Palios

4 diciembre 2017

EL TRÁNSITO DE LA VIRGEN. MANTEGNA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:39

Esta es una de las primeras obras que realizará Mantegna para su gran mecenas, Ludovico Gonzaga, al trasladarse a Mantua.

En ella encontramos muchas de las características que se irán desarrollando en el tiempo, convirtiendo al pintor en una de las figuras más fascinantes del Quattrocento.

Quizás lo más relevante sea su estudio de perspectiva en donde une dos tradiciones: la italiana (la famosa ventana de Alberti creada por líneas de fuga creadas tanto por la arquitectura de las pilastras y baldosas, como por los propios apóstoles) con las ventanas abiertas de los primitivos flamencos (aunque, en vez de colocarlas de forma marginal a la escena, es unido, el ventanal, con las líneas de fuga, creando una fascinante entrada perspectívica del cuadro).

Aún sería más espectacular cuando el cuadro estuviera completo, con una zona alta que nos lleva a Cristo, colocado al final de una larga bóveda de cañón con fajones.

A partir de entonces el tema de la perspectiva siempre fascinará al pintor con grandes ejemplos como la Cámara de los Esposos o su Cristo Muerto.

Óculo de la Cámara de los Esposos. Mantua

El tema es de origen bizantino (aquí lo analizamos), muy habitual en la zona veneciana (por los contactos que siempre mantuvo con Bizancio) que tan bien conocía Mantegna a través de su familia política, los Bellini.

Muy pronto será superado por la Asunción (en especial a partir de Tiziano con su Asunta) que da mayor protagonismo y dinamismo a la imagen de María.

Asunta Tiziano

La composición es típicamente quattrocentista, creada a través de horizontales y diagonales sobre la caja perspectívica y cerrada por medias circunferencias en la parte superior. Todo un consistente armazón de fuerte solemnidad que sólo se superará en el Cinquecento por medio de los contrapesos cromáticos y de volúmenes

Virgen, Santa Ana y el Niño. Leonardo da Vinci. Cinquecento

Y, ya por último, la presencia del mundo septentrional (primitivos flamencos) en su dibujo nervioso y su realismo que huye de la tradicional idealización renacentista

Cristo muerto. Mantegna

 

Imágenes del Tránsito tomadas de wikipedia

 

MANTEGNA. FOTOGALERÍA ENLAZADA

Anuncios

31 octubre 2017

RETABLO MAYOR DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:07

Encargado por el obispo Diego de Deza, acaso fascinado por los modelos “a lo romano” que había podido ver en el Colegio de Santa Cruz de Valladolid patrocinado por los Mendoza, para la primitivo altar mayor (ahora capilla del Sagrario).

El ensamblador fue Pedro de Guadalupe que realiza a principios del XVI una de las arquitecturas platerescas más tempranas en el terreno del retablo.

Originariamente con dos calles menos era exclusivamente escultórico, colaborando en él los mejores imagineros del periodo que nos muestran la convivencia de múltiples estilos en Castilla.

El más tradicional es Alejo de Vahía que realiza la Asunción en su típico estilo desornamentado de planos cortantes y figuras hieráticas y estilizadas.

Un segundo momento de evolución lo marca Bigarny que nos muestra esculturas de canon mucho más correcto y actitud grave (un tanto “romana”) de paños elegantes y anatomías musculadas.

San Roque

A él debemos la miriada de santos que ocupan las calles laterales.

San Sebastián

El ático fue encargado a Valmaseda, influido por Berruguete y Juni, como podemos ver en su expresivo manierismo de la Virgen que se contiene en el masivo cuerpo de Cristo.

El retablo, al situarse en el nuevo altar mayor, tuvo que ampliarse con dos calles más, encargándose una serie de tablas sobre la infancia  y Pasión de Cristo a Juan de Flandes que ya analizaremos aquí

Aunque existió un San Antolín de Bigarny, posteriormente fue sustituido por el de Gregorio Fernández, muy temprano, casi por completo manierista

 

 

20 septiembre 2017

EL MARAVILLOSO ÓCULO DE LA CÁMARA DE LOS ESPOSOS. MANTEGNA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:36

Ya hemos analizado aquí la  perspectiva, iconografía y funciones de la Cámara de los Esposos de Mantegna.

Nos quedaría por analizar una de sus partes más conocidas: el famoso óculo fingido del techo.

