Palios

7 febrero 2018

HISTORIAS DE LA VERA CRUZ

Filed under: ICONOGRAFÍA, Relicarios — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:26

Historia de la Vera Cruz por Piero della Francesca. Arezzo

 Según tradiciones judaicas, al morir Adán fue enterrado en el Monte Calvario (en donde luego crucificarían y enterrarían a Cristo), llamado Gólgota por los hebreos. Sin embargo, antes de expirar, Adán mandó a su tercer hijo, Set, al Paraíso. Le envió con la petición de recoger el aceite de la misericordia que Dios le había prometido cuando le expulsó del Paraíso.

 Muerte de Adán. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de wikipedia 

Set siguió el camino marcado por sus padres en donde no había vuelto a crecer la hierba y llegó a las Puertas del Paraíso. Se entrevistó allí con su ángel guardián que le negó el aceite pero le dio tres semillas del Arbol del Bien y del Mal (el de las famosas manzanas).

Al regresar encontró a su padre a punto de morir, y cuando le enterraron, depositó las tres semillas bajo su lengua.

Muerte y entierro de Adán. Piero della Francesca. Arezzo

Tomado de wikipedia

Noé recogió este sepulcro para salvarlo del diluvio y ordenó a su hijo llevarlo a un alto monte. Fue allí cuando germinaron las tres semillas en un solo árbol que era un ciprés, una palmera y un cedro.

Muchísimos años después Moisés fabricó su famosa cayado con una de sus ramas, y Salomón cortó el árbol para hacer las columnas de su famoso templo. Sin embargo, la madera no fue adecuada para la construcción y fue convertida en maderos que sirvieron como puente para la entrada triunfal de la reina de Saba. 

 Salomón y la reina de Saba. Piero della Francesca. Arezzo.

 Tras ello fueron abandonados en una zona en donde surgieron manantiales que muy pronto tuvieron fama de curativos. Se hicieron en ellos las piscinas probáticas,  a donde acudían ciegos, tullidos… en busca de un milagro que les librara de sus males, tradición que aún continuaba en tiempo de Jesús.

Esas mismas tablas fueron utilizadas para construir la cruz de Cristouniendo así Adán con Él para indicar simbólicamente que el Pecado original de Adán es borrado por el sacrificio de Cristo que, tras su muerte, abra las puertas del Limbo y lleva a los patriarcas del Antiguo Testamento al Cielo

Anastasio o Bajada de Cristo al Limbo, iconografía que será típica del arte bizantino. San Salvador in Chora (Estábul, siglo XIV)

 

Este el mensaje oculto del famoso Descendimiento de Van der Weyden, con una calavera (la de Adán) en la que termina la espectacular diagonal que une las manos de Cristo y la Virgen

Van der Weyden. Descendimiento

Tomado de wikipedia

 

Pero la historia no acaba aquí, sino continúa 300 años después, cuando Constantino tiene un sueño antes de la batalla del Ponte Milvio sobre Majencio. En él un ángel le muestra la cruz mientras le dice: Con este símbolo vencerás.

El sueño de Constantino. Piero della Francesca. Arezzo.

Constantino hace pintar el signo de la cruz en los escudos de sus soldados y, tras la victoria, se convierte al cristianismo, primero él y pocos años más tarde a todo el imperio, convirtiéndolo en religión oficial de Roma (Edicto de Milán, 330).

 

La victoria de Constantino en Ponte Milvio. Pero della Francesca. Arezzo

Batalla entre el emperador bizantino Heraclio y Cosroes II

Tomado de wikipedia

Tras ello, su madre, Santa Helena, se traslada a Jerusalén en busca de la Cruz de Cristo y fatiga esas tierras calcinadas repartiendo oro a raudales en busca de una pista que le conduzca a ella. Ésta se la dio un tal Judas (siempre el mismo nombre para el traidor, pues era judío).

Judas, bajo tormento, revela el escondite de la cruz

Tomado de wikipedia.org

Sin embargo, cuando comenzaron a excavar en el sitio adecuado encontraron tres cruces (la de Cristo y la de los dos ladrones). Santa Helena, que ante nada se arredraba, enseguida concibió un plan para saber cual de las tres era la divina, colocando sobre ellas a leprosos que, lógicamente, curaron en contacto con la cruz de Cristo

Encuentro de la Vera Cruz por Santa Helena. Piero della Francesca. Arezzo.

