Palios

7 marzo 2017

CRISTO DE LOS DOCTRINOS O LOS ESTUDIANTES

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Domingo Beltrán es un insigne desconocido dentro del panorama de nuestro renacimiento.

Jesuita (vitoriano pero nacido para la orden en Alcalá) que viajó (como monje pero también como imaginero) a diversas localidades españolas (Murcia, Medina del Campo, Toledo, Madrid…), estando documentado su viaje a Italia (entre 1578-80).

Pocas obras nos quedan de él, y quizás una de las más interesante sea este Cristo de los Doctrinos (sito en la ermita del mismo nombre de Alcalá de Henares), realizado en torno a 1590 en madera de satin y postizos de ébano.

Ambos materiales son duros y oscuros, lo que permitió que no se realizara policromía.

Su estructura rígida nos habla del clasicismo, aunque profundamente teñido por el romanismo miguelangelesco de tono manierista en la portentosa anatomía (especialmente en la zona de los hombros) que se alarga desmesuradamente según descendemos por su tronco y piernas, recordando modelos miguelangelescos, como algunos Cristos de sus Piedades finales o su Entierro

 

DE TURISMO POR ALCALÁ DE HENARES

7 febrero 2017

SANTIAGO, JACOPO SANSOVINO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:21

Junto a la Virgen de San Ambrosio, esta obra de la iglesia de Montserrat (o de los Españoles), es uno de los mejores bultos redondos del autor de su etapa romana, antes de mudarse a Venecia.

Destaca ante todo la dignidad de su postura, con un intenso contraposto de su cabeza que refuerza la intensidad de su mirada.

La tensión de toda la figura se continúa en este lado (derecho para el espectador) con el antebrazo (tan miguelasgelesco) que recoge los paños dándole un fuerte dinamismo para una figura tan poco dinámica

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA

13 diciembre 2016

BARTOLOMÉ ORDOÑEZ. EL SEPULCRO DEL CARDENAL CISNEROS

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Como ya analizamos aquí, el estilo de Bartolomé Ordóñez debemos entenderlo como el fruto de una doble influencia: su conocimiento directo de la obra miguelangelesca primera y su aprendizaje y posterior colaboración con su verdadero maestro (primero en Génova, luego en España), Doménico Fancelli.

Con el colaborará en el sepulcro de los Reyes Católicos de Granada o el que vimos aquí de Coca, y a su muerte heredó los trabajos pendientes de su maestro (aunque no terminará muchos de ellos, debido a su temprana muerte)

El más relevante será el sepulcro encargado por los herederos del Cardenal Cisneros para la Universidad de Alcalá.

En él se muestra cómo renueva el modelo de su maestro, eliminando los muros en talud y dando un mayor realismo a la figura central, aunque se mantiene dentro de su línea tanto en la idea de los grifos esquineros, las guirnaldas y purri de sus lados cortos, la organización clásica de las partes laterales largas en donde realiza el Trivium y el Quadrivium, tan adecuado para el fundador de la Universidad, o la creación de cuatro magníficas esculturas de bulto redondo en las esquinas superiores, representando a los Padres de la Iglesia


La escultura se encuentra mutilada por dos razones. Primero víctima de los ejércitos franceses que, durante la guerra de Independencia, la utilizaron para practicar puntería en sus cabezas. Más tarde por el desplome de las bóvedas de la Magistral víctima de un incendio durante la Guerra Civil

7 diciembre 2016

LAS ESCULTURAS DE SANSOVINO EN LA LOGGETTA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:57

Como ya veíamos aquí, la Loggetta de la Plaza de San Marcos será la primera gran construcción del artista en Venecia, tras su emigración producida por el Sacco di Roma.

Su carácter pictórico le llevó a cubrir de esculturas toda la estructura exterior.

Unas fueron realizadas por el propio maestro, en bronce y bulto redondo, para ser colocadas en distintas hornacinas aveneradas.

Se trataba de las representaciones de Minerva, Mercurio, Apolo e la Paz.

En ellas observamos una fuerte influencia del estilo toscano manierista de formas estilizadas y posturas serpenteantes (frente a la potencia miguelangesca del periodo romano)

Su taller se ocupó de los grandes relieves superiores, alegorías sobre las islas pertenecientes a la serenísima (Chipre o Creta) o de la propia ciudad como justicia.