Su estructura centra la sala en su parte superior, siendo el origen de la bóveda fingida, marcando el lugar adecuado (en su vertical) para observar toda la Cámara y sus representaciones.

Evidentemente su origen primigenio bien podría ser el óculo que cerraba la gran cúpula del Panteón, aunque Mantegna lo decora con guirnaldas y una celosía superior que hacen ecos de los mismos elementos utilizados en los muros perimetrales, creando una sensación de espacio unificado.

Sobre ellos vemos asomarse a un conjunto sumamente heterogéneo de personajes sobre los que se ha intentado (sin éxito) buscar una iconografía relacionada: mujeres, putti, un macetero con un naranjo en un equilibrio bastante precario, un pavo real.

Lo que todos tienen en común es un cierto sabor humorístico, tanto en las sonrisas pícaras de las mujeres como en los juegos de los putti (alguno incluso se asoma a través de la celosí, arriesgándose a quedar prisionero en ella), el juego de equilibrio inestable de la maceta, apoyada en una simple madera o la “extraña” aparición del pavo real en medio de las figuras humanas.

Probablemente se trataba de establecer un contrapunto frente a la severidad y solemnidad de la parte superior.

La obra es todo un prodigio de perspectiva de sotto in sú (de arriba a abajo) a través de fuertes escorzos que prefigura su futuro Cristo muerto, abriendo un camino glorioso hacia los trampantojos del Cinquecento, Manierismo y Barroco

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA CÁMARA DE LOS ESPOSOS

18 septiembre 2017

CAPILLA DE LOS REYES O DE SAN PEDRO. CATEDRAL DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:39

En el arranque de la girola de la catedral de Palencia hay una capilla excepcional.

En su origen, su arquitectura es gótica, pero en el siglo XVI se recubrió con una espléndida decoración plateresca, mecenada por Gaspar Fuentes de la Torre, arcediano de Campos y abad perpetuo de Lebanza.

Para ello contrató a una familia de artistas, los Corral de Villalpando, poco conocidos en la actualidad, ya que su trabajo fue muy local (Palencia y Medina de Rioseco, en la famosa capilla de los Benavente).

Estos hermanos trabajaban en conjunto, con un especial interés por la rejería (Ruy) y el estuco policromado (Jerónimo).

Gracias a estos materiales consiguen transmutar las realidades góticas para convertirlas en un mundo renacentista, lleno de exquisitez.

Para la decoración se tomó el tema de la Epifanía, colocando en grandes templetes sustentados por columnas clásicas y atlantes a los Reyes Magos.

En la parte superior se localizan profetas.

El estilo es de una extraordinaria delicadeza y refinamiento, casi podríamos decir que Quattrocentista (aunque se hiciera ya en el siglo XVI).

El resto del espacio, y sobre un fondo azul, lo invaden los grutescos y todas las formas de hojarasca posible, típico del mundo plateresco

El espacio se cierra con un retablo (romanista en su estructura) de discípulos de Bigarny, aunque la Virgen central se atribuye a Balmaseda

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA CATEDRAL DE PALENCIA

 

11 septiembre 2017

SANTA MARÍA DELL’ ANIMA. ROMA

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:22

La iglesia fue fundada para los peregrinos alemanes en Roma, convirtiéndose después en la iglesia nacional.

Precisamente esta dedicación fue la que permitió que tras la insulsa fachada de Andrea Sansovino, nos encontremos con uno de los pocos templos góticos de la ciudad tipo salón (naves de igual altura)

La decoración, como siempre ocurre en Roma, resulta rica y abundante, con algunas piezas especialmente destacadas.

En el altar nos encontramos con una pala realizada por Gulio Romano dedicada a la Sagrada Familia que fue encargada por la familia Fugger (y posteriormente traslada al Altar mayor).

Se trata de una obra temprana del pintor en la que se libera de a tutela de su maestro, Rafael (con el que colaboró en las Stanze vaticanas, terminando la de Constatino que ya vimos aquí), experimentando con la vanguardia más manierista de colores metalizados y fuerte estilización de las figuras que se alejan de lo real para buscar mundo ideales, profundamente intelectualizados, en donde el espacio se contrae (derecha arriba), se expande (izquierda arriba) o expulsa hacia el exterior (abajo derecha) en una pulsación controlada por una composición rigurosa, centrada por la Virgen, en donde se cruzan las diagonales.

Otras obras de interés son la tumba de Adriano VI, diseñado por Peruzzi.

