Palios

25 diciembre 2018

LOS ESCAPARATES BARROCOS

Filed under: belenes — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 8:07

Frente a la tradición italiana-napolitana de los presepri, en España se desarrollo (al menos desde el siglo XVI) toda una escuela belenística mucho menos conocida, debido a las dificultades de su visita, pues suelen encontrarse en clausuras.

Dentro de los monasterios (al modo de las grandes casas, en esta doble influencia entre lo profano y lo religioso que es nuestra edad moderna), existían habitaciones destinadas a la composición del belén o, más frecuentemente, belenes montados de forma definitiva en los llamados escaparates barrocos, especie de pequeñas urnas en donde se componían escenas (de santos, de la pasión, de la infancia de Cristo…) en donde las figuras se situaban en un marco realista de paisaje o interior.

Escaparate San Jerónimo

Bien lo podemos relacionar con las llamadas puestas en escena que estableció San Ignacio de Loyola para la meditación sobre una base realista.

En estos belenes el detalle predomina sobre la escena, componiendo escenas más o menos complejas en las que se intenta recrear las escenas como una verdadera pintura.

Tiene, además, un fuerte sentido de lo anecdótico con el que se pretende humanizar el relato evangélico, prestando un gran interés a vestidos, figuras y ambientes.

Por otra parte sus escenas no se ciñen exclusivamente a lo que nosotros conocemos, sino en realidad suelen hablar del ciclo de la infancia (con la anunciación o la visitación) o llegan a incluir otros escenas de complejo simbolismo

De la misma manera, es importante (a veces mucho) la fusión entre la escena y el mobiliario que lo contiene, siendo verdaderas obras maestras como esta de Torices.

Sin embargo el más espectacular belén monástico tipo escaparate que he visto nunca es el que guarda el convento de Santa Paula de Sevilla y que os invito a contemplar en Palios

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3 diciembre 2018

VERDAD Y MENTIRA EN DOS CUADROS DE VELÁZQUEZ

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 10:56

Tomado de wikipedia

Durante su primer viaje a Italia, según Palomino, en Roma, el joven Velázquez realizó dos obras que ya le habrían valido para ingresar en el Olimpo de los grandes pintores: la Fragua de Vulcano y la Túnica de José

Tomado de wikipedia

En ellas se encuentran resumidas todas las apresuradas lecciones que había recibido durante el periplo, desde los espacios de Tintorretto a los escorzos de Miguel Ángel, las citas a la estatuaria clásica vistas en el Vaticano (Apolo de Belvedere) o las lecciones extraidas de las pinturas de historia de Guercino o Guido Reni.

Pero junto a todo esto, Velázquez comprendió y ensayó magistralmente otra cuestión, la verdadera esencia de la gran pintura de historia que había llegado a su plenitud con los Carracci y seguidores.

Como en ella, por primera vez en su obra, Velázquez pretende desarrollar un discurso mudo (Fernando Marías), una narración que se desarrollaba por medio de las emociones de los personajes. (Los famosos affetti barrocos, los estados de ánimo que se han de representar a través del gesto y servir para la lectura literaria y emocional de las imágenes de historia, como bien habían comprendido Caravaggio, Bernini o los Carracci)

Sin embargo, el maestro no quiso quedarse así, y a la vez que asimilaba toda una tradición la hacía avanzar velozmente hacia nuevos caminos.

Pues sus historias se encontraban incompletas, al ocultar parte de la historia.

Tomado de wikipedia

En la Fragua elimina así la escena de los dos adúlteros (Venus y Marte) que en ese mismo momento se encontraban prisioneros de una red colgada de un árbol, visibles ante todo el Olimpo. Al eliminarla, el espectador debe ser lo suficientemente ilustrado para comprender las caras de asombro e ira de Vulcano (el amante engañado) y sus colaboradores ante la revelación que hace de la infidelidad que porta Apolo.

En la Túnica (acaso posterior), aún había ido más lejos.

Tomado de wikipedia

Los hermanos de José muestran ante su padre la túnica ensangrentada de su hermano para dolor de los asistentes.

De nuevo es un mensaje oral, una noticia y sus consecuencias emocionales, el meollo de la obra, aunque con diferencias, pues, como es conocido, José no había muerto por un ataque de lobos, sino vendido por sus propios hermanos a unos comerciantes egipcios, celosos del amor que le tenía su padre Jacob.