Alegoría de la Isla de Chipre

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Alegoría de Creta

Su estilo es mucho más romano, tanto en sus iconografías (tomando los modelos de dioses fluviales) como en sus composiciones equilibradas y poderosas musculaturas

Alegoría de Venecia como Justicia

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE JACOPO SANSOVINO

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DE TURISMO POR VENECIA

3 noviembre 2016

BARTOLOMEO COLLEONI. Un condotiero ecuestre o Verrocchio vs Donatello

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:40

Bartolomeo Colleoni fue un famoso condotiero (aquí explicamos en qué consistía) que dirigió en numerosas ocasiones las fuerzas terrestres de la República Veneciana, dejando su enorme herencia a la Serenísima con una sola condición: que le fuera erigida una escultura ecuestre.

La obra fue realizada por Verrocchio, siendo una de sus obras maestras, aunque su elaboración no estuvo exenta de polémica, pues la República regateó sus honorarios obligando al escultor a romper sus patas y cabeza (aún en boceto) para presionar al Consejo de los Diez.

Evidentemente, y como ya hemos visto aquí, la idea de estatua ecuestre estaba llena ya de prestigio, relacionada con el Marco Aurelio Romano, terminando por convertirse en la imagen de la guerra como forma de virtú y fama.

Así ya lo habían realizado Ucello o Castagno en el Duomo de Florencia, aunque la fuente directa de la que parte Verrocchio es del condotiero Gattamelatta de Donatello (precisamente el hombre que nunca llegó a permitir el ascenso de Colleoni a una posición mucho más destacada).

Donatello. Gattamelatta.

Tomado de wikipedia

Frente a él, Verrocchio intentó marcar claramente las diferencias, rompiendo con el momento clásico y perfecto de Donatello en favor de una mayor intensidad.

Sólo hace falta fijarse en las patas del caballo, especialmente su delantera que se mantiene en el aire (una verdadera proeza técnica) frente al apoyo de Gattamelatta.

De la misma manera, marca mucho más la tensión de la musculatura animal.

Ya en la propia figura, de la relajación y el poder solemne del Gattamelatta pasamos a la altivez de Colleoni.

Donatello. Gattamelatta.

Tomado de wikipedia

Su busto en tensión, casi alzándose sobre su montura frente a la perfecta adecuación del Gattamelatta, que se pone en movimiento contrario al de la cabeza de su caballo contra Donatello que une montura y caballero, ambos en la misma dirección y, más como un gran relieve que un busto redondo.

Ambos jinetes difieren también en expresión, y la contención clásica de Gattamelatta se convierte en furia en Colleoni, de la armonía a la pasión, del mando ordenado a la intensidad y la individualidad de Colleoni.

 

Todas estas diferencias nos hacen pasar del primer Quattrocento (contenido, sereno, casi universal en su concepción del hombre) a finales del mismo siglo, en donde la individualidad se ha impuesto al ideal y la fuerza arrolladora (física y psicológica) del momento a la idea de eternidad, pues pasamos de la idea casi platónica al instante congelado, una idea que se verá en la propia obra del futuro Miguel Ángel (comparar sus primeras obras como la piedad del Vaticano con el Moisés ya maduro y lo comprenderéis perfectamente)

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE DONATELLO

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                   FOTOGALERÍA ENLAZADA DE VERROCCHIO

26 octubre 2016

LOS RELIEVES DE SAN PETRONIO DE JACOPO DELLA QUERCIA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:33

Hace meses comentábamos la primera obra maestra del escultor (sepulcro de Ilaria Carreto); hoy nos encontramos con la última, los relieves adosados de la iglesia de San Petronio, Bolonia

Se realizan un año después de que Masaccio iniciara su capilla Brancacci y casi en las mismas fechas en las que Ghiberti realizaba las segundas Puertas del Baptisterio de Florencia, en una ciudad periférica en cuanto a la experimentación renacentista.

Ghiberti, segundas puertas del Baptisterio

 

En ellas encontramos al Jacopo della Quercia más radical y (en el momento) incomprendido, llevando hasta sus útimas consecuencias las ideas ya plasmadas en la Fonte Gaia de Siena.