Y un magnífico descendimiento de Salviati que sigue la línea romanista (el propio Gulio Romano, Volterra) entremezclada por el diseño florentino del manierismo pleno

 

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

31 agosto 2017

EL CENÁCULO EN EL RENACIMIENTO

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:15

Ghirlandaio. Ognisanti

Durante el renacimiento italiano la decoración de la Última Cena para los cenáculos o  refectorios de los conventos se convirtió en un verdadero tema con sus propias reglas.

Ya en el el siglo XIV Orcagna había realizado para el refectorio de Santo Spiritu una aproximación al tema, aún demasiado dominada por lo celestial que se superpone al episodio evangélico.

Tomado de wikipedia

De la misma manera había operado Taddeo Gaddi en Santa Croce.

En esta obra, aún demasiado ambiciosa en lo narrativo, ya aparecerán dos de las constantes de estas Últimas cenas, la aparición de Judas delante de la mesa, separado del resto de los apóstoles (y mojando el pan, prueba de la traición), y la de San Juan Evangelista dormido en el regazo del Señor, como prueba de intimidad.

Esta experimentación tenía, por otra parte, un fuerte componente simbólico: incluir en las comidas diarias de la congregación la Última Cena, convirtiendo la alimentación de los monjes en una continua rememoración de la Eucaristía (pero también de la traición, como luego veremos).

El gran salto cualitativo se realizará con Castagno en Santa Apolonia en donde la Última Cena ya toma el papel protagonista a la vez que el tema se utiliza como lugar perfecto de experimentación de la nueva perspectiva lineal que cree un espacio “real” (siempre que se mantenga el punto central de observador) que se funda con el espacio arquitectónico.

El siguiente eslabón lo establecerá Ghirlandaio en sus cenáculos de San Marcos y Ognisanti.

Ghirlandaio. San Marcos

Como corresponde a la estética de la segunda mitad de Quattrocento, y sin perder la experimentación perspectívica, las figuras se humanizan, insistiendo mucho más en las distintas emociones de los apóstoles.

Junto a ello (y en perfecta sintonía con el gusto por lo anecdótico de este periodo, que intenta dar un carácter más amable a la vanguardia de la primera mitad), el escenario se enriquece con múltiples elementos, entre ellos paisajísticos, con las pérgolas que cierran los fondos.

Por otra parte, la escena ocupa ya toda la pared menor, eliminándose otros temas, y se aprovecha esta ocupación del espacio para seguir insistiendo en la confusión entre espacio real y pintado, encuadrándola con las mismas arquitecturas (columnas, arcos, bóvedas) del edificio que permiten una unificación total de los espacios.

Todas estas ideas serán recogidas por Leonardo para crear en modelo mayor de Cenáculo, aquel que hiciera en Santa María delle Grazie en Milán.

Pese a su lamentable estado, podemos observar la persistencia de las ideas anteriores (continuación visual de los espacios, uso de la perspectiva…) y una reinvención del tema de la traición.

Pues, como ya vimos aquí, el tema fundamental de todos estos cenáculos no en en sí la Eucaristía (frente al tema contrarreformista que lo pondrá en el primer plano), sino la idea de la traición de Judas.

Durante todo el Trecento-Quatttrocento, la figura del traidor se separaba del resto de los comensales para insistir en ello.

Leonardo rompe con esta tradición y une a todos los apóstoles, pues como ya vimos en el comentario del cuadro, su principal interés es utilizar el tema religioso para una reflexión puramente humanística: crear todo un catálogo de expresiones que hablaran de los distintos caracteres y estados de ánimo frente a la noticia de la traición (el miedo, la rabia, la indecisión, la perplejidad…)

22 agosto 2017

LA VIRGEN DE PAPPA. GUIDO MANZONI

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 15:48

Guido Mazzoni , 1480 – 1485

Ya nos hemos ocupado de Guido Manzoni en este blog a propósito de una Lamentación sobre el Cristo Muerto.

Hoy regresamos con una obra poco conocida pero verdaderamente excepcional, pues además de otros valores, mantiene íntegramente su policromía que nos permite conocer directamente los intereses del autor.

Como ya decíamos a propósito de un escultor muy cercano, Niccoló  dell´Arca, Manzoni se sitúa en la periferia tanto geográfica (Módena) como conceptual del gran Renacimiento, y sin olvidarse de muchas de sus aportaciones, su espíritu es gótico, casi podríamos decir, más cercanos a los primitivos flamencos, ya sea en la expresividad de su Lamentación, ya en su interés por un realismo total que no desdeña la vejez con todas sus arrugas.

