Palios

31 enero 2022

LA CAPILLA DE LA ANUNCIACIÓN. DAROCA

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En la colegiata de Daroca se encuentra esta magnífica capilla de retablo renacentista purista (se suele atribuir a un discípulo de Anchieta.

Mecenada a principios del XVII por el arzobispo de Zaragoza. la posterior creación de la cúpula casetonada crea un potente efecto escenográfico barroco

27 enero 2022

SAN ANTONIO DE VIANA. PALMA DE MALLORCA

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Casi desconocida esta antigua iglesia (construida en origen tras la entrada cristiana) fue profundamente reformada en el siglo XVIII creando un modelo de planta centralizada de exquisitos modos romanos (en realidad, recuerda obras y maneras del gran Ventura Rodríguez) que se atribuyen (por lo menos el trabajo al pie de obra) a  Lluc Mesquida y Rosselló.

De la misma manera ocurre con el patio, ovalado y armónico.

La fachada no llegó a terminarse, pues la orden (dedicada tradicionalmente al fuego de San Antón) fue suprimida mientras se trabajaba en ella.

 

DE TURISMO POR PALMA DE MALLORCA

22 enero 2022

Cenotafio capilla San Fausto. Mejorada del Campo

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 18:56

En la capilla de San Fausto de Mejorada del Campo, encontramos este magnífico cenotafio encargado en Palermo por el segundo marqués de Mejorada.

Se trata de una obra de gran valor, muy rara en el territorio español, tanto por los materiales como por las técnicas utilizadas.

Sobre un pedestal de caras cóncavas (en donde se realizará el trabajo en piedras duras) se crea un escalonamiento de tres pisos (a la manera de las fuentes de varias pilas) con perfiles curvilíneos separados por pequeños plintos, con candelabros abalaustrados en las esquinas.

Sobre ellos se alza la parte alta de la estructura, sustentada por tres arpías de bronce sobredorado, una urna en donde se conserva la reliquia de San Fausto, y una escultura del santo con dos de sus principales iconografías, el ángel que labraba por él y la cadena de cautivo, cuando (siendo mercedario) se ofreció a los berberiscos para salvar a un prisionero.

Retornando al plinto encontramos un trabajo en piedras duras verdaderamente espectacular.

Es una técnica renacida en la Florencia del siglo XVI (o Roma, según otros autores) recogiendo el opus sectile romano y el estilo cosmatesco medieval en las que se incrustan en una placa de mármol fragmentos recortados de piedras duras y semipreciosas (como lapislázuli) para formar una escena.

(Para saber más de la técnica)

Historia

La técnica de piedras duras en España

(el museo del Prado, Real Laboratorio)

Tres de las caras repiten el mismo esquema.

Se crean tres nichos arquitectónicos con perspectiva tras ellos. En el central se representa al santo rezando o laborando los campos

.El repertorio (como una especie de fuga barroca) reutiliza los distintos elementos, jugando con ellos al establecer variaciones.

Gran parte de los elementos son puramente barrocos (clasicistas) como las columnas salomónicas, complicados roleos, balaustradas, jarrones, guirnaldas y filacterias voladas, …

Es muy interesante el uso de lo floral (entre los roleos, en los grandes maceteros, en los cuarterones que aparecen más bajos que los andenes centrales, al modo andalusí) y el interés prestado a la perspectiva que se genera de varias formas, utilizando los marcos arquitectónicos, las ventanas con sus toldos, los suelos ajedrezados o los fondos arbolados.

7 enero 2022

LA TEATRALIDAD BARROCA. MENTIR A LOS OJOS PARA SALVAR EL ALMA Y PROTEGER AL REY

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:50

SDELBIOMBO – 02 DE MAYO DE 2009 – 07:27 – BARROCO

 El suelo es totalmente plano, os lo aseguro. Iglesia de los Venerables. Sevilla

Ya lo decía Quevedo, nuestro gran escritor del Siglo de Oro (siglo XVII).

Hay muchas cosas aquí que parecen existir y luego no son más que un nombre o una apariencia

Valdes Leal supo crear lo imposible: una aparición divina de la Santa Cruz en un techo casi plano. Iglesia de los Venerables, Sevilla.

Pero no lo era sólo aquí, en España, sino en toda Europa. La mentira, la teatralidad era uno de los grandes pilares del Barroco: utilizar el arte como una forma de propaganda de la religión y el poder del rey.

Frente al Renacimiento, sólo conocido por las clases más cultivadas, el Barroco tenderá a ser en muchos de los casos un arte para controlar al pueblo (Maravall), un control ideológico sobre la masa que no sabe leer pero sí puede mirar.

