Palios

1 julio 2020

SAN FRANCISCO. LA PORTADA. Palma de Mallorca

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 5:42

Ya vimos hace un tiempo la fábrica gótica.

Hoy nos queremos fijar en su portada, destruida por un rayo en el siglo XVI y remozada entre mediados de XVII y principios del XVIII por Francisco de Herrera.

Mientras en el rosetón superior aún mantiene las formas medievales, la portada inferior recoge el mundo barroco con una Inmaculada rodeada de santos (entre ellos el propio beato Ramón Llul), y en su parte superior la imagen de San Jorge aseteando un dragón

 

DE TURISMO POR PALMA DE MALLORCA

23 junio 2020

SALVADOR CARMONA EN VERGARA (2)

Filed under: ANGEOLOGÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:21

En este segundo post nos encontraremos con todo un mundo angélico.

En su zona central central encontramos un movido  San Miguel derrotando al Mal, casi un puro juego de equilibrismo y elegancia rococó de espectacular colorido.

Sobre él encontramos un tema novedoso en la iconografía, el ángel de la Guarda.

El resto del retablo se llama de ángeles

 

PRIMERA PARTE

 

TERCERA PARTE

TODOS NUESTROS POST SOBRE SALVADOR CARMONA

10 junio 2020

PEDRO DE MENA. SAN JOSÉ Y EL NIÑO

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:21

Esta nueva adquisición del Museo Nacional de Escultura nos muestra uno de los momentos más interesantes del barroco granadino, cuando Pedro de Mena comienza a colaborar activamente con Alonso Cano (llegado a la ciudad), tomando de él numerosos tipos y maneras de trabajo.

El primer momento de la colaboración fue en la desaparecida iglesia del Ángel Custodio en donde ya se realiza este modelo que Cano formula desde una resignificación de un modelo clásico, el Sileno con Baco de Lisipo del que existía en Palacio una copia en yeso, así como numerosos grabados.

Pocos años después, ya con Mena en Málaga, retomará de nuevo la lección canesca (con su atrevida policromía o el juego en forma de huso) para seguir profundizando en la relación paterno filial que había empezado a desarrollarse en el siglo XVII (en especial Santa Teresa de Jesús)

 

4 junio 2020

COLEGIO DE CARACCIOLOS. ALCALÁ DE HENARES

Filed under: General — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 10:40

Tomado de wikipedia

Dos hermanos, Francisco y Fabricio Caracciolo,  fueron los fundadores de los “Clérigos Regulares Menores” en Nápoles junto al sacerdote Adorno.

El primero de ellos, tras una breve carrera militar, contrae lepra y, tras curar milagrosamente, decide dedicarse a los demás, especialmente a los más desfavorecidos

Por ello, junto a los tradicionales tres votos incluían un cuarto, el no tomar ninguna dignidad eclesiástica, dedicándose a combatir la pobreza y ayudar a los más dañados por ella

Tomado de wikipedia

Son los tiempos de la Contrarreforma y sus adalides (Felipe Neri, Santa Teresa, Borromeo), y como ellos, Francisco intentó expandir su orden, también en España.

Tras numerosos contratiempos consiguió fundar en Valladolid (ahora desaparecido) y también en Alcalá, en donde se pretendía realizar un Colegio-convento en donde formar a sus sacerdotes.

Lo hace en el siglo XVI, aunque a principios del siglo XVII (1628), y gracias al patronazgo de don Antonio Alosa, consigue realizar el gran conjunto que hoy contemplamos.

La iglesia fue lo primero que se realizó, con portada que combina los dos modelos característicos de nuestros primer barroco (la fachada rectangular creada por Alberto de la Madre de Dios, a la que se añaden los aletones jesuitas), utilizando la tradicional bicromía de ladrillo y piedra, aunque la última es un simple trampantojo creado por la pintura.

Su interior responde a un modelo de cruz de brazos poco destacado y espléndida cúpula encamonada en el crucero.