 Santa Helena mandaría realizar la Iglesia del Santo Sepulcro y dejará un gran trozo de cruz en la misma. El resto se mandará a Roma y se hirá haciendo astillas. Son los llamados lignum crucis. En España se exhiben varios aunque el de tamaño mayor se encuentra en San Toribio de Liébana (Cantabria) 

Lignum crucis. Santo Toribio de Liébana

Tomado de wikipedia

La conocida importancia que tuvo la Edad Media por las reliquias hizo que se generara un comercio (y falsificación) de las mismas. El lignum crucis será una de las que más sufrió este proceso y, en la actualidad, si juntáramos todos los trozos de la cruz de Cristo crearíamos un bosque entero con el que sería posible construir tres grandes navíos de madera.

Por otra parte, y como recuerdo de toda esta historia, numerosas localidades celebran las fiestas de las cruces, que engalanan en patios y esquinas con flores y todo tipo de adornos (Aquí tienes las de Baeza)

 

Las Cruces de Mayo. Córdoba.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Cruz_de_mayo_bailio.jpg

 

 

Para saber más

http://www.herenciacristiana.com/museo/veratxt.html (Visión crítica)

http://yo-y-el-arte.blogspot.com/2007/05/la-leyenda-de-la-vera-cruz-1.html (Explicación de la leyenda sobre los frescos de Piero della Francesca)

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27 enero 2018

LAS PINTURAS DEL GRECO PARA EL COLEGIO AGUSTINO DE LA ENCARNACIÓN

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:06

En el lugar que ocupa el actual palacio del Senado se encontraba el Colegio de la Encarnación, seminario agustino fundado por el legado testamentario de doña María de Córdoba y Aragón.

Para su iglesia el Consejo de Castilla, que administraba tal legado, encargó en 1596 la creación de un retablo al Greco por la suma más alta que conseguiría jamás (algo más de sesenta y tres mil reales)

Tras los numerosos avatares del inmueble, la parte arquitectónica se perdió quedando 6 grandes lienzos (todos en el Prado menos la Adoración de los pastores en Budapest).

Todos ellos pertenecen a la época más fecunda y personal del pintor en donde sus rasgos manieristas llegaron a su culminación para convertirse en verdaderas visiones espirituales de un mundo en donde la forma, la luz o el color tenían sus propias y alucinadas reglas.

En general nos encontramos con lienzos extraordinariamente verticales (no sabemos si por decisión propia o por exigencias de un retablo ya construidos) en donde se produce una visión de arriba a abajo (frente al tradicional barrido de izquierda a derecha) que le permitieron al Greco unificar lo terrenal con el espiritual de una forma completa, evitando las cesuras de nubes (Conde de Orgaz) o cualquier otro tipo de artificio. Las simples anatomías extremadamente alargadas se encargan de producir esta ascensión vertiginosa que culmina con las llamas del Pentecostés o el Cristo en Ascensión.

Y es que, sin posibilidad de tener cualquier ambientación arquitectónica, son las figuras, su ambigua tectónica, la que organiza los espacios, escalonándose de abajo a arriba como si estuvieran colocadas en estrecha e invisibles gradas (la caja espacial, como ya se anunciaba desde el temprano expolio, se ha reducido a unos límites casi imposibles lanzado a las figuras ya hacia el espectador, ya hacia las alturas, con un movimiento que las llena de inquietud)

Tales tensiones las someten a una deformación mayor en donde el canon, ya de por si alargado, se despedaza (y alarga visualmente) a través de los fogonazos de luz de lo despedazan, tanto en sus encarnaciones como en sus mantos de pliegues afilados (sólo hace falta fijarse en piernas y torsos desnudos y la característica manera de establecer las sombras, creando bandas verticales en las que se alternan luz y sombra, provocando este efecto de alargamiento)

Esta luz, lunar, colabora de esta forma en el proceso de desmaterialización (frente a sus formas constructivas, que habían sido las prioritarias en el renacimiento), creando el escenario perfecto para el milagro (como ya vimos en el Séptimo Sello).

Desde la experiencia de los Bassano, en todos los cuadros la luz procede de algún elemento de su interior (Cristo resucitado, llamas del Pentecostés, Niño Jesús) que ilumina (y a la vez sume en penumbras) el resto de la escena.