Precisamente por ello, los artistas barrocos retomaron muchas de las técnicas aparecidas en el renacimiento  (perspectiva lineal, claroscuro o los trampantojos en pintura; el uso de la luz para generar espacios en la arquitectura o los falsos fondos pintados), para convertir la ciudad y la iglesia como grandes teatros en donde se escenifica el poder del rey, la sociedad estamental o la nueva iglesia reformada que surgió tras el Concilio de Trento.

Este proceso se inicia a finales del XVI en Roma, siendo su ejemplo más espectacular lplaza del Vaticano realizada por Bernini, hecha como unos grandes brazos que rodean a los creyentes y crean el espacio perfecto para las apariciones del Papa en las grandes solemnidades. El gigantesco espacio hace que el individuo se sienta pequeño, débil, insignificante ante el inmenso poder de la Iglesia.

Efectos parecidos conseguirá con el baldaquino de la Basílica de San Pedro 

Otro de los grandes arquitectos italianos, Borromini, jugará constantemente con el espacio para crear amplias perspectivas en lugares normalmente pequeños. Quizás el juego más espectacular sea la columnata de entrada que realizó para el Palacio Spada en donde la realidad y la ficción se entremezclan, como podéis ver en estas fotos.

En realidad la perspectiva no es real, es mucho más corta, pero las columnas se van haciendo más bajas y el techo desciende mientras el suelo asciende para que en muy poco espacio creáis que existe una gran columnata

En este juego de apariencias  jugó un papel muy importante la pintura decorativa, que consiguió eliminar las paredes y techos, reconvirtiéndolos en  arquitecturas increíbles que crean espacios infinitos poblados de ángeles, santos o la propia divinidad.

 Pozzo. Decoración (ilusionista) de los techos de la iglesia jesuita en Viena

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Andrea_Pozzo

Pozzo. Trampantojo habitaciones de San Ignacio. El Gesú. Roma

En el caso de España fue especialmente importante esta decoración fingida, pues la crisis que sufría el imperio durante el siglo XVII impedía utilizar materiales costosos. No es extraño que en vez de mármoles o bronces se utilizaran pan de oro (finísimas láminas de oro sobre la madera) para los retablos o incluso cúpulas falsas (llamadas encamonadas) que en vez de la cara piedra utilizaban yeso y maderas.

Aunque parezca mentira toda la cúpula está realizada con yeso y maderas ligeras. Iglesia de San Isidro, Madrid, realizada por el padre Bautista

Cúpula de la Virgen de los Desamparados. Valencia. Palomino

Otro importante lugar de teatralidad será la arquitectura efímera (hecha con madera o cartón piedra) para las entradas, bautizos, bodas o funerales de los reyes. Pues en todas estas manifestaciones el protocolo organiza la vida como un gran teatro y aporta un componente cenestésico del que ya se habló

 Salida de los reyes del Palacio Real de Madrid (Siglo XVII)

Este apartado lo explicaremos con más profundidad en un próximo artículo, pues acabamos éste con una de las principales puestas en escenas del mundo barroco, quizás la única que aún podemos ver en la actualidad de una forma muy semejante a lo que era en un principio. Me refiero a la Semana Santa, en donde la ciudad se convierte en un inmenso teatro en donde los espectadores y las imágenes de la Pasión y Muerte de Cristo se unen en un espectáculo que aturde todos los sentidos (el olor del incienso y las velas, la música fúnebre y los tambores, el propio movimiento de las figuras entre las masas de gente que lo invade todo.

Si queréis haceros una idea entrad aquí y mirad el artículo y video dedicado a la procesión del Gran Poder de Sevilla, en la madrugada del viernes Santo.

14 diciembre 2021

CARAVAGGIO A LA MÚSICA DE MONTEVERDI

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 18:40

SDELBIOMBO – 20 DE ABRIL DE 2015 – 17:47

CARAVAGGIO. ENLACES A NUESTROS BLOGS

11 diciembre 2021

LOS PASOS PROCESIONALES DE SALZILLO

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 17:10

SDELBIOMBO – 01 DE MARZO DE 2015 – 19:24 – SEMANA SANTA

Oración en el Huerto, Murcia

Tomada de Museo Salzillo

Salzillo (del que tenemos ya aquí una amplia fotogalería enlazada), fue el verdadero creador de la escuela murciana que trajo los ecos barrocos y protorrococós a este campo de la imaginería.

La caída. Murcia

Su fama le permitió trabajar para varias hermandades para las que realizó un estilo de paso complejo, normalmente ocupado por múltiples figuras, con gran cantidad de postizos (desde los ropajes, olivos naturales, comida verdadera)

La Cena.