Frente a los dos escultores citados, della Quercia renuncia al espacio (una de las primeras conquistas renacentistas) para centrarse exclusivamente en la anatomía de hombre como fuerza expansiva (en realidad un humanismo verdaderamente heroico, excesivo, que convierte la musculatura en una forma de poder que emana hacia el espectador, encerrada en unos marcos que parecen (visualmente) insuficientes para contener tanta pasión hercúlea.

Uno de los temas tratados es la historia de Adán y Eva, en donde lo corporal sustituye al gesto para explicar la tragedia y dar las claves emocionales de la misma, con figuras que ocupan (casi de forma penosa) todo el espacio, con escaso relieve que es sustituido por la línea, especialmente los dintornos interiores, que muestran la fuerza, y la posturas forzadas, que insisten en lo emocional

Frente a Ghiberti, pero también a Donatello, della Quercia apuesta por eliminar cualquier rasgo de grazia. El mundo es tragedia pero sin ningún tipo de sentimentalismo. Una tragedia heroica derivada de posiciones estoicas. Nada de lágrimas; sólo ademanes poderosos, las del hombre derrotado pero no vencido.

Habrán de pasar años antes de que todo este mensaje estético y vital sea comprendido. Necesitaremos que Miguel Ángel visite Bolonia para que la línea se continúe y se redescubra (también gracias al Laocoonte) el poder de la anatomía como forma de expresar el mundo, un mundo cada vez más complejo que exige héroes ante los conflictos sociales pero también religiosos.

Sólo hace falta comparar las imágenes anteriores con la Capilla Sixtina para darse cuenta de la influencia de Jacopo della Quercia en Miguel Ángel

Tomado de wikipedia

18 octubre 2016

Niccolò dell’Arca. Lamentación sobre el Cristo Muerto

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:29

Solemos identificar Renacimiento italiano con toscano, pero en muchos puntos de Italia el Renacimiento tuvo múltiples fórmulas de expresión que no debían de coincidir con el modelo anticuario florentino.

Uno de estos casos es este magnífico grupo en terracota boloñés que nos plantea el tema de la pasión con un fuerte contenido emotivo.

En realidad no es una obra especialmente singular, pues en los mismos momentos y lugares trabajaron también Guido Manzoni o Begrelli, realizando también otras lamentaciones semejantes en tono y material (siempre policromado, aunque en la actualidad no conservemos estos colores)

Guido Manzoni. Lamentación ante el Cristo muerto. Nápoles

Realizado en figuras exentas que luego son unidas (aunque realmente no sabemos cuál fue su posición original) en ellas se celebra el drama de la muerte, mucho más humano que divino, en donde Cristo es tan sólo un yacente y las emociones son traspasadas a sus acompañantes.

En ello Niccolo explora múltiples facetas del dolor, de la resignación hasta la histeria, creando figuras verdaderamente conmovedoras con bocas y abiertas y paños flotantes que tendrán que esperar a Bernini para volver a ser reutilizadas.

Bernini. Apolo y Dafne

Entre las influencias que producen este tipo de arte tan sumamente expresivo estarían Borgoña (en donde el tema era frecuente, como también, desde tiempo de Claus Sluters, la utilización de los plegados de los paños con efectos dramáticos, ciertos resabios goticistas en la insistente búsqueda de lo emocional como engarce entre la obra y el espectador al que se debe potenciar su piedad o, incluso, el último Donatello, que en su época final también experimentó con la terracota y la expresividad con su Magdalena (los que llamara Antal, las tentaciones góticas del Renacimiento)

Donatello. Magdalena

Esta obra infuirá a su vez en un francés luego españolizado, Juan de Juni. De origen borgoñón, se formó en el norte de Italia (en donde utilizó mucho la terracota) y luego en la roma miguelangelesca. Fruto de todas estas influencias generó un are manierista de profundo patetismo en el que utilizó a menudo el Santo Entierro

Juan de Juni. Santo entierro. Valladolid

 

Imágenes de Niccolò dell´Arca: Juan Aranda

29 septiembre 2016

UN DONATELLO EN VENECIA. SAN JUAN BAUTISTA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 11:11

Durante mucho tiempo se ha relacionado esta obra de Donatello (Basílica dei Frari) a su estancia en Padua (Gattamelatta, relieves del sepulcro del santo), o a su época de vejez, emparentada con obras afines en cuanto a lo estilístico (Magdalena), en donde tanto el material (madera) como su gusto gotizante y expresivo hizo hablar a Antal de las tentaciones goticistas del Quattrocento.