Y es que lo lumínico (tal como propone Rudolf Wittkower) mantiene un fuerte componente iconográfico vinculado con el pensamiento neoplatónico. La luz como conocimiento, un terrible conocimiento que necesita una preparación en el hombre que la contempla (véase cómo, en la Ascensión, los personajes que miran a Cristo desde la izquierda se han de tapar lo ojos, cegados, y sólo los situados en las zonas más superiores (aquellos más preparados) pueden soportarla)

Con control total de todos sus recursos, el Greco unió toda esta concepción de la figura, el espacio o la luz, a una libertad total en lo cromático, en donde sus colores (metalizados, ácidos o tornasolados) salpican la tela de forma, concientemente, disarmónica. Fríos contra cálidos, colores complementarios unidos, casi agrediéndose, y sólo el gris azulado sirviendo como base unificadora de todo el conjunto.

Une a todo ello una pincelada extremadamente suelta que hacen estallar partes del conjunto, creando (con todo lo anterior) una profunda agitación interior en donde estallan los colores, se descoyuntan las anatomías, surgen potentes focos de luz internos junto a terribles penumbras mientras seres angélicos, dioses y hombres conviven en unos espacios opresivos. Toda una verdadera fotografía de la experiencia mística, como siempre pretendió Cossío, aunque a mi juicio más cercana al espíritu de San Juan de la Cruz que al de Santa Teresa.

Noches oscuras del alma en donde el hombre ha de buscarse, pero más a través de las emociones que de la razón, buceando entre vértigos más que entre certezas, desencadenándose de lo material y buscando la luz, el fuego interno del Pentecostés o los lirios de la Anunciación, que lo guíe por senderos de desasimiento, fuera (diríamos ahora) de la zona de confort que incluso el manierismo, con toda su ruptura de normas, mantenía

 

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22 enero 2018

LAS PRIMERAS MITOLOGÍAS DE TIZIANO. EL CAMERINO DE ALFONSO I

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:18

Emulando a su hermana, Isabella d’ Este, Alfonso I de Ferrara quiso tener su propio studiolo llamado la Camerino  de alabastro.

Creado en la Via Copperta, pasadizo elevado que unía el antiguo castillo con el nuevo palacio, contó con la colaboración de numerosos artistas de la época (Dosso Dossi o Antonio Lombardo), aunque pasará a la posteridad por las pinturas de Tiziano.

El maestro en él casi entra por la puerta falsa, terminando (y al parecer, cambiando numerosas partes del cuadro) un cuadro anterior, el festín de los Dioses de Bellini, que se convirtió en un trasunto de sus bodas con Lucrecia Borgia.

Ya de su propia mano se encuentran las tres bacanales o poesías (dos de ellas en el Prado y la tercera en Londres)

En ellas vemos por primera vez al Tiziano mitológico que, recogiendo las sugerencias de Giorgione (aquí las analizamos), plantea la Antigüedad sin necesidad de ruinas, más bien encarnando la idea de Arcadia Feliz en donde la belleza humana se confunde en una Naturaleza perfecta. Un lugar en el que los sentidos (y, con ellos, las emociones) se anteponen a lo puramente racional. (Aquí analizamos el tema con mayor extensión)

Es el poder de lo sensitivo, que también se muestra en la técnica, con la pincelada suelta como gran referente que permite unir formas y fondo, y acentuar el carácter sensual de la materia, insistiendo en las sensaciones táctiles (pero también óptica, soportadas en una increíble riqueza cromática)

La primera obra de la serie será la ofrenda a Venus

Tomado de wikipedia

El esquema general ya había sido diseñado por fra Bartolomeo, boceto que se mandaría a Tiziano, que recogería algunas sugerencias de él (aunque introduciendo numerosos cambios)

Como las otras dos horas se encontraba inspirada en Filostrato, filósofo griego del siglo III d C. y su libro Imágenes, en el que describía y explicaba a un joven oyente las obras de arte antiguo que se encontraban en una residencia napolitana.

En esta obra la descripción se traduce de una forma bastante literal

Mira unos Erotes que recogen manzanas. Y no te sorprenda su número. Son hijos de las ninfas y gobiernan a todos los mortales, y son muchos porque son muchas las cosas que aman los hombres […] ¿Sientes algo de la fragancia que llena el jardín, o no se te alcanza? […] Hay aquí unas hileras de árboles, con espacio suficiente para pasear entre ellos, y blanco césped bordea los senderos, dispuestos como un lecho para quien quiera acostarse encima. En los extremos de las ramas, manzanas doradas, rojas y amarillas invitan al enjambre entero de Erotes a recolectarlas.