Tomada del Museo Salzillo

Con suaves anatomías, una belleza ya casi rayana en el rococó y huyendo del dramatismo, sus esculturas se policroman en brillo, con complejas composiciones pensadas para ser vistas desde varios ángulos de visión

Detalle del Prendimiento

Tomada del Museo Salzillo

Los azotes

Tomada del Museo Salzillo

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE SALZILLO Y LA ESCUELA MURCIANA

4 diciembre 2021

La Roldana. Virgen de la leche

Filed under: Imagineros — Etiquetas: , — vicentecamarasa @ 19:18

Este año ha sido presentada presentada públicamente la última adquisición del Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Se trata de una terracota de pequeño tamaño con el tema de la Virgen de la Leche, un tema tierno, profundamente humano y maternal, típico de las devociones privadas .

No conocemos sobre el comitente de esta obra, aunque muy posiblemente fuera una compra privada, siendo realizada durante el periodo madrileño de la imaginera (1689-1706)

La terracota se encuentra policromada por su cuñado, Tomás de los Arcos.

Se trata de una composición muy equilibrada, tanto con la simetría como por los dos triángulos (invertido uno sobre otro) siendo el vértice de ambos la cabeza de la Virgen. Sólo la amplia diagonal del manto genera algo de movimiento (y junto a él las otras pequeñas diagonales creadas por los ángeles, el Niño, el manto).

Toda la obra tiene un minucioso modelado que tiende a las formas blandas, con un profundo trabajo en los pequeños y variados pliegues de los paños.

Todo lo dicho confiere a la obra una dulzura muy habitual en esta etapa madura de la escultora, en especial en sus encargos particulares, como se puede ver aquí

TODOS NUESTROS POST SOBRE LA ROLDANA

24 octubre 2021

Retablo de iglesia monasterio Guadalupe

Filed under: General — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 17:38

Sólo valdría mencionar los artífices que colaboraron en el para entender el valor de la obra, que se mueve entre el último manierismo y los inicios del barroco

Trazado por Juan Gómez de Mora y ejecutada por Juan Bautista Montenegro, con esculturas de Giraldo de Merlo, Jorge Manuel Theotocópuli y Juan Muñoz.

Los lienzos son de Vicente Carducho y Eugenio Cajés, con dorados de Gaspar Cerezo y Gonzalo Marín.

5 octubre 2021

REMBRANDT (Primera Parte). PINTOR DE PINTORES

Filed under: General — Etiquetas: — vicentecamarasa @ 17:57

SDELBIOMBO – 20 DE OCTUBRE DE 2008 – 14:50 – REMBRANDT

Autorretrato (con 55 años)

Casi estrictamente contemporáneo a Velázquez su vida no podía ser más diferente, tanto por el marco social en el que vivió como por su propio talante personal, un tanto bohemio, casi anticipo de lo romántico, especialmente en la segunda parte de su vida, cuando los gustos artísticos cambien en los Países Bajos y su situación económica le lleve a la bancarrota y a una triste y acelerada vejez.

Como puede verse en la imagen que abre el artículo, la imagen que transmite Rembrandt parece muy distinta a la que (con los mismos años) transmitía Velázquez en las Meninas, el cortesano frente al bohemio, el ser triunfante frente al derrotado.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Velazquez_Cruz_Roja.jpg

Velázquez Meninas

Sin embargo, y como el propio Velázquez, Rembrandt pasará a la Historia del Arte como un pintor de pintores, y la estela de su obra se puede seguir como una línea aparentemente discontinua pero en realidad constante que, entre otros, influyó en Goya, Van Gogh o Picasso.

Mis únicos maestros son Velázquez, Rembrandt y la Naturaleza, diría una y otra vez Goya, que especialmente en sus grabados, tomó numerosas inspiraciones del maestro holandés, así como la sinceridad de sus retratos

Autorretrato. Goya. 1800

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Goya_selfportrait.jpg

Más adelante será Van Gogh el que quedará maravillado por Rembrandt y como ya se vio en su autorretrato , sigue la estela de la indagación en su propio rostro, vigilándose constantemente.

Van Gogh. Autorretrato

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:VanGogh-self-portrait-dedicated_to_gaugin.jpg

Pero sin duda alguna, el último gran clásico que será Picasso, tomará todas estas influencias para reconvertirlas en su personal arte. En sus obras pasearán El Greco, Goya, Delacroix o Matisse, pero siempre dejando el lugar de privilegio a Velázquez (Su famosa serie de las Meninas) y a Rembrandt, cuya figura aparecerá cada vez más frecuentemente según se acerque a su vejez y se repita el tema del pintor y su modelo. El pintor será, una y otra vez, Rembrandt y sus gorros fantásticos con el que Picasso juega como si fuera un alter ego en el constante juego de disfraces que fue su pintura final

Picasso. Rembrandt y Eros

Para saber más:

Segunda parte. Las dos vidas del pintor 

http://arteolmos.blogspot.com/search/label/Barroco%20Europeo (Selección fotográfica)

