Palios

5 junio 2019

EL CRUCIFIJO MILAGROSO DE DONATELLO. PADUA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:55

Dos historias se entrecruzan en esta obra que se encuentra en Santa María dei Servi. Padua

Por una parte, el fenómeno religioso, pues en 1512, el crucifijo sudó sangre durante 15 días, siendo recogida su sangre en una ampolla.

Por otra parte se encuentra su vertiente artística.

Desde las publicaciones de Marco Ruffini es aceptado como obra de Donatello, posiblemente realizado durante la estancia del escultor en la ciudad (Condotiero Gatamelatta).

La obra fue restaurada metódicamente en 2015, en la cual se pudo retirar la pátina de bronce que se aplicara en el siglo XIX.

Se descubrió así una maravillosa policromía mate que aún hace más espectacular la talla de armoniosas proporciones y dolor mesurado

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE DONATELLO

 

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27 mayo 2019

EL SALVADOR. Una escultura del Greco

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:26

Aunque su labor fuera esencialmente pictórica, el Greco también cultivó la arquitectura (especialmente en retablos) y la escultura.

Prueba de ambos es el sagrario y la escultura interior que conserva el Hospital Tavera.

El Sagrario está realizado en madera dorada con pan de oro, con planta centralizada y dobles columnas en los ángulos que “oprimen” una sucesión de nichos, recordando modelos miguelangelescos.

En su interior se encuentra una pequeña figura de un Salvador desnudo.

Se trata de un perfecto ejemplo de modelado clásico, levemente alargado (aunque mucho menos que sus formas pictóricas), de suave contraposto en piernas y brazos que compensan su composición (abierta pero perfectamente equilibrada), claramente inspirada en las obras de Sansovino en Venecia

Como ya nos detalló Pacheco, el Greco tenían una gran cantidad de figurillas de yeso, barro o cera en distintas posiciones, algo que posiblemente aprendiera en el taller de Tintoretto que las utilizaba con asiduidad, vistiéndolas y colocándolas en pequeños escenarios sobre los que proyectaba distintas luces para recrear sus efectos característicos.

EL GRECO BÁSICO

22 mayo 2019

SANTA MARÍA DE LORETO. SANGALLO EL JOVEN

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:30

Tomada de wikipedia

Junto a la Columna Trajana, Sangallo el Joven realizó una de sus mejores obras.

Inspirada en las ideas de planta centralizada de Bramante y Leonardo da Vinci creó una pequeña iglesia de planta cuadrada al exterior y poligonal al interior que se cubre por medio de una espectacular cúpula, con una transición verdaderamente sutil entre los tres elementos geométricos.

Tomada de wikipedia

Al exterior recurre a la bicromía del travertivo y el ladrillo, utilizando el doble módulo de las pilastras pareadas que su maestro ya había utilizado en el Patio de  Belvedere

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

6 mayo 2019

ALONSO BERRUGUETE. RETABLO DE LA EPIFANÍA

Filed under: castilla león — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 10:48

Realizado en 1537 para la iglesia de San Marcos de Valladolid (en donde todavía se encuentra) bajo el mecenazgo de Diego de la Haya y su esposa, Doña Catalina Barquete.

Su estructura resulta bastante novedosa, rompiendo la estructura tradicional de cales con un segundo piso corrido en donde se sitúa un friso corrido con la Sagrada familia y la Epifanía.

Bajo ellos, y en posición orante, se encuentran los promotores.

En los pisos superiores están ocupados por una Inmaculada (aunque con Niño), Natividad y Anunciación y el tradicional Calvario rematando todo el conjunto.

Estructuralmente corresponde a formas platerescas, con grandes columnas abalaustradas y gran cantidad de decoración menuda.

Como corresponde al estilo maduro del maestro, las figuras se colocan en posturas forzadas, creando grupos de extraordinario dinamismo que emocionalizan la imagen, tradicionalmente serena, de la adoración de los Reyes Magos

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE ALONSO BERRUGUETE

24 abril 2019

MIGUEL ÁNGEL. PIEDAD DEL DUOMO Y DE PALESTRINA

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 6:36

Realizadas en torno a 1550, cuando el maestro se encontraba en Roma, resultan verdaderamente sobrecogedoras, estableciendo un intermedio entre la belleza absoluta de la Piedad del Vaticano y el ascetismo de la Rondanini.

Ambas se encuentran inacabadas y rotas en algunas partes por el propio maestro.