Sin embargo, su última restauración dio como nueva fecha 1438 (muy cercana a su clásico David), lo que hace plantearse por completo la evolución estilística del maesto, que no derivaría lentamente hacia la expresividad sino que cultivaría (simultáneamente) lo clásico y lo gótico.

Pues la figura y su estética no deja lugar a dudas. La falta de un canon correcto, el uso del pan de oro o el gusto por una expresividad que roza el feísmo están mucho más cerca de la ideología del último gótico que del más puro renacimiento.

En ese sentido se encuentra asombrosamente cerca a la obra madura del aún no nacido Alonso de Berruguete

Ecce Homo. Berruguete

 

DONATELLO. FOTOGALERÍA ENLAZADA

29 agosto 2016

NATIVIDAD. JUAN DE JUNI

Filed under: castilla león, Imagineros — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:18

Situada en una de las paredes del claustro de San Marcos de León, resulta una obra poco conocida por el gran público que tiene, además, la particularidad de estar realizada en piedra (frente a su tradicional talla en madera) y con unos modos espectacularmente italianos)

Destaca ya por su concepción, un tondo compuesto de elementos arquitectónicos y vegetales dentro del cual se introduce, sin ningún tipo de violencia visual, una composición rectangular.

Dentro de ella se nos muestra a San José, la Virgen y el Niño en un altísimo relieve, lamentablemente muy mutilado en algunas partes, con figuras serpentinatas tan típicas de su estilo y un notable juego de paños.

Sin embargo, la parte más excepcional es la asombrosa perspectiva de edificios clasicista que constituye en el punto focal, creada a través de bajos relieves y un rehundimiento de la zona central.

No tengo ningún documento que lo avale, pero su estructura me recuerda mucho a los modos venecianos de la segunda mitad del XVI (Teatro Olímpico de Palladio, Tintoretto en su traslado del cuerpo de San Marcos) y agradecería cualquier dato que pudiera confirmar o desmentirlo.

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE JUAN DE JUNI

16 febrero 2016

BERRUGUETE. EL RETABLO DE LA MEJORADA. OLMEDO

Filed under: Imagineros — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 18:26

En 1523, Doña Francisca de Zúñiga encargó la realización de un retablo para el altar mayor del Monasterio de los Jerónimos de Nuestra Señora de Mejorada en Olmedo, Valladolid. Esto se hizo a dos escultores completamente dispares: Vasco de Zarza y un joven Alonso de Berruguete

El primero, como ya vimos en el sepulcro del Tostado, había desarrollado un estilo personal en una línea plateresca que unía las formas gotizantes con ciertas ideas del Quattrocento final (Rosellino).

Frente a él, Alonso de Berruguete (hijo de un afamado pintor) había conocido la Italia del Cinquecento y el primer manierismo, tomando modelos (los más gotizantes, como la Magdalena) de Donatello y las primeras formas serpentinatas de Miguel Ángel derivadas de su descubrimiento del Laocoonte.

De regreso a España (y más como pintor que como escultor) ya había colaborado con Bigarny en Aragón cuando le fue encargada esta colaboración en la que llevó gran parte del trabajo, pues Vasco de Zarza muere un año después del encargo.

 

La estructura del retablo se inserta en el modelo romanista de calles separadas por órdenes, predela y ático, aunque un tanto modernizado en sus proporciones y movimiento.

Perdidas las esculturas centrales, las tablas laterales nos muestran ya su estilo personal totalmente formado, con figuras estilizadas y posturas inestables, sumamente forzadas (formas serpentinatas y acusados escorzos), estofados en las telas y una exaltación de las formas (tanto en los cuerpos y los plegados) que juegan sin decantarse entre el manierismo y un goticismo resucitado en aras de una mayor expresividad

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE BERRUGUETE

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