Lo más relevante de la obra es su exquisito tratamiento de la niñez a través de los innumerables putti que juegan, se besan, revolotean, luchan … encarnando la idea de la naturaleza del amor, su volubilidad e intensidad en los hombres.

Es posible que el origen de estas figuras (aunque multiplicado) podríamos encontrarlos en los putti que utilizara Mantegna en su Cámara de los Esposos que los había liberado de su majestuosidad para convertirlos en verdaderos niños (con comportamiento igualmente infantiles)

Tomado de wikipedia

La segunda escena (actualmente en Londres) nos habla del encuentro entre Adriadna (abandonada por Teseo en la isla de Andros) y Baco (que se le aparece sorpresivamente, bajando del cuadro, listo para consolarla (e incluso desposarla, como puede verse en la corona de estrella del ángulo superior izquierdo, con la que coronará a Ariadna)

El cuadro es un prodigio de color, aplicado casi puro en numerosos puntos, con un intenso contraste en los azules (más o menos saturados) y los cálidos (rosas y burdeos), con una zona derecha que repite esta vibración en un tono menor, más amortiguado (verdes y tostados)

También resulta magistral la composición que nos lleva al enfrentamiento entre ambos protagonistas, compuestos en diagonal ,con contrapostos cruzados (una lección leonardesca) y cálidos que los enlazan.

De nuevo, la parte de la izquierda completa esta composición, cerrando (también en tono menor pero efectivo) el triángulo con las diagonales de los faunos

Tomado de wikipedia

 La tercera obra (a mi juicio la mejor de todo el conjunto) será la Bacanal (de la que tomará título toda la serie) en donde (según Filostrato) se hace una celebración del vino que hace a los hombres ricos, dominantes en la asamblea, dadivosos con los amigos, guapos y de cuatro codos de altura. Algo que vuelve a repetir la partitura del primer plano: Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber, atribuida a Adriaen Willaert (hacia 1480-1567), músico flamenco al servicio de la corte ferraresa.

Se han dado numerosas interpretaciones, pues en el cuadro Tiziano se tomó amplias libertades frente al texto original, siendo acaso la continuación del lienzo anterior, cuando todo se ha consumado y el vino corre generosamente por la isla. El cuadro (el más moderno de la serie) también ha sido interpretado como las tres edades del hombre.

Sin entrar en esta polémica. esta escena es toda una exaltación de los sentidos, de la luz, el color y también la música (de la partitura, de los bailes, de la composición que entrelaza asombrosamente a los distintos personajes). Un éxtasis que involucran a la mirada, el oído, el gusto (del vino) y el tacto de la piel (la carne, siempre la carne, decía Berger sobre la pintura de Tiziano) del espléndido desnudo, el primero de la multitud que se sucederá en su obra. (Bajo este prisma parece lógica, casi ineludible, la influencia que tendrá Tiziano en el Barroco, desde Rubens a Rembrandt o Velázquez, ese mundo profundamente sensitivo y retórico que buscaba convencer a través de ellos y no de la pura razón)

Sólo hace falta comparar esta obra con el Festín de los Dioses del comienzo del artículo para darnos cuenta de la asombrosa evolución del maestro.

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE TIZIANO

 

 

2 enero 2018

LOS ÁNGELES MÚSICOS DEL ÚLTIMO GÓTICO Y EL RENACIMIENTO

Filed under: ANGEOLOGÍA, ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 10:44

Pere Serra. Virgen de los Ángeles

Frente al modelo angélico del barroco (y que ya analizamos aquí), desde finales de la Edad Media y gran parte del renacimiento se desarrolló de una forma extraordinaria la idea de los ángeles músicos.

Melozzo de Forli. Ángel músico

Ya en el modo infantil (derivado de los putti clásicos), ya en su forma adulta, legiones enteras de ángeles tocan suavemente sus instrumentos en Anunciaciones y aperturas de Gloria, integrando así la música

Paolo de San Leocadio. Presbiterio catedral de Valencia

en lo visual (una pura sinestesia conceptual en la actualidad, pero plenamente real en el momento en donde la música acompañaba constantemente a las celebraciones religiosas) .

