Nos encontramos ante una obra de arte pictórica de tipo religioso. Esta pintura nos cuenta la historia de San Mauricio y la Legión Tebana que dirigía. Se dice, que en el siglo III le fue encomendado realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos (paganos, entonces, para el Cristianismo). San Mauricio se negó, pues tanto él como su ejército profesaban el Cristianismo, y por ello todos fueron ejecutados.
Ahora bien, se cuenta que el autor de esta obra quiso fusionar esta historia con acontecimientos contemporáneos, y es por esto por lo que en varios estudios se ha llegado a identificar dentro de la pintura al Duque Manuel Filiberto de Saboya y al Duque de Parma, Alejandro Farnesio –ambos cerca de la figura del santo- y, en los planos del fondo, a Don Juan de Austria, vencedor en Lepanto (1571). Todas las figuras visten uniformes militares del siglo XVI, uniendo la lucha de las tropas españolas contra la herejía y el paganismo, al igual que se supone que hizo San Mauricio. En un segundo plano observamos la escena del martirio: los legionarios, colocados en fila, esperan para ser ejecutados, mientras San Mauricio vuelve a aparecer en la pintura agradeciendo a sus hombres la decisión que tomaron.
La parte superior de la pintura se corona con un rompimiento de Gloria en el que aparecen diversos ángeles: unos son músicos y otros portan coronas de triunfo.
El soporte sobre el que está realizada esta obra es un lienzo y la técnica empleada es el óleo mediante la pincelada suelta (que heredó de su influencia veneciana gracias a Tiziano, pues se formó en su taller).
La composición de la pintura es asimétrica y dinámica, pues cuenta diversas escenas de una misma
historia, lo que hace que el espectador se vaya “moviendo” por el cuadro para captar toda la historia.
La obra se formó a partir de figuras geométricas, en concreto rectángulos, donde podemos introducir cada una de las tres escenas de la historia.
En cuanto a la línea, el color, la luz y el espacio, cabe destacar una plena influencia manierista, pues, además de predominar el color sobre la línea, los colores son irreales: fríos, ácidos, tornasolados y metalizados; luego, vemos una clara descompensación, pues en la base de la pintura se da el agobio espacial propio del manierismo que nos traslada rápidamente a la zona superior del cuadro (perspectiva acelerada), donde sólo está poblada una zona.
También encontramos figuras desproporcionadas y con formas serpentinatas, o con gestos grandilocuentes y aristocráticos (como los que se dan entre San Mauricio y sus generales en el primer plano del cuadro). Por último, la luz, aunque aparece representada con el rompimiento de Gloria, el espectador queda desconcertado, pues hay sombras y claroscuros que no se corresponden con ese foco de luz. Y, aunque se ve claramente que los personajes portan armaduras, éstas dan sensación de ser finísimas, pues se puede apreciar la anatomía de los personajes a través de ellas.
(Comentario)
La obra analizada pertenece al manierismo, dentro del Renacimiento español. Debido a las diversas influencias del autor (bizantina, veneciana y manierista) encontramos una mezcla de elementos, o deformación de rasgos que serían de origen clásico pero el propio manierismo los transforma, como el agobio espacial, las anatomías desproporcionadas y exageradas, la perspectiva acelerada o el modo en el que emplea la luz y el color. Por otro lado, empieza a desarrollarse una influencia hispánica que lo conecta con el misticismo, es decir, utilizando el color y la técnica venecianos, la luz y la desproporción manierista, el autor nos intenta comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que influirá profundamente en el siglo XX (expresionistas, Picasso…).
Con sus técnicas antinaturalistas unidas a los colores venecianos, el autor buscará una nueva definición de la imagen religiosa. Lógicamente, esta postura no era la más adecuada para el gran público, pues era demasiado intelectual, lo cual fue una de las principales razones por las que no consiguió participar en la decoración del Escorial, pues Felipe II lo rechazó, ya que sus cuadros no servían como imágenes de culto que movieran a la piedad, sino que estaban destinados a una élite intelectual que supiera interpretar estas técnicas y elementos antinaturalistas e irreales como una representación de lo divino más que una ilustración didáctica.
Esta obra se realiza en un contexto histórico en el que reina Felipe II en España (segunda mitad del siglo XVI), y en el que se dará un doble mecenazgo: aúlico (más cercano a los modos italianos, de reyes y nobles cortesanos) y religioso (que hará casi insignificantes diversas tipologías italianas como el desnudo, los temas mitológicos, los retratos…).
Finalmente, cabe destacar el nombre de esta obra y de su autor: El martirio de San Mauricio, realizado por Doménikos Theotokópoulos, popularmente conocido como El Greco.
Imágenes tomadas de wikipedia
Marina López Pallarés (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)
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