En cuanto al convento (siglo XVIII) repite el modelo creado por Gómez de Mora en el cercano Colegio de Málaga (dos patios porticados unidos en su zona central por un zaguán con escalera de doble tramo cubierta por cúpula oval)

 

 

ICONOGRAFÍA DE LOS SANTOS

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ÓRDENES RELIGIOSAS

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DE TURISMO POR ALCALÁ DE HENARES

2 junio 2020

Retablo de la Catedral de Plasencia. Gregorio Fernández

Filed under: General — Etiquetas: , , , , — vicentecamarasa @ 10:39

En  1624 Gregorio Fernández se compromete a hacer un inmenso retablo para la catedral de Plasencia.

Para la obra arquitectónica se eligieron dos artídfices de su círculo de confianza Cristóbal y Juan Velázquez, que crearán una máquina manierista, de calle central remarcada y dos laterales rehundidas que funcionan como alas; todo realizado a través de columnas, hornacinas y dobles entablamentos (el superior será ocupado en cada piso para relieves narrativos)

Las continuas dilaciones del maestro (cada vez más impedido) hará el que taller realice una gran parte de la obra y se sustituyan ciertas zonas laterales por cuadros (los inferiores por Ricci).

Pese a todo nos encontramos una magnífica colección de escultura, destacando especialmente la Asunción (que sigue el modelo de Miranda de Duero y juega con múltiples planos para la creación conjunta de la escena que termina saliendo de su propio marco por medio de ángeles que hacen incluir en la escena a San Joaquín y Santa Ana, padres de la Virgen) y el Calvario superior al que, junto a la tradicional Deesis, se añade a sus pies la figura implorante de Magdalena

Para saber más

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL ESCULTOR

 

21 mayo 2020

TUMBA DE SAN ALESSIO. ROMA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 5:34

Roma es una ciudad de teatro, y qué mejor que esta obra de los discípulos de Bernini (A. Bergondi) que nos narra el final de este santo, hijo de padres paganos y estériles que huyó a Siria a lo 17 años y no regresó hasta ser un anciano irreconocible al que el propio padre dio cobijo en un sótano, durmiendo bajo unas escaleras que se desplomaron, dándole muerte, sonando entonces todas las campanas de la ciudad.

La obra combina el estuco y la madera para recrear la muerte del santo asistido por los ángeles, bajo un fragmento de la propia escalera.

Se trata de un rincón lleno de movimiento y tramoya

 

Más post sobre la iglesia

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

6 mayo 2020

Baños en el Manzanares en el paraje de Molino Quemado. Félix Castello (atrib)

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 6:49

Un precioso documento de la vida social en nuestro siglo de oro que aprovechaba las magras riberas del río Manzanares para el baño y el asueto.

Pues, como sabemos por la literatura de le época, el Manzanares era lugar de baños (y muchas más cosas) durante todo el verano, coincidiendo con el periodo de las verbenas.

«(…)en cada fiesta el Diablo quiere su propio altar, y así, si por una parte se desarrollan adecuadamente tal y como apenas [se ha descrito], por otra el desorden no es poco ya que, por el calor que trae la estación y por hacerse la vigilia en esta noche [23 de junio], gran parte de la ciudad y sobre todo las mujeres, va a aquel río Manzanares, al puente Segoviano, y allí gentes del populacho, tanto hombres como mujeres, se lavan entremezclados con poco recato para el servicio del alma. Aquellos otros de [mejor] condición pasan la velada yendo de arriba abajo, así como entrando con las carrozas en el río para gozar de las locuras de estos [primeros]. Acostumbran la mayoría de las mujeres a acudir aquí esta noche y al amanecer [aparecen] desgreñadas, adornando las carrozas y los caballos con vegetación y flores, que en definitiva parece una arcadia, el Siglo de Oro respecto de la libertad y de la poca vergüenza. Entre estas [mujeres] se ve también a gentiles damas que con el pretexto de creer que el fresco de aquella noche les hará bellas sus cabelleras y se las mantendrá, descienden de sus carrozas y con el acompañamiento adecuado despeinadas caminan paseando y pavoneándose».

