Aunque empezara su carrera siguiendo el estilo de Caravaggio y sus seguidores, un viaje a Roma y el conocimiento de la obra de Guido Reni, Van Dyck y la segunda etapa de Ribera suavizan totalmente su estilo encaminándolo hacia una belleza conseguida a través del color opulento y los gestos elegantes, como es evidente en esta obra
Edificio de finales del siglo XVI, con reformas en 1696 y 1850
La portada de la iglesia corresponde a Alonso de Vandelvira con un relieve de la Virgen con el Niño esculpido por Juan de Oviedo, realizada en torno a 1590 y renovada en 1695 como el resto del interior del templo
El interior es de planta cajón, con un magnífico presbiterio con una techumbre mudéjar ochavada
El retablo mayor es obra de Cristóbal de Guadix de finales del siglo XVIII en el que colaborará con Pedro Roldán (como luego volverá a hacer en el retablo de San Vicente) con un Nazareno en la calle central que hoy se expone exento.
Se trata de una gran máquina dominada por las columnas salomónicas
Pintado en el año 1717, recrea el embarque hacia la isla de Citera, aquella en donde reside el amor, con su templo dedicado a Afrodita/Venus.
Las distintas parejas se encaminan hacia el barco en forma de cocha de Venus (pero también de exótica cama) sobre los que revolotean putti.
Pero todo esta envoltura mitológica sólo es eso, pura apariencia, pues detrás de ella se sucede una fiesta galante, un tema que será típico en el rococó que unirá mitología y sexualidad y que se relacionará con las fiestas de la aristocracia en donde existe tanta exquisitez como deseo carnal.
No es de extrañar las actitudes de las distintas parejas (que podrían hablar de los distintos momentos del cortejo) ni la actitud de los amantes que se mueven casi como bailarines de ballet, ingrávidos, llenos de grazia (una perfecta representación de esta sociedad de privilegiados ociosos y refinados de finales del Antiguo Régimen) sobre un paisaje delicado, levemente brumoso, sin ningún tipo de tragedia (paisaje pintoresco)
La composición es sumamente ondulada (para reforzar el sentido de suavidad y elegancia) y la luz muy suave, en un ambiente vaporoso que diluye los contornos y permite la perfecta unión entre personajes y paisaje.
Todo esto lo consigue con una pincelada muy suelta y unos colores de tonos pastel
Fotografías tomadas de wikipedia
Tomado de wikipedia
«Se acaba esta echura año de 1684 os en el mes de Juo en 27 dias reinando carlos segundo en españa; en fraa Luis desimo tersio dos meses despues de aber muto el arzobispo de sebilla Don anbrosio ignasio espinola/gusman»
«Yso esta echura con sus manos La insine artifise doña Luisa roldan en compañia de su esposo Luis antonio de los arcos los cuales Piden a todos los que esto supiesen agan algunos sufrajios por que dios perdone sus almas estose, por amor de dios y pedimos perdon a todos los qsubieremos ofendido / nosotros perdonamos a nuestros enemigos»
Este es el documento encontrado dentro de la escultura (algo muy habitual en la imaginería en madera que usa varias partes encoladas en donde la propia escultora firma su obra y habla de su terrible marido , normalmente el que policromaba sus obras).
Sin embargo, pese a este autógrafo, no toda la obra es de la Roldana, pues como se comprobó en la restauración solo la parte superior (el busto) sería de ella mientras que gran parte de la capa, las piernas y posiblemente toda la policromía corresponderían a los finales del siglo XVIII.
Curiosamente, también de busto (y con policromía no retocada), la Roldana trabajó en otros Ecce Homo actualmente en Córdoba, como ya analizamos aquí.