Sólo un pequeño perrillo se da cuenta del engaño, ladrando a los hermanos compungidos.

Posiblemente ambas obras fueran ideadas para su contemplación conjunta (ahora imposible, pues una se encuentra en el Prado y la otra en el Escorial) y, conociendo el carácter intelectual del pintor que siempre fue un punto más allá de los temas tradicionales, tal vez se tratara de una reflexión barroca sobre la verdad y mentira que los distintos emisores pueden general en sus receptores, toda una lección moral, perfecta para un cortesano (como ya era Velázquez) que se debe enfrentar a verdades cambiantes y engaños continuos, debiendo discernir entre ellos

 

VELÁZQUEZ BÁSICO

7 noviembre 2018

MOCHI. BAUTISMO DE CRISTO

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 16:44

Francisco Mochi representa el último manierismo florentino (de donde es oriundo) que sólo en breves instantes (Verónica, Vaticano) seguirá la estela barroquizante de Bernini.

En esta obra que comentamos tanto las alargadas proporciones (que le dan un aspecto filiforme) como su actitud corporal que oscila entre el mundo del ballet y la rigidez y antinaturalismo de algunas de sus posturas, conecta con el mundo manierista florentino heredero de Giambolonia y Amanatti.

Frente a la grazia de aquellos, Mochi responde con un estilo paradójico que no quiere renegar de la fluidez pero le es imposible realizarla (como si el mundo sofisticado del último renacimiento se encontrara ya herido de muerte) y las figuras vivieran en un mundo autónomo, regido por leyes abstractas que les obligan a retorcerse sin poder nunca alcanzar las formas aristocráticas anteriores.

Es el resultado, acaso,  de un intento de adaptarse a los tiempos modernos (Verónica, grupo de Orvieto) y ser consciente de la imposibilidad personal de hacerlo (más por carácter que por técnica), con un retroceso hacia formas muy anteriores en su carrera tras el intento naturalista que se había producido en sus primeros momentos en Roma que aún está presente en el naturalismo de alguno de sus detalles

 

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17 octubre 2018

LA ALEGORÍA DE LOS CUATRO ELEMENTOS. ALBANI

Filed under: ICONOGRAFÍA — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:25

Como ocurría en otras cortes europeas del barroco, el Turín de los Saboya desarrolla un importante mecenazgo para dotar a sus Academias y Palacios de un contenido emblemático que partiendo de los clásicos (Filostrato, Imágenes) busquen la creación de una explicación del mundo desde la  cultura clásica que completen (sin negarla) la explicación teológica (Ya desde los presocraticos, la realidad se compone, en distintas proporciones, agua, fuego, aire; una idea que luego se trasladará al cuerpo humano con los humores de Galeno, a la astronomía o el ocultismo)

En estos cometidos se especializaron los Carracci y su escuela que unían un lenguaje elegantemente moderno pero siempre moderado y una fuerte erudición (aquí ya vimos un ejemplo)

Muertos ya los grandes maestros, sus discípulos continuaron esta estela.En concreto nos encontramos con una serie creada por Albani, con sus característicos tondos que desarrollan escenas en donde la Antigüedad se reverdece en un mundo de paisajes idealizados y amenos (una evolución de la revolución que protagonizaran Giorgione y Tiziano durante en Cinquecento veneciano) de figuras delicadas, de movimientos casi danzantes.

En todas las imágenes vemos contraponerse a los principios masculinos y femeninos (acaso unos Adán y Eva paganizados en las formas mitológicas de Venus, Cibeles, Hefaistos o Júpiter, que hablan lateralmente de la sexualidad como una unión de contrarios que genera la vida) que se anudan a través de una legión de amorcillos, todo ello en un paisaje idílico que tanto podría ser el Paraíso Original como una idealización de la Naturaleza.

Imágenes (como puede verse) ricas en lecturas que insisten, para la mentalidad aristocrática del momento, en la idea renacentista del conciliato, sirviendo como exempla para un conocimiento mucho más profundo, rico y no excluyente de la realidad

15 octubre 2018

SANTI QUATTRO CORONATI. UN ÁBSIDE DE ANGELINAS

Filed under: ANGEOLOGÍA, General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:27

El gran ábside de Santi Quattro Coronati fue realizado por Giovanni da San Giovanni en 1630 en un estilo barroco con numerosas deudas con el mundo manierista florentino en el que se había formado.