Carta del nuncio Cardenal Francesco Barberini (1626)

Como puede  verse el cuadro casi parece una ilustración del texto en donde podemos observar el escaso recato frente al desnudo pero también el juego de estamentos, aún presentes en estos lugares tan poco reglados, con las damas en sus carruajes seguidas por sus pretendientes

O los eternos duelos.

10 abril 2020

LA CARRETERÍA. CRISTO ENTRE LOS LADRONES

Filed under: Semana Santa, Sevilla — Etiquetas: , , , — vicentecamarasa @ 8:19

Este paso clásico de Viernes Santos tiene numerosas atribuciones.

Para el Cristo se ha barajado el imaginero Francisco de Ocampo, con semejanzas con el de la Orotava o el Cerro (aunque otros lo atribuyen a Matías de la Cruz). De ser cierta esta atribución sería el perfecto ejemplo del eclecticismo del imaginero, con un tratamiento anatómico en la línea de Martínez Montañés, de suave modelado, y el expresionismo (un tanto esquemático) del rostro, al modo de Juan de Mesa.

En cuanto a los dos ladrones se han atribuido al taller de Pedro Roldán, planteando la posibilidad de la participación de la Roldana y su marido (de los Arcos)

26 marzo 2020

Comparación entre Rubens (Jardín del amor) y Rembrandt (lección de anatomía)

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 16:36

El Jardín del amor. Rubens

Tomado de wikipedia

En la lección de anatomía se representa una lección pública de anatomía que, en el fondo, tiene un significado religiosos: demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre. EL doctor Tulp es el que aparece con un sombrero para reflejar su posición social, con unas pinzas en la mano derecha, muestra a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección.

En el jardín del amor la escena representa una fiesta que se celebra en un parque, el cual es el de la casa del propio Rubens en Amberes. Diversas
figuras femeninas y masculinas se encuentran en actitud relajada y satisfecha, unas sentadas y otras de pie, cercanas a una fuente dedicada a la diosa Juno, protectora del matrimonio. A su alrededor revolotean amorcillos los cuales simbolizan el amor y se les suele representar como en este caso, disparando flechas, arrojando flores o portando coronas. Se cree que Rubens trata de hacer un homenaje a su esposa, representando una fiesta conmemorativa.

Mientras la lección de anatomía es un doelen, el jardín del amor funciona como un cuadro mitológico en donde los humanos se mezclan con amorcillos o Venus.

La lección de anatomía. Rembrandt

Tomado de wikipedia

Ambas obras están realizadas sobre lienzo con la técnica pictórica del óleo cuyo aglutinante es el aceite, esto permite el mayor trabajo de texturas, además, al tardar más en secar , se puede corregir los fallos que se hayan cometido anteriormente. La pincelada utilizada es suelta para conseguir una perfecta integración de la figura con el ambiente y transmitir una visión más realista.
La composición es asimétrica, los personajes aparece organizados de forma
piramidal con el vértice en la cabeza más alta y una profunda diagonal desde el libro hasta el personaje que aparece al fondo. Se pueden distinguir dos líneas horizontales fundamentales; la primera, recoge el cuerpo diseccionado. Y la segunda banda horizontal, recoge al profesor y a los alumnos que se encuentran atendiendo a la lección.  Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, se ofrece una mayor sensación de realismo.
La composición en el jardín del amor también es asimétrica y dinámica,
consiguiéndolo con escorzos. Las líneas fundamentales que se encuentran en la obra son bandas horizontales, donde la primera recoge a todos los personajes,
masculinos y femeninos, y la segunda el paisaje con algunos amocillos en los cuales predominan las líneas curvas, con el fin de aportar mayor dinamismo y profundidad.
En los dos casos el color predomina sobre la línea gracias a la pincelada suelta, los colores predominantes en la lección de anatomía son oscuros (como es habitual en la vertiente tenebrista). Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista.

Sin embargo los colores utilizados en el jardín del amor son variados, en los
ropajes se encuentran tanto fríos por ejemplo el vestido azul o negro y cálidos por ejemplo, los ropajes rojos, o amarillos. En cuanto al paisaje los colores también se ven compensados, ya que aparecen cálidos, (el marrón claro del templete) y fríos en el azul del cielo y los verdes de los árboles.