En ellas la dulce y equilibrada belleza de la Pieta del Vaticano se ha convertido en tragedia, como le estaba ocurriendo al propio Miguel Ángel, que ya había realizado el giro emocional anunciado en el Moisés y culminado en las Capillas Mediceas, la Escalera Laurenciana o el Juicio Final de la Sixtina.

Miguel Ángel se encuentra cada vez más atormentado y el panorama exterior poco ayuda (desde el Sacco di Roma a las herejías protestantes la realidad perfecta del Cinquecento se ha ido haciendo añicos) y las esculturas ahondan en el drama de la muerte (realmente más humano que divino), haciéndonos partícipes de él a través de los múltiples recursos manieristas que él mismo había inventado.

Las figuras se colocan ya en vertical, creando un peso agobiante del Cristo Muerto que sus acompañantes apenas si pueden sustentar, doblándose así sus piernas sobre el suelo.

En la figura ya ha desaparecido cualquier rasgo divino y la anatomía se descoyunta en múltiples formas serpentinatas, los músculos se hinchan o se estilizan, hasta los ropajes se vuelven cada vez más insustanciales.

La muerte como progresiva separación de la belleza y la armonía que el non finito potencia aún más. Una ruptura del canon bello, incluso de la propia armonía de los personajes que se empequeñecen o agrandan frente al Cristo, rompiendo con sus tamaños correctos

Fotografías: Reyes Lepe

 

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10 abril 2019

CRISTO YACENTE. Isidro Villoldo

Filed under: Imagineros — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 8:51

Este Cristo yacente del monasterio de Santa Isabel de Valladolid se suele atribuir a Isidro Villoldo, colaborador de Berruguete en numerosas obras.

Del maestro toma la enorme desproporción de las extremidades, el tratamiento facial o las formas serpentinatas que desarticulan el cuerpo.

Sin embargo, el tratamiento de las carnaciones, con una figura dominada por la sangre y las magulladuras nos hablan más de un carácter protobarroco (ausente en otras obras suyas) que busca el impacto emocional por medio del color y el dolor más que por las propias formas tensas de la anatomía.

9 marzo 2019

Análisis y comentario. MARTIRIO DE SAN MAURICIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:27

Nos encontramos ante una obra de arte pictórica de tipo religioso. Esta pintura nos cuenta la historia de San Mauricio y la Legión Tebana que dirigía. Se dice, que en el siglo III le fue encomendado realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos (paganos, entonces, para el Cristianismo). San Mauricio se negó, pues tanto él como su ejército profesaban el Cristianismo, y por ello todos fueron ejecutados.

Ahora bien, se cuenta que el autor de esta obra quiso fusionar esta historia con acontecimientos contemporáneos, y es por esto por lo que en varios estudios se ha llegado a identificar dentro de la pintura al Duque Manuel Filiberto de Saboya y al Duque de Parma, Alejandro Farnesio –ambos cerca de la figura del santo- y, en los planos del fondo, a Don Juan de Austria, vencedor en Lepanto (1571). Todas las figuras visten uniformes militares del siglo XVI, uniendo la lucha de las tropas españolas contra la herejía y el paganismo, al igual que se supone que hizo San Mauricio. En un segundo plano observamos la escena del martirio: los legionarios, colocados en fila, esperan para ser ejecutados, mientras San Mauricio vuelve a aparecer en la pintura agradeciendo a sus hombres la decisión que tomaron.

La parte superior de la pintura se corona con un rompimiento de Gloria en el que aparecen diversos ángeles: unos son músicos y otros portan coronas de triunfo.
El soporte sobre el que está realizada esta obra es un lienzo y la técnica empleada es el óleo mediante la pincelada suelta (que heredó de su influencia veneciana gracias a Tiziano, pues se formó en su taller).
La composición de la pintura es asimétrica y dinámica, pues cuenta diversas escenas de una misma
historia, lo que hace que el espectador se vaya “moviendo” por el cuadro para captar toda la historia.

La  obra se formó a partir de figuras geométricas, en concreto rectángulos, donde podemos introducir cada una de las tres escenas de la historia.
En cuanto a la línea, el color, la luz y el espacio, cabe destacar una plena influencia manierista, pues, además de predominar el color sobre la línea, los colores son irreales: fríos, ácidos, tornasolados y metalizados; luego, vemos una clara descompensación, pues en la base de la pintura se da el agobio espacial propio del manierismo que nos traslada rápidamente a la zona superior del cuadro (perspectiva acelerada), donde sólo está poblada una zona.

