un fuerte sentimiento religioso, dándole mucha importancia a la expresividad, con un estilo muy dinámico y dramático. Es muy común la preferencia del alabastro y la técnica del estofado con rostros expresivos y tendencia al realismo.
Esta obra se enmarca en una España gobernada por los Reyes Católicos cuyo Imperio lo hereda Carlos I y mantiene Felipe II, se expulsan a los judíos, se crea la Inquisición y se inicia la Reforma protestante en tiempos de Carlos I. Fue clave la defensa de la ortodoxia católica, se dirige la expresión artística hacia una temática conservadora (se suprime la libertad creadora).
A diferencia de Italia, en España hay ausencia de la burguesía, puesto que no se le da importancia a las ciudades, por lo que las obrasde arte las demandaban y financiaban la nobleza y la Iglesia, optando por una función y temática propagandística y religiosa. Berruguete tuvo contacto con Donatello, Miguel Ángel y Leonardo, por lo que pudo conocer el Manierismo, viendo el Laocoonte e inspirándose en los volúmenes y la terribilitá de Miguel Ángel. El renacimiento en España supuso una evolución lenta desde el gótico al renacimiento, manteniendo/heredando características propias del gótico, como las formas alargadas y estilizadas
El último de los post que le dedicamos a esta iglesia de Vergara nos lleva a una obra verdaderamente exquisita en donde aparece Santa Teresa como doctora de la iglesia, sin otro tipo de intervención divina como podemos ver en imágenes posteriores (como la de San José).
En este caso su rococó ha parado para buscar una sobriedad y belleza clásica verdaderamente excepcional
En su zona central central encontramos un movido San Miguel derrotando al Mal, casi un puro juego de equilibrismo y elegancia rococó de espectacular colorido.
Sobre él encontramos un tema novedoso en la iconografía, el ángel de la Guarda.
Esta nueva adquisición del Museo Nacional de Escultura nos muestra uno de los momentos más interesantes del barroco granadino, cuando Pedro de Mena comienza a colaborar activamente con Alonso Cano (llegado a la ciudad), tomando de él numerosos tipos y maneras de trabajo.
El primer momento de la colaboración fue en la desaparecida iglesia del Ángel Custodio en donde ya se realiza este modelo que Cano formula desde una resignificación de un modelo clásico, el Sileno con Baco de Lisipo del que existía en Palacio una copia en yeso, así como numerosos grabados.
En 1624 Gregorio Fernández se compromete a hacer un inmenso retablo para la catedral de Plasencia.
Para la obra arquitectónica se eligieron dos artídfices de su círculo de confianza Cristóbal y Juan Velázquez, que crearán una máquina manierista, de calle central remarcada y dos laterales rehundidas que funcionan como alas; todo realizado a través de columnas, hornacinas y dobles entablamentos (el superior será ocupado en cada piso para relieves narrativos)
Las continuas dilaciones del maestro (cada vez más impedido) hará el que taller realice una gran parte de la obra y se sustituyan ciertas zonas laterales por cuadros (los inferiores por Ricci).
Pese a todo nos encontramos una magnífica colección de escultura, destacando especialmente la Asunción (que sigue el modelo de Miranda de Duero y juega con múltiples planos para la creación conjunta de la escena que termina saliendo de su propio marco por medio de ángeles que hacen incluir en la escena a San Joaquín y Santa Ana, padres de la Virgen) y el Calvario superior al que, junto a la tradicional Deesis, se añade a sus pies la figura implorante de Magdalena
Sita en la iglesia de la Magdalena de Sevilla, esta talla de mediados del siglo XVI representa el modelo de virgen en pie que popularizaría el escultor.
De rostro ovalado y formas llenas, son característicos los juegos cortantes de algunos de sus planos (como los ojos rasgados, así como sus amplios pliegues, profusamente estofados los interiores.
Este paso clásico de Viernes Santos tiene numerosas atribuciones.
Para el Cristo se ha barajado el imaginero Francisco de Ocampo, con semejanzas con el de la Orotava o el Cerro (aunque otros lo atribuyen a Matías de la Cruz). De ser cierta esta atribución sería el perfecto ejemplo del eclecticismo del imaginero, con un tratamiento anatómico en la línea de Martínez Montañés, de suave modelado, y el expresionismo (un tanto esquemático) del rostro, al modo de Juan de Mesa.
En cuanto a los dos ladrones se han atribuido al taller de Pedro Roldán, planteando la posibilidad de la participación de la Roldana y su marido (de los Arcos)
La iglesia, construida sobre una antigua mezquita mayor, posee un magnífico retablo.
En su origen pertenecía a la Basílica de la Virgen de las Angustias, siendo trasladado aquí en el siglo XX.
Realizado en el tercer tercio del XVII por Juan Lopez Almagro, mantiene la tradicional estructura de tres calles en las que ya aparecen las columnas salomónicas.
Las tallas del Crucificado, Santa Úrsula y Santa Susana son anteriores a él (primer tercio) y fueron ejecutadas por Alonso de Mena.
Por el contrario, la imagen central, una piedad, es posterior, obra de Torcuato Ruiz del Peral
Comprado en 2017 (y aún en proceso de restauración) el Museo Nacional de Escultura de Valladolid ya expone una parte del gran cortejo de los Reyes Magos.
En concreto Baltasar en su camelllo y un curioso cuarto rey, el llamado de Tharsis (mítica Tartessos que en la época se vinculaba con Hércules, siendo el enlace mitológico de la monarquía hispana), que viste a la moda de Felipe II, con gorguera, jubón, calzas bragas acuchilladas y sombrero de ala corta.
Su caballo, en corveta, consigue una espectacular diagonal barroca que se vincula con los paños flotantes de su capa.
Esta obra, de la que iremos añadiendo nuevas fotos según se incorporen nuevas figuras, se encuentra en una tradición por completo ajena a la napolitana, más cercana a la de los escasos belenes austriacos, como el de las Carboneras
En concreto, el uso masivo del estofado, la madera y alguno de sus tipos (que casi recuerdan a los sayones de sus primeros pasos) nos hablan de una datación bastante temprana.
Palios 