En la cuenca del ábside aparece la representación de la Gloria, con la Trinidad en la parte superior adoradas por la Virgen y San Juan Bautista que son rodeados por numerosos santos.

Sin embargo, lo que siempre ha llamado la atención es el fuerte componente femenino de los ángeles (denominados en muchas ocasiones angelinas o angiolesse).

Tomada de wikipedia

 Tomada de wikipedia

Muy probablemente hacen referencia al orfanato femenino fundado por intercesión del propio San Ignacio.

Aún más poderoso es el contraste entre esta zona de paz y armonía con los múltiples martirios que ocupan su zona baja, relacionado con el culto a los Cuatro Santos Coronados de la Iglesia, claramente inspirados en San Stefano Rotondo (Niccolò Pomarancio y Antonio Tempesta)

 Tomada de wikipedia

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8 octubre 2018

CAPILLA DE LA BUENA MUERTE

Filed under: castilla león, Imagineros — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 10:28

De todas las obras maestras. que vamos analizando en esta iglesia de San Miguel y San Julián, acaso esta sea la más completa y espectacular.

La propia estructura nos habla de modelos granadinos de barroco avanzado derivados de las obras de Alonso Cano, con gran espacio central remarcado por columnas salomónicas, templete central en perspectiva gracias al trampantojo de la bóveda casetonada sobre la que se desarrolla una cornisa convexa de fuerte personalidad y carnosa decoración, y dos alas laterales que se abren hacia el espectador.

En la parte baja, se abre un inusual camarín que, cuando tiene sus puertas abiertas, nos muestra un interior basilical de tres naves.

La zona central la ocupa el grupo de  Cristo crucificado, la Virgen, San Juan y la Magdalena (Paso procesional del Monte Calvario), atribuido a Juan Alonso Villabrille y Ron que interpreta en clave de barroco tardío las iconografías creadas por Juni y Gregorio Fernández

Sobre ella, una piedad de Antonio Carnicero.

En la parte baja, entendida simbólicamente como el Santo Sepulcro, encontramos un magnífico yacente de Gregorio Fernández y una Virgen de la Amargura (Juan Alonso Villabrille y Ron).

Por si fuera poco, en las alas laterales encontramos bustos atribuidos a Alonso de Mena

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1 octubre 2018

SACRISTÍA DE SAN MIGUEL Y SAN JULIÁN. VALLADOLID

Filed under: castilla león — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 18:42

De visita libre, esta Sacristía y su estancia relicario, de la que ya hablamos aquí, son unos espacios verdaderamente asombrosos con los que comenzaremos los post dedicados a esta iglesia.

Original en su estructura, pavimento y mobiliario del siglo XVII, crea un gran espacio diáfano cubierto por bóvedas de lunetos decoradas con yeserías en cuyo fondo se encuentra un gran retablo en trampantojo realizado por Felipe Gil de Mena, con una Inmaculada en su tabernáculo y ramos de flores en los laterales

En los laterales se nos muestra una interesantísima colección de pintura y escultura en la que habría que destacar los retratos realizados por Juan de Roelas en su primera etapa hispana.

La serie de La Apoteosis de la Eucaristía, con el cuadro principal de Felipe Gil de Mena, copiando los cartones para tapices pintados por Rubens para las Descalzas Reales de Madrid.

Las curiosas anamorfosis presentan los retratos del emperador Carlos V y de su esposa la Emperatriz Isabel.

U otros lienzos de indudable interés

 Cristo con la Cruz. Atribución a Luis de Morales

 

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24 septiembre 2018

EL BARROCO NAPOLITANO (2) SANTA MARÍA DELLA SANITÁ

Filed under: General — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 7:14

En uno de los barrios más degradados del centro napolitano encontramos esta magnífica iglesia (1602-13) diseñada por Giusepe Donzelli, llamado fra’Nuvolo (1631). 

De planta centralizada en cruz griega se vincula con los proyectos prebarrocos del Vaticano, aunque ya existe una clara vocación barroca en la diafanidad de los espacios que permiten una unificación visual impresionante.