También encontramos figuras desproporcionadas y con formas serpentinatas, o con gestos grandilocuentes y aristocráticos (como los que se dan entre San Mauricio y sus generales en el primer plano del cuadro). Por último, la luz, aunque aparece representada con el rompimiento de Gloria, el espectador queda desconcertado, pues hay sombras y claroscuros que no se corresponden con ese foco de luz. Y, aunque se ve claramente que los personajes portan armaduras, éstas dan sensación de ser finísimas, pues se puede apreciar la anatomía de los personajes a través de ellas.

(Comentario)
La obra analizada pertenece al manierismo, dentro del Renacimiento español. Debido a las diversas influencias del autor (bizantina, veneciana y manierista) encontramos una mezcla de elementos, o deformación de rasgos que serían de origen clásico pero el propio manierismo los transforma, como el agobio espacial, las anatomías desproporcionadas y exageradas, la perspectiva acelerada o el modo en el que emplea la luz y el color. Por otro lado, empieza a desarrollarse una influencia hispánica que lo conecta con el misticismo, es decir, utilizando el color y la técnica venecianos, la luz y la desproporción manierista, el autor nos intenta comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que influirá profundamente en el siglo XX (expresionistas, Picasso…).


Entierro del Conde Orgaz

Con sus técnicas antinaturalistas unidas a los colores venecianos, el autor buscará una nueva definición de la imagen religiosa. Lógicamente, esta postura no era la más adecuada para el gran público, pues era demasiado intelectual, lo cual fue una de las principales razones por las que no consiguió participar en la decoración del Escorial, pues Felipe II lo rechazó, ya que sus cuadros no servían como imágenes de culto que movieran a la piedad, sino que estaban destinados a una élite intelectual que supiera interpretar estas técnicas y elementos antinaturalistas e irreales como una representación de lo divino más que una ilustración didáctica.
Esta obra se realiza en un contexto histórico en el que reina Felipe II en España (segunda mitad del siglo XVI), y en el que se dará un doble mecenazgo: aúlico (más cercano a los modos italianos, de reyes y nobles cortesanos) y religioso (que hará casi insignificantes diversas tipologías italianas como el desnudo, los temas mitológicos, los retratos…).
Finalmente, cabe destacar el nombre de esta obra y de su autor: El martirio de San Mauricio, realizado por Doménikos Theotokópoulos, popularmente conocido como El Greco.

Imágenes tomadas de wikipedia

 

Marina López Pallarés (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

 

Análisis y comentario. EL EXPOLIO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 8:05

 

Este cuadro trata de un pasaje evangélico correspondiente a la pasión  en la que un sayón se dispone a arrancar la túnica de Cristo. En la parte inferior aparecen las tres Marías que miran como un hombre prepara la cruz.

Su técnica es el óleo (hecho con aceite que permite mayor detallismo ya que tarda en secarse,  hacer correcciones y usar una pincelada más suelta) sobre lienzo.

Su composición es simétrica, a partir de líneas verticales, la más importante (el eje axial) la crea Jesucristo en el centro del cuadro. Su importancia se ve reforzada por el color rojo, que crea una especie de gran óvalo central.

Predomina el color sobre la línea a través de la pincelada suelta.

En los colores cabe destacar, el rojo de la túnica de Cristo que atrapa la mirada del espectador, rodeado por colores fríos de las demás figuras. También también aparecen colores ácidos y tornasolados

La luz es expresiva, ilumina principalmente a Cristo, creando fuertes claroscuros.

El canon de las figuras es correcto (aunque un tanto alargado) y destaca la expresividad de las miradas, con una fuerte tensión entre la de Cristo, que mira hacia arriba (hacia su Padre) con resignación, frente a la violencia de las que le rodean.

 

Es importante la aparición de las diferentes texturas, como la armadura del caballero (una clara herencia de Tiziano).

COMENTARIO

El Expolio es una de las primeras obras que realizó el Greco en España. Se trataba de un encargo para la catedral de Toledo que el artista consiguió gracias a la ayuda de su gran amigo Don Diego de Castilla.

Esta pintura pertenece al renacimiento español y tiene una clara influencia de la pintura veneciana como la pincelada suelta y el uso del óleo, ya que el Greco se formó en el taller de Tiziano. Su influencia manierista, tras su estancia en Roma donde recoge elementos que aparecen en este cuadro como los colores fríos, ácidos, la luz expresiva, el agobio espacial, la perspectiva en vertical.