Jaime Huget

Normalmente usan instrumentos contemporáneos (lo que ratifica su vinculación con la música real) a los que acompañaban habitualmente con cantos (recuérdese las famosas Cantorías de Florencia).

En el mundo gótico, muy posiblemente, fue la influencia de la escuela de Chartes y el auge de la polifomía religiosa los que estén detrás de esta inflación angélica, especialmente visible en el mundo de los primitivos flamencos.

Hermanos Eyck. Políptico del Cordero Místico

Tomado de wikipedia

Por el contrario, en el mundo italiano del Renacimiento estará vinculada directamente con la unión del pensamiento neoplatónico con el pitagórico tan típico de la época.

Retablo de la Anunciación. Juan de Juanes

Según estas doctrinas, la música (pura matemática y medida según la escuela pitagórica) es el perfecto ejemplo de la capacidad humana (puramente mental) de llegar a las ideas puras a través de la geometría y el número, permitiendo al hombre alcanzar un conocimiento superior por medio de ella.

Melozzo de Forli. Ángel músico

Si Leonardo componía al hombre según medidas geométricas o Alberti convertía en armonía numérica la fachada de Santa Maria Novella, la música permitía reconvertir el sonido en experiencia absoluta y (en el habitual conciliato) acercarse a la verdadera esencia de la divinidad más allá de lo puramente sensorial (al contrario de lo que ocurrirá en el mundo barroco, en donde la música se convierte en un instrumento, uno más, para el espectáculo y la teatralización que consiga suspender la realidad para publicitar un mensaje)

El Greco. Asunción

Curiosamente, será con el Rococó y su nueva forma de intimidad religiosa (con un nuevo auge de la música para el exclusivo placer, fuera de cualquier propaganda) cuando vuelvan a aparecer los ángeles músicos en algunas obras últimas de Zurbarán, La Roldana, Serpotta

La Roldana. Nacimiento

13 diciembre 2017

LOS CENÁCULOS DE SAN MARCOS Y OGNISSANTI. GHIRLANDAIO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:21

San Marcos

Tras su primer viaje a Roma, el retorna su Florencia natal representa su primera madurez en donde realiza obras tan importantes como San Jerónimo de Ognissanti o el retrato de Giovanna Tournaboi.

Ognissanti

Sin embargo, las grandes obras de este periodo son dos últimas cenas para los Cenáculos de Ognisantii (1480) y San Marcos (1486).

San Marcos

Ya en un artículo anterior analizamos la evolución y significado de estos cenáculos, por lo que este artículo se centrará más en cuestiones técnicas y estilísticas.

Ognissanti

Llama especialmente la atención cómo el estilo de Ghirlandaio ha evolucionado totalmente, ingresando en un renacimiento decorativista que podemos ver también en muchos de los pintores coetáneos (véase Filippino Lippi)

Ognissanti

Asimiladas perfectamente las investigaciones sobre perspectiva o claroscuro de la generación anterior (Masaccio, Ucello, Castagno…), pretende añadir una mayor dosis de humanidad y sentimentalidad a las figuras.

Ognissanti

Esa carga de emociones (contraria, por ejemplo, al quehacer de Piero della Francesca) se vincula directamente con la nueva mentalidad de los mecenas, hijos o nietos de aquellos que imaginaron la gran aventura económica, social e ideológica del primer Renacimiento. Ellos ya no necesitan crear un mundo nuevo, que simplemente ya han heredado (igual que sus fortunas), y se sienten mucho más conservadores tanto en lo social como en lo artísticos.

Ognissanti

Ya no se busca, por tanto, la Antigüedad o la experimentación por si mismos, e interesa más lo decorativo sin excesivos prejuicios estéticos.

Es la infiltración (subterránea pero imposible de obviar) de la carga emotiva de los Lippi o fray Angelico.

San Marcos

Unido íntimamente a lo dicho, las obras de Ghirlandaio buscan el exotismo y lo anecdótico (pavos reales, jardines exquisitamente dibujados, manteles, copas…) que den una rápida sensación de riqueza y refinamiento de sus comitentes.

Ognissanti

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GHIRLANDAIO

4 diciembre 2017

EL TRÁNSITO DE LA VIRGEN. MANTEGNA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:39

Esta es una de las primeras obras que realizará Mantegna para su gran mecenas, Ludovico Gonzaga, al trasladarse a Mantua.