Su uso de una bicromía básica pronto desaparecerá del mundo napolitano, que buscará ambientes más abigarrados. En la Sanitá, por el contrario, la decoración se subordinará a la arquitectura, creándose capillas para su inclusión

En ella se destaca la gran cripta que da paso a las catacumbas de San Gaudioso. Un ambiente plenamente clasicista al que se une el gusto barroco (romano) por las decoraciones heráldicas en piedras duras, sobre el mismo pavimento

 

No podíamos olvidar las intervenciones de pintores y esculturas del XVII que ornan la iglesia en los citados altares.

Os pongo algunos ejemplos de esta unificación de artes en su punto de equilibrio que muy pronto será superado en la ciudad. (un rasgo que ya lo anuncia es la aparición de las piedras duras en relieve en la balaustrada)

Quizás una de las capillas más valiosas es la dedicada a San Vicente Siola  (el que da el nombre popular a la iglesia, San Vincenzo), santo que logró detener el aluvión de lodo volcánico que amenazaba al barrio (y vinculado con la orden dominica, a la que pertenece la iglesia). Junto a él el gran lienzos de Luca Giordano, el gran pintor de la segunda mitad napolitana sobre San Vicente Ferrer

Ya por último, enseñaros algunos de los escaparates con imaginería (ya del XVII) de la orden dominica

San Vicente

Y un espléndido crucificado

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28 agosto 2018

EL ORATORIO DEL CRISTO DEL OLIVAR (1). EL CRUCIFICADO DE PEREIRA

Filed under: Imagineros, Madrid — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 6:15

El lugar es apenas conocido (yo, realmente, lo descubrí no hace muchos años, tras un “chivatazo” de mi amiga Laly, que tanto y tanto sabe de Madrid).

Curiosamente se encuentra a diez pasos de la calle Atocha, casi enfrente de a iglesia de San Sebastián y el barrio de las Letras.

El antiguo Oratorio del Cristo del Olivar de la Congregación de los Indignos Esclavos del Santísimo Sacramento fue construido en 1647 por Manuel Aguiar, aunque a nosotros nos ha llegado una reconstrucción del XX

Su fachada neogótica apenas merece atención, y su interior es un tanto frío, pero guarda dos maravillosas obras de imaginería.

Hoy nos ocupamos del Cristo tallado por Pereira (de la talla de Carmona ya hablamos aquí)

Conocida  como Cristo del Perdón,  datada en 1647, representa perfectamente el estilo del imaginero.

Su cuerpo delgado, con un canon esbelto (aunque no por ello manierista) tiene un sobrio paño de pureza pegado al cuerpo pero roto en mil planos distintos, casi como un verdadero orfebre.

Frente al cuerpo apenas sin sangre ni signos de violencia o pasión, el rostro cambia por completo la imagen.

En un escorzo espectacular (mucho mejor que el del celebrado Cachorro), su cuello se gira para que la cabeza mire hacia su Padre y por su boca abierta pronuncie sus últimas palabras.

Lamentablemente la altura a la que está colgado solo permite observarlo con cámara, pero aún así resulta verdaderamente estremecedor

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE PEREIRA

17 julio 2018

SANTA MARIA IN TRIVIO

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 19:03

A escasísimos pasos de la famosa Fontana de Trevi hay un pequeño remanso de paz.

Este pequeño oratorio tiene una larga historia.

Según la tradición fue mandado construir por el mismísimo Belisario (lugarteniente de Justiniano) para expiar el pecado de haber depuesto al papa Silvestre en el siglo VI.

Tras ser entregada a la orden de los Crociferi fue rehecha desde sus cimientos por Giacomo del Duca en el tercer tercio del siglo XVI con formas manieristas derivadas de Miguel Ángel (potentes pilastras de orden gigante que recorren toda la parte baja que encierran, hasta casi dejarlos sin espacio, los poderosos frontones)

Su interior de nave única fue redecorado en el siglo XVII tras ser adjudicada a los Camilos.

Destaca especialmente el techo realizado por Antonio Gherardi en 1669 – 1670 . Entre los estucos (también diseñados por él) nos encontramos tres fantásticas obras de perspectiva de sotto in su

 

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