De esta manera en Greco pretende transmitir al espectador la experiencia divina en una forma irracional. Utilizando el color veneciano, la luz y la desproporción manierista, nos intento comunicar la sensación de Dios, como una especie de éxtasis, de fogonazo interior, que tanto influencia tendrá en el S. XX.

 

Michell Álvarez (2º Bach.; IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

25 febrero 2019

Análisis y comentario de La Adoración del Nombre de Jesús. El Greco

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:28

Tomado de wikipedia

Tema.

También llamada El sueño de Felipe II o Alegoría de la Liga Santa, se trata de un encargo (el primero) realizado por Felipe II al Greco, recién llegado a nuestro país.

Su interpretación resulta confusa y hay varias hipótesis sobre ella.

Tradicionalmente se hablaba de una Gloria (como la que había realizado Tiziano para Carlos V), mientras que otros hablan de un tema más contrerreformista: la adoración del nombre de Jesús (cuyo anagrama IHS,  Jesucristo Hombre Salvador, sería también el de los jesuitas, actores fundamentales de la Contrarreforma) y una meditación sobre la importancia del arrepentimiento (con la aparición del Purgatorio en la zona más lejana) y el peligro cierto del infierno (representado como la gran boca de Leviatán, según los modos iconograficos bizantinos que el Greco practicó e su Creta natal)

En la actualidad (Blunt) se prefiere hablar de una evocación a la Santa Liga (ejército que derrotó a los turcos en Lepanto), apareciendo en el lienzo sus principales representantes: Felipe II, el dux de Venecia (de espaldas y con manto amarillo) y el papa Pío V (con tiara dorada), apareciendo junto a él Don Juan de Austria (comandante de la flota).

Según esta última idea: Nos encontramos por lo tanto ante la representación visual del mundo tras la victoria  cristiana de Lepanto, vista a través de mirada de una monarquía contrarreformista destinada a constituir un imperio universal y cristiano, un planeta católico cuyos tiempos concluirán el día en que la humanidad deba personarse ante el juicio final, donde se premiará a aquellos que participen de esta teología política, y se castigará con penas atroces a los que la rechacen. Esta fabricación icónica del imperio católico español pintada por El Greco no es tanto una invención de este pintor como una representación de una visión que impregna a la sociedad española tras el concilio de Trento y la batalla de Lepanto. Una idea que pervivirá a lo largo de todo el imperio, hasta el reinado de Carlos II a finales del siglo XVII cuando se extingue la Dinastía que hizo de la defensa del catolicismo su razón de ser. ( 

El cuadro está realizado en lienzo, utilizando la técnica al óleo con pincelada suelta, que consiste en la realización de figuras usando pequeños toques precisos de pintura,predominando así el color sobre la línea, pues no se realizaba ningún tipo de dibujo previo(técnica ¨alla prima¨ invención de Giorgione, maestro de la Escuela Veneciana y Tiziano).

Entre esos colores predominan especialmente los cálidos (de nuevo, herencia de Tiziano),en contraposición con los fríos que se encuentran en menor
número en la parte superior y en la parte inferior correspondiente al monarca

La luz es representativa.
Encontramos un uso de la perspectiva aérea heredera de la técnica del sfumato de Leonardo Da Vinci (que tanto influyó en la Escuela Veneciana), que consiste en producir una sensación de profundidad al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos lejanos se vean más borrosos y difuminados.

Junto a ella encontramos una perspectiva acelerada y descentrada, heredera de Tintoretto, y por tanto, totalmente manierista

La composición resulta un tanto caótica, especialmente en el fondo del cuadro, un recurso manierista, que bien podría estar relacionado con esa
sensación de infierno y caos del mundo del s.XVI en el que quería poner orden la Contrarreforma y la Liga Santa.

Este cuadro resulta ser una perfecta fuente histórica de la época de finales del s.XVI si se logra entender el contenido simbólico del mismo, pues se trata de una época en la que los grandes imperios que se estuvieron forjando durante finales del s.XV y el s.XVI estallan en rivalidades políticas, camufladas además en rivalidades religiosas que sirvieron muchas veces como un
¨casus belli¨. Hablamos sobre todo de la Reforma y Contrarreforma y las Guerras de Religión que surgieron a través de éstas (y que en muchas ocasiones resultaban tener una mayor importancia política que religiosa), en las que los miembros de la Contrarreforma formarían la denominada Liga Santa que lucharía contra protestantes y otomanos en varias ocasiones, y
que buscaría la idea de un mundo católico apostólico románico salvaguardado por un gran imperio como era el de la España de Felipe II (si bien ya empezaba a tener demasiados problemas; no debemos olvidar que sufrió en torno a cuatro bancarrotas). Un comentario semejante se podría hacer del Martirio de San Mauricio