En ella encontramos muchas de las características que se irán desarrollando en el tiempo, convirtiendo al pintor en una de las figuras más fascinantes del Quattrocento.

Quizás lo más relevante sea su estudio de perspectiva en donde une dos tradiciones: la italiana (la famosa ventana de Alberti creada por líneas de fuga creadas tanto por la arquitectura de las pilastras y baldosas, como por los propios apóstoles) con las ventanas abiertas de los primitivos flamencos (aunque, en vez de colocarlas de forma marginal a la escena, es unido, el ventanal, con las líneas de fuga, creando una fascinante entrada perspectívica del cuadro).

Aún sería más espectacular cuando el cuadro estuviera completo, con una zona alta que nos lleva a Cristo, colocado al final de una larga bóveda de cañón con fajones.

A partir de entonces el tema de la perspectiva siempre fascinará al pintor con grandes ejemplos como la Cámara de los Esposos o su Cristo Muerto.

Óculo de la Cámara de los Esposos. Mantua

El tema es de origen bizantino (aquí lo analizamos), muy habitual en la zona veneciana (por los contactos que siempre mantuvo con Bizancio) que tan bien conocía Mantegna a través de su familia política, los Bellini.

Muy pronto será superado por la Asunción (en especial a partir de Tiziano con su Asunta) que da mayor protagonismo y dinamismo a la imagen de María.

Asunta Tiziano

La composición es típicamente quattrocentista, creada a través de horizontales y diagonales sobre la caja perspectívica y cerrada por medias circunferencias en la parte superior. Todo un consistente armazón de fuerte solemnidad que sólo se superará en el Cinquecento por medio de los contrapesos cromáticos y de volúmenes

Virgen, Santa Ana y el Niño. Leonardo da Vinci. Cinquecento

Y, ya por último, la presencia del mundo septentrional (primitivos flamencos) en su dibujo nervioso y su realismo que huye de la tradicional idealización renacentista

Cristo muerto. Mantegna

 

Imágenes del Tránsito tomadas de wikipedia

 

MANTEGNA. FOTOGALERÍA ENLAZADA

31 octubre 2017

RETABLO MAYOR DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:07

Encargado por el obispo Diego de Deza, acaso fascinado por los modelos “a lo romano” que había podido ver en el Colegio de Santa Cruz de Valladolid patrocinado por los Mendoza, para la primitivo altar mayor (ahora capilla del Sagrario).

El ensamblador fue Pedro de Guadalupe que realiza a principios del XVI una de las arquitecturas platerescas más tempranas en el terreno del retablo.

Originariamente con dos calles menos era exclusivamente escultórico, colaborando en él los mejores imagineros del periodo que nos muestran la convivencia de múltiples estilos en Castilla.

El más tradicional es Alejo de Vahía que realiza la Asunción en su típico estilo desornamentado de planos cortantes y figuras hieráticas y estilizadas.

Un segundo momento de evolución lo marca Bigarny que nos muestra esculturas de canon mucho más correcto y actitud grave (un tanto “romana”) de paños elegantes y anatomías musculadas.

San Roque

A él debemos la miriada de santos que ocupan las calles laterales.

San Sebastián

El ático fue encargado a Valmaseda, influido por Berruguete y Juni, como podemos ver en su expresivo manierismo de la Virgen que se contiene en el masivo cuerpo de Cristo.

El retablo, al situarse en el nuevo altar mayor, tuvo que ampliarse con dos calles más, encargándose una serie de tablas sobre la infancia  y Pasión de Cristo a Juan de Flandes que ya analizamos aquí

Aunque existió un San Antolín de Bigarny, posteriormente fue sustituido por el de Gregorio Fernández, muy temprano, casi por completo manierista

 

 

20 septiembre 2017

EL MARAVILLOSO ÓCULO DE LA CÁMARA DE LOS ESPOSOS. MANTEGNA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 7:36

Ya hemos analizado aquí la  perspectiva, iconografía y funciones de la Cámara de los Esposos de Mantegna.

Nos quedaría por analizar una de sus partes más conocidas: el famoso óculo fingido del techo.

Su estructura centra la sala en su parte superior, siendo el origen de la bóveda fingida, marcando el lugar adecuado (en su vertical) para observar toda la Cámara y sus representaciones.