La obra, como es habitual en el autor, se compone de figuras independientes que forman la escena (aunque ésta permite múltiples posiciones que cambian ligeramente el conjunto, no conociendo la verdaderamente original)

El grupo juega con la belleza idealizada (aunque más gótica que verdaderamente renacentista) a la que acompañan varios personales secundarios, mucho más intensos y realistas.

Desaca especialmente la llamada hermana Papina que da nombre al conjunto. Su gesto resulta realmente encantador, soplando la cuchara para que el Niño no se queme.

Su cuerpo robusto de campesina desaliñada contrasta con la hierática belleza de la Virgen.

Junto a ellos, en la tradicional postura de donantes, se encuentran los promotores de esta obra (anteriormente en  la capilla de la familia Porrini situado en la iglesia de Santa Cecilia)  Francesco Porcini y su esposa Polixena.

 

2 agosto 2017

LA IGLESIA DE SANTA MARÍA DE COGOLLUDO

Filed under: Gótico, General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:34

En la parte alta de la población, cercana a los restos del castillo se encuentra este templo que, pese a su exterior clasicista, pertenece al llamado estilo gótico arcaizante que, ya metidos en pleno siglo XVI mantiene las formas del flamígero.

Cuatro de sus rincones merecen la atención.

En el exterior se mantiene una puerta lateral de estilo plateresco evolucionado (cercana a los modos alcarreños de Gil de Hontañón, como las curiosas volutas de la parte alta) y una torre más cercana al mundo herreriana.

El interior es una gran nave salón de tres naves de igual altura sustentadas por pilares fasculados, coro a los pies y bellas bóvedas estrelladas.

Cercano a los pies se exponen varias lápidas funerarias realizadas en alabastro (un material abundante en la zona) de los siglos XV y XVI

3 julio 2017

IGLESIA DE NUESTRA SEÑORA DE LA CALLE, PALENCIA

Filed under: advocaciones marianas, castilla león — Etiquetas: , , , , — vicentecamarasa @ 15:57

La arquitectura es todo un ejemplo (doble) de arte contrarreformista que une el Gesú (estructura de la portada, plano interior) y el despojado estilo escurialense (que sustituye la columna por la pilastra y simplifica todos los elementos arquitectónicos a su máxima pureza geométrica).

En su interior destaca un monumental retablo cercano ya a las formas rococós (aunque matizado por su falta de estofados).

Fue realizado por Pedro Bahamonde en el siglo XVIII, y en él se nos muestran los principales representantes de la orden:  san Ignacio de Loyola, el cual preside el ático, san Francisco Javier y san Estanislao Kotska.

En el tabernáculo inferior se muestra la diminuta imagen de la Virgen de la Calle antaño venerada en una ermita junto a la iglesia de San Bernardo, una talla de 41 cm fechada en el siglo XV

 

24 junio 2017

MARCOS CABRERA. LA EXPIRACIÓN

Filed under: Imagineros — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:45

La hermandad del Museo es un verdadero museo de imaginería temprana (ya analizamos aquí la Virgen con Niño de Jerónimo Hernández).

Otra de sus obras cumbres es el gran crucificado de la Expiración.

Su autor (vinculado a Vázquez el Viejo y Jerónimo Hernánez) hace un verdadero alarde de manierismo en la forma serpentinata de la figura, como si la muerte ascendiera torrencialmente por ella para exhalar el último suspiro por su cabeza en escorzo, que mira hacia el cielo.

Realizado en pasta de madera (y con un posterior y barroco paño de pureza que sustituyó al faldellín de tela real), se ha puesto en relación con el famoso crucifijo que diseñara Miguel Ángel para Vitoria Colonna (con una semejanza casi absoluta en la composición).

Algunas copias de él debieron circular por la Sevilla del momento (acaso Torrigiani, su compañero y adversario las trajera?)

5653660978_7f4bd63031_b

Se trata de la primera vez que se trata el tema de la Expiración en el contexto sevillano que seguirá desarrollándose hasta su culminación en el Cristo del Cachorro (Ruíz Gijón), comenzándose en este punto la investigación (aún demasiado decantada por el diseño frente a la expresión interna) de la agonía como punto culminante de las emociones.

Vicente Camarasa

Older Posts »

Blog de WordPress.com.