Rembrandt está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, siguiendo las indicaciones de la teoría tenebrista. Además, la luz que utiliza es dorada y artificiosa y viniendo de arriba para realzar rostros y golillas, con un foco principal sobre el cadáver.
La luz en el jardín del amor es natural, ya que el espacio es al aire libre ; el foco se encontraría en la zona superior izquierda, proporcionando mediante el claroscuros sombras en el templete.
En la Lección de anatomía existe un espacio cromático dominado por el claroscuro que proporciona volumen a los personajes que rodea, con un fondo en donde aparecen  sombras doradas y con un cartel con el nombre y fecha del artista. Este espacio sombrío contribuye a concentrar la atención en las expresiones de los asistentes, además se utilizan los escorzos para provocar sensación de profundidad , a lo que se añade la composición atectónica en la cual se ponen objetos en un primerísimo plano como por ejemplo el libro que aparece en los pies del muerto, que el cuadro corta por los lados.
En el jardín del amor el espacio se delimita por un templete clásico, de columnas anilladas y atlantes en cuyo interior aparece, sobre una venera, una escultura que representa a las Tres Gracias.

En la parte derecha aparece una fuente con la diosa Juno sobre un animal marino, a diferencia de la lección de anatomía utiliza un claroscuro muy suave, que se limita a dar volumen a los personajes sin potenciar su expresividad (que está basada fundamentalmente en sus posturas y cromatismo). La perspectiva utilizada es la aérea para dar sensación de profundidad.

Las figuras en ambas obras son muy realistas, esto se consigue con expresiones de sorpresa, entusiasmo, atención… Las miradas de cada una de las figuras hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección.
La posición en la que estas se encuentran es dinámica y en escorzo con el fin de
conseguir naturalidad y expresividad. El canon en el jardín del amor es voluptuoso.

COMENTARIO

Estas obras pertenecen al barroco, con las composiciones asimétricas,  escorzos y posiciones dinámicas que buscan la expresividad y el naturalismo en figuras, colores fundamentalmente calidos…

En la lección de anatomía se aprecia la influencia del tenebrismo de Caravaggio y la pincelada suelta y los tonos dorados de Tiziano.

En cuanto a Rubens es muy influenciado por los venecianos (con el uso del óleo y con la pincelada suelta)por Carracci, Bernini, y Miguel Ángel. Este autor supone una gran influencia en el Rococó.

Rubens trabajó para las principales casas reales católicas, era un gran  conocedor de la religión y de la mitología, a partir de las influencias que este tuvo aparece un estilo típicamente barroco, en cuanto a su propaganda, y técnica, con composiciones muy dinámicas y recargadas, gestos teatrales, y una característica forma de tratar los canones femeninos voluptuosos.
Sin embargo Rembrandt representa un barroco distinto que deriva del carácter
protestante y burgués de su Holanda natal, esto es relevante en la pintura porque no existían pinturas religiosas para las iglesias por esto surgen los retratos tanto individuales como colectivos que adquieren el nombre de doelen, es habitual encontrar junto a ellos los lienzos de tema bíblico y los cuadros de género.

Lucía López. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

PARA SABER MUCHO MÁS DE RUBENS Y DE REMBRANDT

17 marzo 2020

LOS RELIEVES DE ALGARDI EN SANTI MARTINA E LUCA

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 9:59

En la cripta de la iglesia construida por Cortona, Algardi dejó dos exquisitos relieves sobre la muerte (era un ámbito funerario, sacralizado además por los restos de Santa Martina y otros mártires).

El primero nos narra el entierro de Cristo, un prodigioso catálogo sobre el silencio y la resignación que, con apenas unas pequeñas sugerencias arquitectónicas, crea su propio ámbito espacial.

El segundo (Cristo muerto ante el padre) es una lección magistral de cómo componer en diagonal sin perder armonía, con anatomías difícilmente suprables y una exquisitez de detalle y modelado asombrosa.

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE ALGARDI

 

SANTI LUCA E MARTINA. ÍNDICES

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