Evidentemente su origen primigenio bien podría ser el óculo que cerraba la gran cúpula del Panteón, aunque Mantegna lo decora con guirnaldas y una celosía superior que hacen ecos de los mismos elementos utilizados en los muros perimetrales, creando una sensación de espacio unificado.

Sobre ellos vemos asomarse a un conjunto sumamente heterogéneo de personajes sobre los que se ha intentado (sin éxito) buscar una iconografía relacionada: mujeres, putti, un macetero con un naranjo en un equilibrio bastante precario, un pavo real.

Lo que todos tienen en común es un cierto sabor humorístico, tanto en las sonrisas pícaras de las mujeres como en los juegos de los putti (alguno incluso se asoma a través de la celosí, arriesgándose a quedar prisionero en ella), el juego de equilibrio inestable de la maceta, apoyada en una simple madera o la “extraña” aparición del pavo real en medio de las figuras humanas.

Probablemente se trataba de establecer un contrapunto frente a la severidad y solemnidad de la parte superior.

La obra es todo un prodigio de perspectiva de sotto in sú (de arriba a abajo) a través de fuertes escorzos que prefigura su futuro Cristo muerto, abriendo un camino glorioso hacia los trampantojos del Cinquecento, Manierismo y Barroco

 

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18 septiembre 2017

CAPILLA DE LOS REYES O DE SAN PEDRO. CATEDRAL DE PALENCIA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:39

En el arranque de la girola de la catedral de Palencia hay una capilla excepcional.

En su origen, su arquitectura es gótica, pero en el siglo XVI se recubrió con una espléndida decoración plateresca, mecenada por Gaspar Fuentes de la Torre, arcediano de Campos y abad perpetuo de Lebanza.

Para ello contrató a una familia de artistas, los Corral de Villalpando, poco conocidos en la actualidad, ya que su trabajo fue muy local (Palencia y Medina de Rioseco, en la famosa capilla de los Benavente).

Estos hermanos trabajaban en conjunto, con un especial interés por la rejería (Ruy) y el estuco policromado (Jerónimo).

Gracias a estos materiales consiguen transmutar las realidades góticas para convertirlas en un mundo renacentista, lleno de exquisitez.

Para la decoración se tomó el tema de la Epifanía, colocando en grandes templetes sustentados por columnas clásicas y atlantes a los Reyes Magos.

En la parte superior se localizan profetas.

El estilo es de una extraordinaria delicadeza y refinamiento, casi podríamos decir que Quattrocentista (aunque se hiciera ya en el siglo XVI).

El resto del espacio, y sobre un fondo azul, lo invaden los grutescos y todas las formas de hojarasca posible, típico del mundo plateresco

El espacio se cierra con un retablo (romanista en su estructura) de discípulos de Bigarny, aunque la Virgen central se atribuye a Balmaseda

 

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11 septiembre 2017

SANTA MARÍA DELL’ ANIMA. ROMA

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:22

La iglesia fue fundada para los peregrinos alemanes en Roma, convirtiéndose después en la iglesia nacional.

Precisamente esta dedicación fue la que permitió que tras la insulsa fachada de Andrea Sansovino, nos encontremos con uno de los pocos templos góticos de la ciudad tipo salón (naves de igual altura)

La decoración, como siempre ocurre en Roma, resulta rica y abundante, con algunas piezas especialmente destacadas.

En el altar nos encontramos con una pala realizada por Gulio Romano dedicada a la Sagrada Familia que fue encargada por la familia Fugger (y posteriormente traslada al Altar mayor).

Se trata de una obra temprana del pintor en la que se libera de a tutela de su maestro, Rafael (con el que colaboró en las Stanze vaticanas, terminando la de Constatino que ya vimos aquí), experimentando con la vanguardia más manierista de colores metalizados y fuerte estilización de las figuras que se alejan de lo real para buscar mundo ideales, profundamente intelectualizados, en donde el espacio se contrae (derecha arriba), se expande (izquierda arriba) o expulsa hacia el exterior (abajo derecha) en una pulsación controlada por una composición rigurosa, centrada por la Virgen, en donde se cruzan las diagonales.

Otras obras de interés son la tumba de Adriano VI, diseñado por Peruzzi.

Y un magnífico descendimiento de Salviati que sigue la línea romanista (el propio Gulio Romano, Volterra) entremezclada por el diseño florentino del manierismo pleno

 

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