En todos ellos vemos unos perfectos estudios anatómicos (venas, músculos, tendones, heridas y hematomas) que la policromía daba aún más verismo de Cristo en el momento de ser expuesto a los judíos tras haberle azotado, puesto la corona de espinas y (como postizo) una sarcástica caña como bastón de mando (iconografía del Ecce Homo)
El tema habla, especialmente, del dolor y tuvo ya mucha importancia en los finales del gótico, recogiéndolo de nuevo en el barroco por las hermandades de Pasión que buscan imágenes de gran impacto emocional en los fieles que contemplan las procesiones. (su magnífico Nazareno de Sisante)
Luisa Roldana no tuvo que buscar demasiados modelos pues en el taller de su padre (Pedro Roldán) en el que trabajó hasta su boda, se trabajaron muchas imágenes pasionarias, llenas de dolor y lástima ante un destino impuesto e injusto.
Cuando la escultora consiga el título (tan mal remunerado siempre) de escultora real de Carlos II, los encargos (para la realeza, nobleza y conventos) harán cambiar su estilo, volviéndose más suave, tierno y embellecido, cada vez más cercano al mundo rococó.
El monumento funerario del obispo Giovanni Battista Santoni, fechado hacia 1614 posee un busto que se atribuye al Bernini aún juvenil (menor de 20 de años).
Santoni fue mayordomo del Papa Sixto V de 1590 a 1592, y la obra fue ejecutada en algún momento entre 1613 y 1616, y mientras unos especialistas le adjudican sólo el busto, otros hablan también de la arquitectura y los putti .
Aunque dicha arquitectura es todavía manierista, el verismo de la imagen, el interés por las texturas y la vehemencia del gesto que quiere comunicarse con el espectador nos hablan ya de su futura escultura.
El clásico tema de Caín y Abel fue interpretado por el pintor jugando con varios registros.
Por una parte se abandona el paisaje y se genera una luz cálida intensa y dirigida tenebrista.
Sobre ella se crea una espectacular composición regida por dos diagonales (la que crea Abel frente a los brazos de Caín, ambas reforzadas por nuevas diagonales paralelas a ellas creadas por elementos del paisaje) que se unen en el rostro angustiado del hermano que está a punto de morir.
Las figuras componen toda una coreografía típica de la escultura helenística, con unos cuerpos maravillosamente modelados en la luz con toda la sabiduría clásica.
Lucrecia, casta esposa, mujer trabajadora, bella y virtuosa, con un marido demasiado ingenuo.
Su esposo, Colatino, estaba participando en el asedio a una ciudad, junto con sus compañeros y amigos. Entre ellos, Sexto Tarquinio, hijo del rey romano Tarquinio el Soberbio. Borrachos y encendidos, discutían sobre cuál de sus esposas era mejor y decidieron espiarlas, para ver qué hacían en ausencia de sus maridos.
Mientras el resto socializaban y disfrutaban de su ocio, Lucrecia, ajena a todo, seguía trabajando la lana, bien entrada la noche. Sexto Tarquinio decidió romper una norma básica, esa que dice que no se tocan los bienes ajenos y, en otra noche libre, fue de nuevo a la casa de su amigo y la violó.
Lucrecia se resistió pero, ante la amenaza de deshonrarla, matándola y dejando el cadáver de un esclavo junto a ella, para acusarla de adulterio, desistió. Eso sí, solo para matarse ella misma tras denunciar el agravio ante su padre y esposo. Que no sirva de ejemplo a ninguna mujer, dice, que ninguna aprecie más su vida que su honor, pues la venganza desatada acabó no solo con la vida de Sexto Tarquinio, sino con la propia monarquía (etrusca) en Roma.
Cunnus (González Gutiérrez_ Patricia)
Es evidente que esta historia romana en los propios albores de la República es toda una evidencia del papel de la mujer, que ha de ser (y parecer) pura. Un verdadero aviso a navegantas.
Sin embargo en esta defensa del honor (y en el fondo, de un honor en relación con lo sexual) hay algo que resulta por lo menos chocante: en la mayoría de las ocasiones, Lucrecia aparece desnuda de cintura para arriba, con un actitud intensa (por su próxima muerte que a veces se podría confundir con la del acto sexual)
Además de ello, la aparición constante del largo estilete que se hunde en sus carnes podría confundirse con una alusión a la penetración, sexualizando una imagen que debería de hablar de pudor (algo muy semejante a lo que ya hablamos sobre la sexualización de María Magdalena)
Luca Cambiaso
Tomado de wikipedia
Palios 