Como ya se ha comentado el cuadro recibe las influencias de autores como Miguel Ángel (formas exageradas y serpentinatas de obras como los frescos de la Capilla Sixtina o el Juicio Final que influyeron además en la Escuela Veneciana), Tintoretto ( perspectivas aceleradas como en su obra El Paraíso o La Última Cena) y Tiziano (pincelada, gama cromática, apertura de Gloria). Influirá  en el Barroco del siglo posterior (XVII), en autores como Velázquez, Juan de Valdés Leal, Rubens, …

Imágenes tomadas de wikipedia

 

Abel Jiménez (2º Bach, IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

 

EL GRECO BÁSICO

24 febrero 2019

Análisis y comentario. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO. EL GRECO

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 10:44

Tomado de wikipedia

Tema.

Retrato de un desconocido noble que (según las últimas interpretaciones) está realizando un voto de defensa de Dios (mano sobre el corazón, espada desenvainada)

Técnica. Óleo sobre lienzo

Composición

La figura de fuerte frontalidad (la última limpieza ha hecho surgir una forma de tres cuartos levísima que apenas quita fuerza a la citada frontalidad) que, con el ligero descolgamiento del hombro derecho (según el espectador) nos lleva hacia la empuñadura de la espada.

Color.

El negro (tan habitual en el mundo de los Austrias, como vemos habitualmente en los retratos de Felipe II) domina la zona central sobre el que se destacan los tres grandes símbolos del cuadro (cabeza subrayada por la gorguera, mano de juramento y espada). En ellos encontramos blancos muy puros junto a carnaciones pálidas y (en la espada) el dorado que el Greco heredó de Tiziano.

El fondo lo constituye un fondo gris del que más tarde hablaremos.

Dicho color predomina sobre la línea (la característica pincelada suelta, nueva herencia veneciana, que consigue increíbles brillos en la espada o el traje negro, subrayando las texturas de las telas o los metales por medio de pequeños toques de pincel)

La luz incide directamente sobre los tres puntos que citamos constantemente (espada, mano y cabeza)

El espacio.

El Greco renuncia casi por completo a la perspectiva (tan sólo el hombro derecho genera algo de espacio), utilizando el fondo de una manera activa , como post-imagen (como puede observarse no se trata de un gris homogéneo, y crea toda un aura más clara en torno a la figura, proyectándola hacia el espectador y reforzando su intensidad)

El personaje, aunque de fuerte intensidad, carece realmente de penetración psicológica, como luego analizaremos.

COMENTARIO.

El género del retrato fue tratado de una forma bastante recurrente por el Greco.

Dama del armiño (supuesta compañera sentimental del Greco, Jerónima de las Cuevas). El Greco

Tomada de wikipedia

En la mayoría de los casos nos encontramos con figuras de medio cuerpo, frontales o de tres cuartos.

 

Retrato del Cardenal Tavera. El Greco

Tomada de wikipedia

Retrato del humanista Fray Hortensio Paravicino. El Greco

Tomada de wikipedia

En ellos vemos aparecer a su familia (Jerónima de las Cuevas, Jorge Teotokópulis), altas dignidades eclesiásticas, nobles y amigos (muchos de ellos renombrados humanistas) que nos hablan de una clientela selecta y cultivada capaz de comprender la propuesta estética del pintor, sumamente intelectual.

En todos ellos existe una fuerte presencia (que a veces incomoda al espectador) pero una escasa penetración psicológica, como si el pintor sólo quisiera hablar del mundo exterior (de su posición social) más que del propio individuo.

Esto conecta perfectamente con el mundo manierista, como ya analizamos en este artículo.

Posiblemente se esté inspirando en los gélidos retratos de Bronzino, Lotto o Tintoretto

Tintoretto

Bronzino

También este tipo de retratos se relaciona con la ideología de la España de Felipe II, en donde se entiende el monarca casi como una verdadera estatua, sin sentimientos ni compasión. Una efigie que no debe permitirse ningún rasgo de humanidad (ninguna posible debilidad), como demuestran los retratos de Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola o Pantoja de la Cruz (aquí lo explicamos)

Sofonisba Anguissola. Felipe II

Tomado de wikipedia

 

EL GRECO BÁSICO

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