Todas las imágenes de Rembrandt las tenéis en http://www.rembrandtpainting.net/

Buenos artículos en

http://aprendersociales.blogspot.com/search/label/13.5.%20PINTURA%20BARROCA%20HOLANDESA

Grandes fotos con pequeños comentarios

http://arteyartistas.wordpress.com/2007/11/18/rembrandt-harmenszoon-van-rijn/#comment-300

TODOS NUESTROS POST SOBRE REMBRANDT

31 agosto 2021

Análisis y comentario. Santo Domingo. Martínez Montañés

Filed under: General, Sevilla — Etiquetas: , , — vicentecamarasa @ 18:33

Figura central del retablo de Santo Domingo de Portaceli (Sevilla) que representa al santo creador del movimiento dominico con una iconografía poco usual. Tradicionalmente Santo Domingo aparecerá arengando y predicando, acompañado por su perro en cuyas fauces aparece una antorcha.

Sin embargo, en esta obra aparece con el torso desnudo y aplicándose penitencia con un látigo, un tema sumamente querido en la época contrarreformista en donde la penitencia se vincula directamente con el perdón de los pecados (la confesión) fuertemente apoyada por Trento frente al libre examen protestante.

Íntimamente relacionado con ello en este periodo barroco llegan a su plenitud las procesiones que recorren las calles en periodos litúrgicos (Semana Santa, Corpus) o momentos especiales (sequías, hambrunas, pestes). En ella aparecían los nazarenos de luz (con vela) junto a los de sangre (que se fustigan la espalda), una escena que recrea esta escultura y que (como es norma del mundo barroco) intenta acercarse al espectador a través de los sentimientos.

Estéticamente nos encontramos con una obra exenta (muy posiblemente para poder ser utilizada en desfiles procesionales), de talla sobre madera policromada (por Pacheco) y, posiblemente, con postizos, como podrían ser las colas del látigo.

Su composición se estructura en la gran diagonal generada por su cuerpo inclinado que se cruza con la otra línea fundamental de la escultura, el escorzo de su brazo que une visualmente la cruz con la mirada del santo. Se crea así un movimiento físico que, a la altura de la cabeza, se convierte en impulso emocional, con esa mirada reconcentrada en la cruz que lo aparta de todo y todos, justificando así el castigo como un impulso hacia lo divino. (Por otra parte, esta composición abierta y compuesta permite múltiples puntos de vista de la obra en sus salidas procesionales)

Tanto la policromía (mate, como es habitual en Pacheco, su principal colaborador) como la propia anatomía buscan una imagen realista (fíjate en los michelines del estómago) aunque sin caer en los excesos expresionistas del mundo barroco castellano (como se puede ver comparando esta obra con cualquier Cristo muerto de Gregorio Fernández, sus heridas y regueros de sangre) Se busca así una línea más clasicista que suaviza los aspectos más dolorosos de la realidad y apuesta por la belleza (también la del propio cuerpo humano) como forma de predicación al pueblo.

El modelado de la obra es intenso en la zona baja (los paños), creando fuertes claroscuros (que además generan una posición más estable de todo el conjunto), mientras que las carnaciones se realizan de una forma más suave y detallista, especialmente en sus rasgos de anatomía (musculatura, venas de brazos y cuello) que hablan de un gran conocimiento anatómico conseguido en la morgue de Sevilla (el Hospital de las cinco llagas), como ya era habitual desde el renacimiento (Miguel Ángel, Leonardo…)

La obra tiene una clara influencia. Se trata de la figura de barro cocido y policromado de San Jerónimo penitente que realizara Torrigiano en su estancia en Sevilla. Este compañero de Miguel Ángel en su juventud florentina crea un modelo de fuerte intensidad (tanto emocional como física), reforzado por su postura y composición, que servirá a Martínez Montañes en varias de sus obras (San Jerónimo de Santiponce)

En conclusión. Una obra típicamente barroca tanto en su tema (la propaganda religiosa de las nuevas normas emanadas en Trento y extendidas por la orden jesuita) como su técnica (diagonales, intensidad emocional), hecha para conectar con el espectador a través de la empatía, realizada por uno de los imagineros más insignes de toda nuestra Historia del Arte que, nacido en Alcalá la Real y educado en Granada (Pablo de Rojas), se establecerá en Sevilla, con trabajos puntuales en la corte (como la cabeza de Felipe IV que retratará EL PROPIO Velázquez). En su taller se educarán alguno de los escultores más prestigiosos de la siguiente generación (Juan de Mesa, Pedro Roldán…), siendo uno de los puntos de referencia de toda la escultura del sur de España con múltiples obras maestras (Cristo de los Cálices, la Cieguecita, Pasión, San Bruno, San Lorenzo, San Ignacio…)

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